sábado, 15 de febrero de 2020

EL MUNDO SEGÚN TARANTINO



Quentin Tarantino es sin duda, uno de los directores con más fama y respeto en el medio cinematográfico mundial, su número de seguidores cada vez es mayor, sus películas cada vez están mejor posicionadas en las listas de lo mejor del cine, a su alrededor hay un sin número de leyendas e historias que colocan al oriundo de Knoxville Tennesse en el estatus de casi, casi, una estrella de rock, por la fama y la expectación que levanta con su persona y sus cintas.

De su cine se ha hablado muchas veces, las reseñas de sus películas siempre caen en los mismos tópicos; su estilo, sus homenajes, sus diálogos, su gusto por la violencia, su magistral manejo de la cámara, etc. En esta ocasión quiero resaltar otro aspecto que va más allá de lo que sus historias presentan a primera vista, quiero presentar su mundo; el particular mundo que ha creado dentro de su cine, el universo personal en el que personajes, marcas, situaciones y diálogos convergen en un espacio único.

Como algunos saben, dentro de sus historias ha creado un mundo alternativo que solo es compatible viendo sus cintas y entendiendo un poco de la mente del que muchos llaman; “el maestro”. Empezaremos desde sus inicios, resaltando aspectos curiosos e interesantes de cada uno de sus proyectos como creador y tratare de ir hilando sus nexos y coincidencias a lo largo de su filmografía de forma cronológica.


Love Birds in Bondage (1983)

-Esta es más una curiosidad que otra cosa, es el primer proyecto de Quentin, una historia que jamás llegó a terminarse, incluso, solo él llegó a filmar escenas, la demás parte del elenco nunca pudo filmar, este guión lo escribió junto a Scott Magill, quien presumiblemente quemó el poco material filmado.

-La trama era la siguiente: Comedia negra acerca de una chica que sufre un daño cerebral a causa de un accidente de coche y tiene que ser internada en una institución debido a su comportamiento errático. Su fiel y destrozado novio toma la decisión de admitir lo ocurrido y permanecer junto a ella. 

-Tarantino interpretaba al fiel novio.


My Best Friend’s Birthday (1987)

-Otra curiosidad dentro de la filmografía de Quentin, aunque en esta ocasión si llegó a filmarse por completo, pero una vez más, parte del material se perdió en extrañas circunstancias (un incendio en el laboratorio de revelado del filme), de los 70 minutos que duraba solo se salvaron 34, los cuales se pueden ver en Youtube.

-Escrita por el propio Tarantino y Craig Hamann durante el tiempo en el que ambos trabajaron en el video club “Video Archives” de Manhattan Beach California.

-En el elenco figuraban varios amigos de Tarantino de aquella época, entre los que destaca Roger Avary, con quien años después co-escribiría el guión de “Pulp Fiction”.

-Cuenta la historia de un joven que buscaba darle el regalo perfecto a un amigo al que su novia lo había dejado recientemente, esa misma trama Tarantino la reciclaría y tomaría sus bases para escribir el guión de “True Romance” ó “La Fuga”, como se le conoció en México.

-Quentin interpretaba un personaje de nombre Clarence Pool, el cual años después sería el mismo personaje de Christian Slater en la cinta “La Fuga”.


Perros de Reserva (1992)

-Su primera película oficial, la cual lo llevo al festival de Sundance de 1992, en donde conoció a un joven texano de sombrero llamado Robert Rodríguez, que ese mismo año presentaba también su primera película; “El Mariachi”, de ahí nació una gran amistad que al día de hoy sigue fructiferando en numerosos apoyos y trabajos entre los dos cineastas.

-En un principio Tarantino realizaría el papel de Steve Buscemi; Mr. Pink, y George Clooney adiciono para el papel de Mr. Blonde, se le ofreció un papel a James Woods pero su agente rechazó la oferta, años después cuando Woods conoció a Quentin y supo esto, despidió a su agente.

-Tarantino estuvo apunto de filmar esta cinta con una cámara de 16 mm y con amigos suyos como actores, de no ser por Lawrence Bender (uno de los productores de esta, de Pulp Fiction y varias cintas más de Quentin) que le envió una copia del guión a Harvey Keitel, al cual le encantó y gracias a él se consiguió el millón y medio de dólares con el que la filmaron.

-En el flashback de Mr. White (Harvey Keitel), Joe Cabot (Lawrence Tierney) le pregunta por una mujer de nombre; “Alabama”, esto es una referencia al personaje del mismo nombre que interpretó Patricia Arquete en “La Fuga”, pues en el mundo de Tarantino, ella fue compañera de crimen de Mr. White después de conocer a Clarence, el personaje de Christian Slater en esa película.

-El nombre verdadero del personaje de Mr. Blonde interpretado por Michael Madsen, es Vic Vega, lo que es una referencia a Vincent Vega, personaje que interpretó John Travolta en “Pulp Fiction”, en el mundo de Tarantino, estos dos personajes son hermanos, incluso mucho tiempo se rumoró que existía un guión de las aventuras de estos hermanos criminales, el guión presumiblemente se llamaba: “The Vega Brothers”.

-En una escena dentro de un auto, un personaje menciona a Pam Grier y sus películas, años después ella sería la protagonista de “Jackie Brown”, tercera cinta de Tarantino.

-Tarantino siempre ha sido gran fan de Charles Bronson, es por eso que en dos escenas diferentes se le nombra, la primera en el spech de Quentin sobre la canción “Like a Virgin” y la segunda cuando halan del robo y la posibilidad de que alguien de los dependientes de la joyería se haga el “Bronson” durante el atraco.

-La palabra “Fuck” es usada 272 veces.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, el largo plano secuencia cuando Mr. Blonde va a torturar al policía y entra y sale del almacén sin que haya cortes en la escena, además de la escena dentro de una cajuela, cuando Mr. Blonde la abre para enseñarles a Mr. White y a Mr. Pink que trae a un policía ahí.

-La música siempre ha sido muy importante en el universo de Tarantino, a destacar en esta cinta las siguientes canciones: “Little Green Bag” performed by George Baker (de la mítica escena de los créditos de inicio) y “Stuck in the Middle with You” performed by Stealers Wheel (de la mítica escena de la tortura al policía en la bodega).

SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En la escena del principio en la cafetería hay un indicio de quien es la rata del grupo, pues cuando Joe pregunta quien no puso para la propina es Mr. Orange el que inmediatamente delata a Mr. Pink.

-En la escena en que Nice Guy Eddie (Chris Penn) va manejando y hablando por celular sobre lo mal que salió el robo, un globo naranja aparece flotando en la calle, claro indicio del color de la rata del grupo.


La Fuga (1993)

-Este guión Tarantino lo vendió en $10,000 dls, con ese dinero se compró el Chevy rojo convertible que usa John Travolta en “Pulp Fiction”.

-El guión original era muy extenso, tan extenso que se dividió, y la otra parte que no sale aquí es la base de la película “Natural Born Killers”.

-El guión original no estaba lineal, más bien seguía el estilo de rompecabezas de “Pulp Fiction”, esto lo cambió el director Tony Scott antes de rodar la cinta.

La palabra “Fuck” es usada 225 veces

-Tarantino ha afirmado que este guión es el único un tanto autobiográfico que ha escrito, lo que tiene un poco de sentido si tenemos en cuenta que Quentin atendía un videoclub y el personaje de Christian Slater; Clarence, atiende una tienda de cómics, además ambos son fans del cine de artes marciales, como se ve en la escena en que Clarence conoce a Alabama en un cine viejo, en específico de Sonny Chiba, actor que años después sería Hattori Hanzo en “Kill Bill”.

-Mueren 21 personas y todas son por disparos de arma de fuego.

SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En el guión original el personaje de Clarence muere en la balacera final y Alabama queda viuda, por lo que es rescatada por Mr. White y así inicia una carrera delictiva con él, dato que se corrobora en “Perros de Reserva”.


Pulp Fiction (1994)

-El papel de Samuel L. Jackson, Tim Roth y de Harvey Keitel, fueron escritos específicamente para ellos, en cambio el de Bruce Willis fue escrito para Sylvester Stallone, quien lo rechazó.

-El personaje de Vincent Vega fue escrito para Michael Madsen quien ya había sido Mr. Blonde en “Perros de Reserva”, pero por problemas de agenda no pudo hacerlo, fue cuando Daniel Day Lewis y John Travolta hicieron casting, quedándose este último con el papel.

-El personaje de Lance, interpretado por Eric Stoltz, come en una escena un cereal de nombre “Fruit Brute”, este cereal fue descontinuado en los setentas, pero Tarantino tenía una fijación con él, tanto que incluso también aparece en “Perros de Reserva” en la cocina de Mr. Orange (Tim Roth).

-El personaje de “Mr. Wolf” interpretado por Harvey Keitel, ya había salido en otra película, en concreto; “La Asesina”, remake gringo de “Nikita”, ahí el personaje se llamaba: “Víctor El Limpiador”, y también lo interpretaba Keitel.

-El contenido del maletín que brilla siempre ha sido un misterio, existen dos teorías; la primera dice que es el alma de Marcellus Wallace (Ving Rhames) y la segunda, dice que son los diamantes robados en “Perros de Reserva”, incluso el maletín es idéntico en las dos cintas, hace algunos años Tarantino mismo dijo que es lo que los espectadores quieren que sea.

-La palabra “Fuck” es usada 265 veces.

-Los personajes fuman cigarros “Red Apple” marca que inventó Tarantino y que sale en la mayoría de sus cintas.

- El flashback de la niñez de Butch (Bruce Willis) sucede en Knoxville Tennessee, lugar de nacimiento de Quentin.

-El pasaje de la Biblia de “Ezequiel 25:17” fue inventado en su mayoría por Tarantino y Samuel L. Jackson, la única parte que es similar a la de la biblia es la de: “And I will strike down upon thee with great vengeance and furious anger. And you will know my name is the Lord when I lay my vengeance upon thee."

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, el largo plano secuencia cuando Jules y Vincent llegan al edificio donde van a recoger el maletín, así como la escena de la cajuela, cuando sacan su armas antes de entrar al edificio, también algunos personajes femeninos que están descalzos, caso de Uma Thurman y la taxista Esmeralda.

-La música a destacar en esta cinta es la siguiente: “Misirlou” performed by Dick Dale and The Del Tones (de los créditos de inicio del film y del trailer), “You Never Can Tell” performed by Chuck Berry (de la mítica escena de baile entre John Travolta y Uma Thurman) y “Girl You´ll Be A Woman Soon” performed by Urge Overkill (de la escena en que Travolta llega a casa de Uma Thurman después del restaurante).


Asesinos por Naturaleza (1994)

-El personaje de Tom Sizemore se llama “Jack Scagnetti”, en “Perros de Reserva” el oficial de libertad condicional de Mr. Blonde se llama “Seymour Scagnetti”.

-El policía torturado en “Perros de Reserva” se llama “Marvin Nash”, en esta cinta los personajes de Mickey (Woody Harrelson) y Mallory (Juliette Lewis) matan a un policía de nombre “Gerald Nash”, además el actor que interpreto a Nash en “Perros de Reserva”, de nombre Kirk Baltz, interpreta a uno de los camarógrafos de Robert Downey Jr. en esta cinta.

-Tarantino manifestó públicamente que su guión fue mutilado y cambiado por el director Oliver Stone, por lo que esta es considerada la menos personal de sus obras.

-Se dice que Tim Roth y Steve Buscemi fueron considerados para algunos papeles, pero Quentin les hablo y les dijo que de trabajar en esta cinta jamás volverían a trabajar con él, esto es solo una leyenda.


Cuatro Habitaciones – Segmento “The Man from Hollywood”- (1995)

-Historia coral dirigida por cuatro directores que en aquellos años representaban a la nueva generación de cineastas independientes; Allison Anders, Alexander Rockwell, Robert Rodríguez y Quentin Tarantino, de esta manera fue la primera vez que colaboraron estos dos últimos en un proyecto

-Al principio el logo de la productora “A Band Apart” de Tarantino y Lawrence Bender, presenta al personaje de Tim Roth de “Perros de Reserva” convirtiéndose en el botones protagonista de esta cinta, todo en caricatura.

-El personaje del botones que interpreta Tim Roth fuma cigarros “Red Apple”, marca que inventó Tarantino.

-El auto que apuestan en el segmento dirigido por Quentin, es el mismo que usa John Travolta en “Pulp Fiction” y que en la vida real pertenece a Tarantino.

-La palabra “Fuck” es utilizada 193 veces en el segmento de Quentin.

-Bruce Willis no aparece en los créditos por que no cobró por su actuación, lo hizo como favor a Tarantino, y por esa razón la asociación de actores de Estados Unidos no lo dejó aparecer formalmente en los créditos.

- Las escenas marca de Tarantino están presentes, el largo plano secuencia cuando El Botones entra al penthouse, lo recorre y finalmente llega a la barra donde harán la apuesta, y el personaje que interpreta Jennifer Beals esta descalza durante todo el segmento.


Del Crepúsculo al Amanecer (1996)

-Originalmente esta cinta la iba a dirigir Tarantino, pero decidió que mejor la dirigiera su amigo Robert Rodríguez y así él enfocarse más en el guión y en su actuación.

-El nombre del personaje de Salma Hayek; “Satánico Pandemónium”, Quentin lo saco de una película mexicana del mismo nombre de 1975, cinta que Tarantino recordaba de su época trabajando en el video club.

-El personaje de George Clooney compra hamburguesas “Big Kahuna” que son las mismas que comen en “Pulp Fiction” cuando Travolta y Samuel L. Jackson van al departamento por el maletín, y que también es una marca inventada por Quentin.

-Michael Parks interpreta al sheriff “Earl McGraw” y a pesar de que muere, ese mismo personaje volvería a aparecer en “Kill Bill”, “Planet Terror” y “Death Proof”.

-El personaje que hace George Clooney antes pasó por John Travolta, Tim Roth, Michael Madsen, Steve Buscemi y Christopher Walken, todos ellos no lo concretaron por problemas de agenda.

-El guión se escribió por que el especialista en efectos especiales; Robert Kurtzman, acepto trabajar gratis en “Perros de Reserva” a cambio de que Tarantino escribiera esta historia de vampiros que Kurtzman tenía en su cabeza pero no sabía como desarrollarla.

-Mueren 122, entre vampiros y personas.

- Las escenas marca de Tarantino están presentes, la escena de la cajuela aparece después de los créditos cunado George Clooney y Quentin Tarantino sacan a la rehén que llevan, además de las escenas con mujeres descalzas, caso de Juliette Lewis y Salma Hayek.

-La música a destacar es la siguiente: “Dark Night” performed by The Blasters (de los créditos de inicio del film)


Jackie Brown (1997)

-En la escena en la que Robert Foster sale de una sala de cine se escucha una canción de fondo, esa música de créditos es la misma música de créditos del final de esta cinta.

-El papel de Louis Gara interpretado por Robert de Niro en un principio estaba pensado para Sylvester Stallone, y el de Ray Nicolette interpretado por Michael Keaton estaba pensado para John Travolta.

-Es la única película de Quentin que no es original, esta basada en una novela; “Rum Punch” de Elmore Leonard, quien también escribió la novela de “Get Shorty”, esa cinta que John Travolta estelarizo en 1995 gracias al consejo de Tarantino después de que trabajaron juntos en “Pulp Fiction”.

-El personaje de Michael Keaton; Ray Nicolette, aparece también en la película “Un Romance Peligroso” con George Clooney y Jennifer López, esto debido a que también se basa en una novela de Elmore Leonard.

-En la novela el personaje de Jackie Brown se llama Jackie Burke y era blanca, Quentin cambió eso para poder trabajar con Pam Grier, a la que siempre ha admirado y que incluso es nombrada en sus películas anteriores como “Perros de Reserva” y “Pulp Fiction”.

-Es la película menos violenta de Tarantino, solo mueren 4 personas.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, la escena de la cajuela aparece cuando Ordell Robbie (Samuel L. Jackson) le pide a Beaumont (Chris Tucker) que se meta dentro de ella, el largo plano secuencia aparece cuando Jackie Brown sale de la tienda de ropa y busca al detective Nicolette por todo el centro comercial, además de la escena con una mujer descalza, pues Bridget Fonda esta descalza en todos sus escenas dentro del departamento.

-La música a destacar es la siguiente: “Street Life” performed by Randy Crawford (de la escena en que Jackie Brown consigue salir avante del trueque del centro comercial), “Across 110th Street” performed by Bobby Womack (de la escena en que Jackie Brown va manejando su auto en forma pensativa y los créditos finales) y “Didn't I Blow Your Mind This Time" performed by The Delfonics (de la escena en que Robert Foster compra un cassette para escuchar esa canción en su auto).


Kill Bill Vol. 1 (2003)

-El personaje de “The Bride” fue creado por Quentin Tarantino y Uma Thurman durante un descanso de la filmación de “Pulp Fiction” donde ambos jugueteaban y entre broma y broma crearon el personaje de una mujer que el día de su boda es masacrada, años después, en el cumpleaños número 30 de Uma, Quentin le entrego el guión completo de lo que había nacido casi casi como un juego, el guión constaba de 220 páginas, de ahí que se dividió en dos volúmenes.

-El personaje de Bill fue ofrecido primero a Warren Beaty y a Kevin Costner, al declinar los dos fue cuando se le ofreció a David Carradine, quien incluso fue sugerido por el propio Beaty.

-La escena de pelea en blanco y negro del volumen 1 quedó en blanco y negro por un motivo de censura, ya que si se hubiera mostrado a color y con lo rojo de la sangre volando por todos lados, difícilmente hubiera sido aprobada por la asociación de clasificación de Estados Unidos.

-En el póster original del volumen 1 las palabras escritas en chino de la parte de atrás dicen: “kirubiru”, que traducido significa “Kill Bill”.

-En la vida real el actor Sonny Chiba, que interpreta a Hattori Hanzo, es un fabricador de katanas, al igual que en la película.

-La camioneta “Pussy Wagon” que aparece en el volumen 1 pertenece a Tarantino en la vida real.

-La escena en la que se divide la pantalla mientras Elle Driver recorre el hospital es un claro homenaje al cine de Brian de Palma, esto dicho por el propio Tarantino.

-Esta fue la primera obra de Tarantino que usa menos de 100 veces la palabra “Fuck”, solo se dice 17 veces.

-Los lentes que roba The Bride a Buck (Michael Bowen) en el hospital, son los mismos que usa Christian Slater en “La Fuga”.

-La marca de cigarros inventada por Quentin; “Red Apple”, se ve en un anuncio publicitario cuando The Bride llega al aeropuerto de Tokio.

-La caja de cereal en la que Vernita Green (Vivica A. Fox) esconde una pistola lleva por nombre: “Kaboom” haciendo alusión al disparo que de ahí saldrá, esta es otra marca inventada por Quentin.

-El traje amarillo que usa The Bride es un claro homenaje a Bruce Lee, pues él usó uno muy similar en “El Juego de la Muerte”, además, los Crazy 88 visten igual que Kato, el personaje que Lee interpretó en “El Avispón Verde”.

-Los tenis amarillos que usa The Bride tienen en su suela escrita la palabra: “Fuck U”

-Mueren 95 personas

-Tarantino es uno de los Crazy 88 que lucha contra The Bride, es difícil identificarlo por el antifaz y por la cantidad de hombres iguales a su alrededor.

- Las escenas marca de Tarantino están presentes, la escena de la cajuela aparece cuando The Bride la abre y lleva a Sofie Fatale (Julie Dreyfus) dentro, las mujeres descalzas en diferentes escenas, como en la que Lucy Liu mata a los jefes japoneses y en la que The Bride escapa del hospital, y el largo plano secuencia cuando The Bride llega al lugar donde se enfrenta a los Crazy 88.

-La música a destacar es la siguiente: "Battle Without Honor or Humanity” performed by Tomoyasu Hotei (de la escena en que The Bride se dirige al cuartel de O-Ren Ishi, y que también apareció en el trailer de la película), “Don't Let Me Be Misunderstood / Esmeralda Suite" performed by Santa Esmeralda (de la escena de pelea entre The Bride y O-Ren Ishi en el jardín).

SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En el guión original el personaje de Gogo Yubari (Chiaki Kuriyama) tenía una gemela de nombre Yuki Yubari, después de que muere en manos de The Bride, la busca para vengarse, toda esa parte existe en un capitulo que no aparece en la película, el capítulo se llama “Yuki´s Revenge” y sucede después de que The Bride mata a Vernita Green en su casa.


Kill Bill Vol. 2 (2004)

-Tarantino estuvo apunto de realizar el papel de “Pai Mei”, pero por motivos logísticos le cedió el papel a Gordon Liu, quien ya había filmado el papel del jefe de los Crazy 88.

-El personaje de “Pai Mei” esta basado en un verdadero maestro del kung fu de la vieja china, de nombre “Pak Mei” y quien creo el estilo “White Eyebrow”, este personaje de la vida real es considerado un villano en la historia marcial de aquel país, pues vendió a otros maestros con tal de que su escuela y sus alumnos fueran los únicos sobrevivientes a un ataque en el templo mayor.

-Robert Rodríguez musicalizo este volumen 2 a cambio de un dólar, Tarantino le devolvió el favor cuando él dirigió un segmento de “Sin City”, igual por un dólar.

-A pesar de que Quentin siempre usa sus marcas inventadas para cereales y cigarros, en esta cinta usa la marca mexicana; “Bimbo”, cuando Bill le hace un sándwich a la pequeña B.B.

-El golpe de “Pai Mei” con el que The Bride rompe el ataúd, esta basado en un golpe inventado por Bruce Lee.

-La marca de cigarros “Red Apple” se ve en la mesa cuando Esteban Vihaio (Michael Parks) platica con The Bride en Vallarta.

-El galón de gasolina con el que rocía Mr. Blonde al policía en “Perros de Reserva” se puede ver dentro de la casa rodante de Budd, personaje que también interpreta Michael Madsen.

-Un póster de Charles Bronson se ve dentro de la casa rodante de Budd, Bronson es de los mayores héroes de Tarantino.

-Samuel L. Jackson, quien es de los actores fetiche de Quentin, aparece en el pequeño papel de “Rufus” el pianista de la capilla donde se casa The Bride.

-Tarantino siempre ha sido un fan confeso de los spaghetti westerns y en esta cinta, y el anterior volumen, fue cuando coqueteo con el género por primera vez, hay varias escenas con música de Ennio Morricone, Morricone era el compositor de cabecera de Sergio Leone, uno de los directores favoritos de Quentin y el precursor de ese género.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, como el largo plano secuencia, cuando The Bride recorre y sale de la iglesia para encontrarse con Bill quien esta tocando su flauta.

-La música a destacar es la siguiente: “Malagueña Salerosa” performed by Chingon (de los créditos finales, y como dato adicional, este es el grupo de Robert Rodríguez, donde él mismo toca el bajo).

SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En esta parte solo mueren tres personas; Bill, Budd y Pai Mei, solo a Bill lo mata The Bride.


Death Proof (2007)

-Este fue un proyecto en conjunto con su gran amigo Robert Rodríguez, ambos buscaron hacer un homenaje al cine “B” y “Z” de los setentas y ochentas, el tipo de películas que realizaba Roger Corman (uno de los más admirados personajes por Quentin Tarantino), cintas baratas, de explotación, que tenían más ingenio que dinero en su haber, el proyecto se presentó en los estados unidos como una sola película; “Grindhouse”, la cual constaba de dos partes; “Planet Terror” de Rodríguez y “Death Proof” de Quentin, ambas se filmaron casi al mismo tiempo, contando con los directores en ambos proyectos supervisando todos los aspectos, tras el fracaso comercial en Estados Unidos, el estudio decidió dividir las cintas y estrenarlas por separado en el extranjero.

-El nombre original del segmento de Tarantino se llamaba: “Quentin Tarantino´s Thunder Bolt”.

-Zoe Bell se interpreta a ella misma; una doble de acción de cine y televisión, ella fue la doble de Uma Thurman en “Kill Bill”, fue tal la amistad y admiración que nació entre Zoe y Quentin, que este último le escribió este personaje exclusivamente para ella.

-Al principio el personaje que realiza Vanesa Ferlito bebe de una taza con publicidad del restaurante “Acuña Boys”, este es un restaurante inventado por Robert Rodríguez y que tiene que ver con la ciudad de Acuña Coahuila donde filmo “El Mariachi” y “Pistolero”, también hay un anuncio falso de ese restaurante que se pasaba entre el final de “Planet Terror” y el comienzo de Death Proof” en la versión Grindhouse estrenada en Estados Unidos.

-La canción con la que Vanesa Ferlito le hace un striptease a Kurt Russell de nombre “Down in México” es una de las canciones favoritas de Quentin y también una de las más raras que tiene en su colección de música, según palabras del propio Tarantino.

-La palabra “Fuck” es utilizada 148 veces.

-El personaje de “Stunt-Man Mike” interpretado por Kurt Russell, fue escrito con Sylvester Stallone en mente, rechazo el papel y después se le ofreció a Mickey Rourke, quien también lo rechazó.

-Es la única película dirigida de Tarantino que se desarrolla de forma cronológica.

-En una escena se escucha un celular con el ringtone del silbido de “Kill Bill”.

-Un personaje pregunta por los cigarros “Red Apple”, la marca inventada por Tarantino, también en un diálogo entre Stunt-Man Mike y Jungle Julia (Sidney Tamiia Poitier) se nombran las hamburguesas “Big Kahuna”, otra de las marcas inventadas por el director.

-Mueren 6 personas.

-Los personajes de Michael Parks (que interpreta al sheriff ya visto en “Del Crepúsculo al Amanecer” y “Kill Bill”) Marley Shelton y Elise y Electra Avellán (las gemelas) son los únicos que aparecen en los dos segmentos que comprendían “Grindhouse”.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, como el largo plano secuencia, cuando en la segunda mitad del film el grupo de amigas come en un restaurante, incluso esta escena es un auto homenaje a la escena del principio de “Perros de Reserva”, la escena dentro de una cajuela aquí cambia y es de adentro del cofre del motor de un coche, y las mujeres descalzas también existen, pues Jungle Julia sale en varias escenas sin zapatos y el personaje de Vanesa Ferlito muere cuando lleva sus pies descalzos fuera de la ventana del coche.

-La música a destacar es la siguiente: “Down in México” performed by The Coasters (de la escena de striptease al Stunt-Man Mike) y “Chick Habit” de April March (de los créditos finales.


Bastardos sin Gloria (2009)

-En un principio Tarantino quiso mezclar aún más el género Bélico con el Spaghetti Western, tan es así que el titulo original de la cinta sería “Once Upon a Time in Nazi-Occupied France”, al final solo se llamó así el primer capítulo de la historia y el guión total fue un trabajo de casi 10 años por parte de Quentin.

-El personaje de Hans Landa en un principio se escribió para Leonardo Di Caprio, por problemas de agenda no pudo hacerla y terminó en manos del gran descubrimiento que fue Christoph Waltz, también el personaje de Lt. Archie Hicox era para Simon Pegg, quien tampoco pudo filmarla y en su lugar se hizo el otro gran descubrimiento de esta cinta; el de Michael Fassbender, por último el papel del Sgt. Donny Donowitz que realizó Eli Roth, en un principio era para Adam Sandler, quien no pudo hacerlo por filmar “Funny People”.

-El nombre del personaje de Til Schweiger; Hugo Stiglitz, sí esta basado en el actor mexicano, Tarantino se grabó ese nombre cuando vio la película mexicana “Tintorera”, esto cuando trabajaba en el video club.

-Las escenas de la película “Nation´s Pride”, que es la cinta que estrenan en el cine de Shosanna al final, fueron filmadas por Eli Roth.

-El personaje de Shosanna Dreyfus (Melanie Laurent), lleva ese apeído en honor de la exnovia de Quentin; Julie Dreyfus, quien apareció como Sofie Fatale en “Kill Bill” y como Francesca Mondino, la traductora de Goebbels, en esta cinta.

-En la escena del cine Eli Roth se presenta como “Antonio Margheriti”, este es en realidad el nombre de un director Italiano admirado por Eli y por Quentin, es el responsable de la cinta de culto: “Cannibal Apocalypse”.

-En el bat de Donny Donowitz, se puede leer el nombre de Ana Frank.

-El personaje de Hans Landa habla 4 idiomas diferentes durante la película (Ingles, Alemán, Frances e Italiano), todo ellos los habla fluidamente el actor Christoph Waltz, y esta fue una de las razones por las que se quedó con el papel.

-Es la cinta de Tarantino con más nominaciones al oscar; 8 en total, ganó un solo Oscar; a mejor actor de reparto para Christoph Waltz, “Pulp Fiction” obtuvo 7 nominaciones e igualmente ganó uno, a mejor guión original para Quentin.

-Michael Madsen iba a realizar un papel de nombre “Babe Buchinsky” que era un claro homenaje al personaje de Charles Bronson en “Doce al Patíbulo”, cinta que por cierto sirvió como una de las inspiraciones para Tarantino al escribir este guión.

-El titulo de la película se tomó prestado de la película italiana “The Inglourious Bastards” del director Enzo G. Castellari, quien aprobó personalmente que Quentin reciclara el nombre para esta obra.

-En la película nunca se dice por qué Aldo Raine tiene esa cicatriz en su cuello, en el guión original se decía que era debido a que Raine había sufrido un linchamiento en su juventud, del cual salió vivo y solo le dejo esa marca.

-El narrador de la historia es Samuel L. Jackson, uno de los actores fetiches de Tarantino que siempre termina involucrado de mayor ó menor manera en sus proyectos.

-En el mundo de Tarantino, el personaje de Aldo Raine (Brad Pitt) es el abuelo del personaje de Floyd (También Brad Pitt) visto en “La Fuga”.

-En el mundo de Tarantino, el personaje de Donny Donowitz (Eli Roth) es el padre del personaje de Lee Donowitz (Saul Rubinek), quien fuera el productor de cine adicto a la cocaína en “La Fuga”.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, como el largo plano secuencia cuando Shosanna ve la entrada de Hans Landa y Von Hammersmark en el cine, aquí no hay cajuela pero la cámara se posiciona de igual manera cuando Aldo Raine le hace la marca en la frente a Hans Landa, y la mujer descalza en esta ocasión es el personaje de Melanie Laurent que en la parte final en la sala de proyección no trae zapatos.

-La Música a destacar es la siguiente: “Rabbia E Tarantella” performed by Ennio Morricone (de los créditos finales) y “Cat People” performed by David Bowie.


Django Unchained (2012)

-Esta es la sexta colaboración de Samuel L. Jackson con Quentin Tarantino.

- Esta es la tercera ocasión en la Ennio Morricone participó con su música en una obra de Tarantino.

- Quentin escribió el papel de Ace Woody para Kevin Costner, el cual lo rechazo por hacer The Man of Steel, esta fue la segunda vez que Costner le rechazó un papel, ya que Bill en Kill Bill también se escribió con él en mente. Después ese mismo papel de Ace Woody fue rechazado por Kurt Russell y termino casi desapareciendo de la historia, al final lo hizo Waltoon Goggins pero con otro giro.

- En el mundo de Tarantino, Django y su esposa Bromhilda Von Shaft, son los tatara, tatara, tatara abuelos del famoso personaje policiaco; Shaft.

- En el mundo de Tarantino, el Dr. King Shultz sería el nieto de Paula Schultz, quien era la dueña original de la tumba en la que entierran a The Bride (Uma Thurman) en Kill Bill Vol.2.

- El original Django; Franco Nero aparece haciendo un cameo, sentado en una barra con guantes azules y le pregunta a Jammie Foxx su nombre, a lo que él le responde; “Django, la D es muda”.

-El personaje de Django se escribió para Will Smith, pero este lo rechazó por considerar la cinta muy violenta y hasta ofensiva para la comunidad afro americana.

-Ganó dos oscares; mejor guión original y mejor actor de reparto para Christoph Waltz.

-Tarantino ya había trabajado en algo que tenía que ver con Django, ya que actuó en la excelente Sukiyaki Western Django de Takashi Miike.

- Se rumora que el papel que hace Michael Parks aquí es el ancestro de su personaje Earl McGraw que ya ha salido en varias de sus películas.

- En una escena se puede ver como Django abre una bolsa de tabaco, y esta es ni más ni menos que la marca Red Apple.

- En la escena de la cena con Calvin Candie (Leonardo Di Caprio) se nota el mismo estilo que en la escena de la mesa de Perros de Reserva.

- Como siempre en el cine de Tarantino aquí hay una toma larga y diálogos largos, esta es la de la cena en casa de Calvin Candie.

-La Música a destacar es la siguiente: “Django Theme Song” performed by Luis Bacalov, “I Got a Name” performed by Jim Croce, y “Lo Chiamavano King” performed by Luis Bacalov y Edda Dell´ Orso.


De Quentin se pueden decir mil cosas, lo que es cierto es que es un genio en lo que hace, pero como cualquier otro famoso su vida también tiene excentricidades, como el hecho de que se ha dado a la tarea de visitar todos los Mcdonalds posibles del mundo, tratando de encontrar las mejores papas fritas, hasta ahorita sus favoritas son las de Estocolmo, además de coleccionar películas y los autos que aparecen en sus cintas, también colecciona juegos de mesa basados en programas de televisión, en su casa tiene una sala de cine replica exacta de un cine de los años 50, se dice también que su ortografía es muy mala y escribe como escucha las palabras, de hecho, sus guiones los escribe a pluma y papel, ni siquiera en maquina de escribir.

Por último, solo quisiera destacar dos aspectos que hacen de Tarantino un director único, irrepetible y original, a pesar de que hay público que dice que roba de otras películas escenas, personajes, diálogos ó nombres, es uno de los pocos directores que se compenetran al cien por ciento con la historia que quieren contar, en cada fotograma y diálogo de sus historias hay una parte de él, al ver sus películas podemos ver su personalidad, sus gustos, sus opiniones sobre determinados temas, otros directores son solo un narrador omnipresente, en el caso de Quentin se sabe que esta ahí, se sabe que es él, y esos plagios de los que lo acusan, yo más bien los veo como homenajes que un erudito en cine hace a sus maestros. Y el segundo aspecto es la relación que Quentin ha implementado entre sus cintas y la música, en más de una ocasión ha dicho que la música de sus escenas es otro personaje, es el alma que le inyecta vida a ciertos fotogramas, pues bien, el manejo que hay de la música en sus proyectos también nos habla de él, ya que toda la música que aparece es parte de la colección que tiene en su casa, él ha dicho que muchas veces pone sus viejos acetatos y con determinadas canciones ha encontrado inspiración, por eso sus escenas van completamente de la mano a ciertas canciones.

No hay más que decir sobre Quentin Tarantino, ahora solo queda disfrutar sus películas una y otra vez, pues con cada visionado se aprecian cosas nuevas y adquieren mayor dimensión. . El universo que ha creado seguirá dando de que hablar, en concreto ahora que se estrena su ansiado western; “The Hateful Eight”, donde por cierto ya salió el primer nexo; pues el personaje de Tim Roth, llamado Pete Hicox, es el abuelo de Archie Hicox; Michael Fassbender en Inglourious Basterds.

EL PARTICULAR ESTILO DE BONG JOON-HO




El cine asiático es uno de los más competentes en el mundo actual, grandes películas nos han llegado del oriente, algunas de ellas incluso se han vuelto remakes gringos, "Los Infiltrados" (remake de la china Infernal Affairs de Andrew Lau) es uno de los que pasaron la prueba y se ganaron su lugar propio. "Oldboy" (remake de la homónima coreana de Park Chan-wook) es uno de estos proyectos que no contó con la misma suerte y más bien resultó un fracaso, pero el caso es que ambas son ejemplos claros de que en Asía se están haciendo proyectos muy interesantes que todo el mundo voltea a ver.

Hace ya más de una década la industria de Hollywood volteo sus ojos a Oriente para remarkear muchas de sus películas de terror, el furor del J-Horror fue la consecuencia de esto, pero no solo cintas de horror se producían en los países asiáticos. 

Otros grandes directores se consolidaron la década pasada, los mejores y claros referentes de esto son; Kim Ki-duk (Las Estaciones de la Vida, 2003), Wong Kar-Wai (Deseando Amar, 2000), Takashi Miike (Ichi the Killer, 2001) y Park Chan-wook (Sympathy for Lady Vengeance, 2005). Todos ellos con grandes cintas reconocidas a nivel mundial.

Pero con el paso de los años se han ido consolidado otros grandes directores de por esos lares, siendo Corea del Sur uno de los países que mas han arrojado creadores por demás interesantes, algunos de ellos; Kim Jee-won (I Saw the Devil, 2010), Na Hong-jin (The Wailing, 2016) y Bong Joon-ho (The Host, 2006), siendo este último uno de los más interesantes, impredecibles y capaces de toda esta camada.

En fechas recientes Bong Joon-ho ha sido etiquetado como: “el Spielberg asiático”, comparación un poco injusta si tomamos en cuenta que la carrera de ambos es diametralmente opuesta, sobre todo por que el coreano tiene cintas más bien pesimistas, contra la esperanza que siempre retrata Spielberg. Pero sobre todo, por que el asiático es un experto en combinar géneros y tonos en sus proyectos de manera magistral, mientras Steven siempre ha sido más disciplinado con la estructura de sus historias.

Fue en el año 2000 cuando gracias al festival de San Sebastián se dio a conocer con la curiosa cinta "Barking Dogs Never Bite", una comedia surrealista, nada parecida a ninguna otra, en la que por primera vez el director daba muestra de su gran capacidad para combinar géneros y realizar historias en lugares llenos de gente y donde pasan muchas cosas, aquí dirigía a Doona Bae (reconocida recientemente por ser una de las protagonistas de la serie Sense 8) y con quien volvería a trabajar en "The Host".

Pero fue en el 2003 cuando comenzó a llamar la atención de crítica y público a nivel mundial. Con su cinta "Memories of Murder" se consolido como un director a seguir, además aquí significaría la primera ocasión en la que dirigiría a uno de sus actores fetiche; el gran Song Kang-ho (quien también ha realizado grandes trabajos juntos a Park Chan-wook). Una vez más la mezcla de géneros perfecta haría su acto de presencia, en esta ocasión mezclando el cine negro y de investigaciones con la comedia más absurda posible, el filme es una especie de "Zodiaco" (David Fincher, 2006) que se desvía para mostrar la ineficiencia y torpeza de toda una fuerza policiaca, el resultado es una película inclasificable pero imprescindible, no por nada esta considerado como uno de los mejores filmes coreanos de los últimos veinte años.

La consolidación total se dio con "The Host" en el 2006, una de las cintas de monstruos más humanas que existen, y probablemente uno de sus mejores trabajos a la fecha, al grado de que al día de hoy se considera un clásico de culto. Una vez más de bajo de la fachada de un filme de catástrofes con monstruo gigante incluido, el director esconde un coctel de géneros estupendamente mezclados y homogenizados para el deleite de los espectadores que pasan de la comedia a la emoción y la aventura, de un fotograma a otro. La marca del director para este trabajo ya era identificable a todas luces; simpatía por personajes marginados, autoridades incompetentes y el ascenso de lo más oscuro de cada ser humano en ciertas situaciones límites. Por si fuera poco, aquí demostró una puesta en escena brillante y que además puede ser visualmente deslumbrante si el proyecto lo requiere.

Para el 2009 realizaría la que en lo personal considero la mejor de sus películas hasta ahorita; "Mother". Un drama con tintes de thriller y algunos atisbos de humor negro, donde una vez más su particular estilo se pondría al servicio de una obra que merece todos los elogios posibles. Sin duda es su trabajo más serio y oscuro, pero también es en el que sin duda pulió todo lo que ya venía demostrando en sus anteriores proyectos. Otra de sus grandes virtudes aquí quedaría demostrada; su gran capacidad para dirigir actores y sacarles lo mejor, el filme no sería el mismo sin la desgarradora interpretación de Kim Hye-ja.

Con solo cuatro películas en su haber en su país natal, era solo cuestión de tiempo para que Hollywood lo atrajera, fue en el 2013 cuando el coreano decidió emigrar al cine norteamericano. Al igual que sus compatriotas Park Chan-wook y Kim Jee-won, decidió aportar su particular visión a una industria que suele corromper grandes talentos extranjeros (algunos de los casos más recientes y alarmantes para ejemplificar esto son los de Olivier Hirschbiegel y Florian Henckel von Donnersmarck).

De sus compatriotas solo Park Chan-wook logró mantenerse fiel a su estilo con su debut anglosajón en "Stoker" (2013). Por el otro lado Kim Jee-won realizó un filme mucho más alejado de sus thrillers coreanos y al contrario debutó con un vehículo para el lucimiento de Arnold Schwarzenegger en su era post gubernatura; "The Last Stand" (2013), que aunque es un competente filme de acción, no tiene nada que ver con su obra asiática.

Al igual que Park, Bong Joon-ho también debutó siendo fiel a su estilo; "Snowpiercer" significó una de las mejores películas de su año de estreno y una vez más deslumbro con una historia de personajes marginados en una lucha de clases que se da en el claustrofóbico espacio de un tren bala, géneros entre mezclados y por primera vez un cast internacional al que el coreano le saca todo el jugo posible, haciendo incluso que el Capitán América (Chris Evans) demostrara que sabe actuar.

El surcoreano demostró que su talento puede ser utilizado en cualquier parte del mundo y con su primera incursión en inglés también comprobó que la calidad no esta peleada con el espectáculo, sin duda dio muestra de que es hoy por hoy es uno de los directores más competentes en el panorama actual, con un estilo propio muy identificable y que por si fuera poco es entretenido y deslumbrante cuando debe serlo.

Actualmente gracias a la plataforma de Netflix podemos ver su nueva película; "Okja", en la que una vez más se apoya de un brillante cast internacional en el que destacan interpretes consolidados como Jake Gyllenhaal y Tilda Swinton, además debuta a una sorprendente Ahn Seo Hyun.

En esta ocasión el director ha dividido a la crítica por primera vez, aunque son más los buenos comentarios a su alrededor. Una vez más entrega una epopeya que deambula entre varios géneros, aunque en esta ocasión lo hace con una cinta un poco más amable, aunque no por eso menos desgarradora por momentos, una vez más juega con las emociones del público y como si de una montaña rusa se tratara prepara un viaje que no dejará indiferente a nadie.

Mientras Bong Joon-ho siga imprimiendo su visión sin la intromisión de estudios o productores mercenarios, sin duda seguiremos disfrutando de uno de los mejores directores del nuevo milenio.

viernes, 13 de mayo de 2016

BATMAN VS SUPERMAN DAWN OF JUSTICE

Probablemente una de las tres películas más esperadas del año es esta de Batman Vs Superman (Zack Znyder, 2016), en gran medida por el morbo de saber cómo se establecería el universo de DC Comics en la pantalla grande, y sobre todo, por ver a los dos súper héroes más famosos del mundo compartir pantalla, el elegido para darle vida a todo esto es el ya experimentado en estos terrenos Zack Znyder, el cual realizó la anterior cinta de Superman, que incluso es una especie de precuela de ésta, ya que se encuentra en el mismo universo y continua los hechos ocurridos en The Man of Steel (2013).

Znyder además cuenta en su currículum con la película Watchmen (2009), la cual para muchos es una de las mejores adaptaciones que se han hecho de una novela gráfica al celuloide, con todos estos antecedentes y con el apadrinamiento de Christopher Nolan en la producción ejecutiva, todo parecía indicar que podríamos tener una mastodónica cinta de súper héroes, una épica como nunca se había visto, una colisión de dos personajes tan grandes como la vida misma; pero desgraciadamente tanta expectativa, tanto morbo, se quedo corto y el resultado es decepcionante a pesar de tener varios aciertos.

Ante el temor de las acciones que pueda llevar a cabo Superman después de la destrucción que causo con su pelea en contra de Zod en la ciudad de Metrópolis, Batman aparece para ponerle un alto al superhéroe mitad humano, mitad dios, mientras que la opinión pública debate cuál es realmente el héroe que necesitan. El hombre de acero y Batman se sumergen en una batalla territorial, pero las cosas se complican cuando una nueva y peligrosa amenaza surge rápidamente, poniendo en jaque la existencia de la humanidad y de estos y otros súper humanos.

La contienda entre fans y críticos en el mundo ha sido uno de los principales temas alrededor de esta esperada cinta, y aunque ambos tienen puntos debatibles, también es cierto que ambos tienen parte de razón; la cinta no es satisfactoria al cien por ciento, y es que en realidad, quitando la trilogía de Batman hecha por Christopher Nolan, ninguna película sobre súper héroes ha podido balancear a la perfección la calidad narrativa con el espectáculo, y en este caso no es lo contrario, pues se queda a medio camino, y creo que su principal error es querer aspirar a una solemnidad que tal vez en esta ocasión no era necesaria, su duración es excesiva, y al querer contar demasiadas cosas y de una manera muy seria se puso el pie a si misma.

La primera hora de metraje es aburrida, pasan muchas cosas en pantalla, pero en realidad no pasa nada, se siente desperdiciado ese primer acto, muy forzado y sin duda le cobra factura al producto final, pues cuando las cosas se aceleran, ya hay gran parte del público decepcionado. Otro de sus grandes errores es la elección de Jesse Eisenberg como Lex Luthor, un actor que demostró talento en The Social Network (David Fincher, 2011) y que aquí se limita a copiar y elevar la antipatía que realizó en ese papel del creador de Facebook Mark Zuckerberg, al tener en pantalla a los dos más grandes héroes del mundo era necesario tener un villano a su altura, y en realidad se quedó en una caricatura, un bufón que cae mal, que es inverosímil, carente de personalidad y amenaza digna de una premisa como esta.

Pero por otra parte también tiene sus buenos aciertos; cimienta bien el futuro universo en conjunto de personajes de DC, Ben Affleck no lo hace nada mal como Bruce Wayne, aunque tampoco es que supere a Christian Bale, y hay algunas buenas set pieces en el metraje, destacando el enfrentamiento entre los dos héroes y una persecución con el Batimovil, visualmente da lo justo tratándose de un proyecto así, y como se ha remarcado, su mayor problema proviene del guión y de un abultado metraje que hace pesada la experiencia desde su arranque.

En conclusión, estamos ante una polémica cinta que dividirá opiniones, creará discordancias entre fans y no fans, pero lo que es evidente es que no llegó al punto esperado, sin ser un fracaso artístico sin duda queda a deber, aún así, para los amantes de ambos personajes sin duda quedarán satisfechos, y público que vaya sin muchas ilusiones también quedará a gusto con el resultado, tal vez lo que mas le pegó a esta cinta fue el desmesurado hype que se creo a su alrededor, y las enormes expectativas que se tenían en torno a ella.

Titulo Original: Batman Vs Superman

Director: Zack Znyder

Actores: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Gal Gadot, Jeremy Irons, Holly Hunter, Diane Lane

Calificación: 7

En 2 Palabras: Estruendosa y decepcionante

Curiosidades: Este proyecto nació en el 2001 con Wolfgang Petersen (Troya) como director y Akiva Goldsman (Batman y Robin) como guionista, en ese guión el Joker mataba a la novia de Batman por lo que este se envolvía en una venganza que lo llevaba a generar el conflicto contra Superman, Goldsman que escribió el guión de Soy Leyenda (Francis Lawrence, 2007) metió el teaser poster de su proyecto en una de las primeras escenas. Para esta cinta se plantea que el Joker ya mató a Robin, esto queda claro cuando vemos su traje pintado en la baticueva con claras referencias a palabras del villano.

SAGA VIERNES 13


Siempre se ha asociado el Viernes 13 como un día de mala suerte, y para los supersticiosos es una fecha de mucho cuidado, la versión oficial habla de que es considerado un día de mala suerte ya que un día como esos pero de 1307 los caballeros templarios cayeron en desgracia frente a la santa inquisición.

En el cine esta fecha también tiene una gran relevancia, ya que es la fecha en la que Jason Vorhees murió ahogado en el campamento de verano de Crystal Lake, 20 años después en esa misma fecha comenzaron sangrientos asesinatos en ese lugar, y durante 12 partes esta saga ha sido delicia de los fans del gore y el horror. Por cierto, como dato curioso, en partes de Sudamérica la cinta es conocida como “Martes 13” y originalmente se iba a llamar: A Long Night at Camp Blood.

Aquí les traemos una revisión a todas las partes de esta saga.

Viernes 13, de Sean S. Cuningham (1980) 

-Tras el inesperado éxito de Halloween (John Carpenter, 1978), el director Sean S. Cuningham se dio a la tarea de realizar otra cinta slasher con asesino misterioso matando jóvenes de juerga, aquí la diferencia fue que el asesino no se ve durante casi toda la película, siendo una de sus principales virtudes; adivinar quien es el asesino.

- Si no han visto esta primera parte, deben saber que aquí el icónico asesino de la mascara de hockey; Jason Vorhees, brilla por su ausencia, es otro personaje el que comete los asesinatos, aunque Jason juega un papel importante, ya que es quien detona la trama con su muerte en el lago.


-Dentro del elenco se encuentra un muy joven Kevin Bacon.

-La muerte de Kevin Bacon tuvo un error en su ejecución, ya que la manguera por la que tenía que salir la sangre se tapo, fue entonces que Tom Savini (el experto en efectos prácticos de gore) le soplo y la sangre salió con todo y burbujas, al final la escena se quedo así.

-Betsy Palmer, quien interpreta a la madre de Jason, siempre ha renegado de su participación en la cinta, y asegura que solo acepto por que quería operarse los senos.

-En su año de estreno fue nominada a la peor película en los Razies Awards, al día de hoy es considerada uno de los grandes clásicos del género.

-En 1981 se realizó una parodia de nombre “Sábado 14”.

-Después de su estreno, ese año el índice de niños en los campamentos de verano descendió un 69%.

-Número de muertos: 10


Viernes 13 Parte 2, de Steve Miner (1981) 

-Esta secuela es la primera vez en la que tenemos a Jason Vorhees como el implacable asesino.

-A pesar de que aquí debuta Jason como el asesino de la saga, en esta todavía no usa su conocida mascara de hockey, aquí usa un costal en la cabeza.

-El primer Jason fue interpretado por Warrington Gillette

-En la trama han pasado 2 meses de los eventos de la primera parte, y aquí empiezan los problemas de lógica, como el hecho de preguntarse: ¿dónde estaba Jason cuando los acontecimientos de la anterior cinta?

-La estructura es muy similar a la de la primera parte, aunque varios especialistas si han reconocido que es mejor película que su antecesora, sobre todo por lo imponente que resultaba Jason como asesino principal.

-El guión se llamaba originalmente: Jason.

-La película tiene una de las secuencias más largas antes de los créditos de inicio, 15 minutos.

- Número de muertos: 9


Viernes 13 Parte 3, de Steve Miner (1982) 

-El director Steve Miner es el único director que ha repetido en la silla de dirección en la saga.

-Esta entrega fue filmada originalmente en 3D

-Por primera vez Jason Vorhees abandona Crystal Lake, y ahora lleva su legado de muertes a una granja cercana.

-La historia ocurre un día después de los asesinatos de la anterior.

-En esta entrega Jason encuentra la que será su marca personal; su máscara de hockey.

-Al final de esta Jason sufre un hachazo en la cabeza, esa marca quedaría en el personaje en toda la saga, a excepción de Jason Toma Manhattan y Freddy vs Jason

-En esta parte Jason es interpretado por Richard Broker.

-Número de muertos: 12


Viernes 13 El Capitulo Final, de Joseph Zito (1984) 

-Considerada como una de las dos mejores cintas de la saga.

-Aquí aparece por primera vez un personaje muy importante dentro de la mitología de la saga: Tommy Jarvis, interpretado en esta ocasión por el famoso niño actor de aquellos años: Corey Feldman.

-Para esta secuela Jason vuelve a su lugar de origen: Crystal Lake.

-Aquí ocurre uno de los principales problemas cronológicos de la saga, aparentemente los hechos ocurren inmediatamente después de terminada la tercera parte, lo que hace muy inverosímil el aspecto más podrido que tiene el personaje principal con respecto a la anterior.

-Aquí aparece un joven Crispin Glover, que un año después interpretaría a George McFly en la saga de Volver al Futuro (Robert Zemeckis, 1985).

-Ted White interpretó a Jason en esta secuela y asegura que solo lo hizo por dinero.

-Esta cinta tiene un final alternativo, en el que el personaje principal encuentra a su madre muerta en la bañera, y es atacada inmediatamente después por Jason, el director Joseph Zito lo eliminó ya que aparentemente esta era el capitulo final, y si lo dejaba daba la impresión de que la historia continuaría, lo cual, finalmente si sucedió.

-Número de muertos: 14


Viernes 13 Parte 5: Un Nuevo Comienzo, de Danny Steinmann (1985) 

-Han pasado varios años desde que el niño Tommy Jarvis mató a Jason Vorhees en la anterior cinta, ahora pasa sus días en una institución psiquiátrica fruto del trauma vivido anteriormente, la gran diferencia es que en esta ocasión parece que el asesino es él mismo.

-Por segunda vez en la saga el asesino no es propiamente Jason Vorhees, en esta ocasión es un imitador, y descubrir quién es, es una de las mejores situaciones de la cinta.

-Al ser un imitador de Jason el que asesina en esta entrega, la mascara es diferente en sus adornos; aquí son azules, cuando en las demás son rojos, por otro lado aquí usa un traje de mecánico.

-Originalmente Corey Feldman interpretaría a Tommy Jarvis de nuevo, pero debido a su compromiso con Los Goonies (Richard Donner, 1985) no pudo hacerlo.

- Para esta parte la MPAA (institución que clasifica las películas en los Estados Unidos) comenzó una cacería de brujas en contra de la saga, ya que de aquí en adelante se dedicaría a censurar las muertes que cada vez necesitaban ser más violentas para satisfacer a los fans.

- Número de muertes: 21


Viernes 13 Parte 6: Jason Vive, de Tom McLoughlin (1986) 

-Esta es considerada como la mejor parte de la saga, aunque en lo personal me gusta más la cuarta.

-Uno de los aspectos por los que es mejor recordada esta secuela es el inicio homenajeando la saga de James Bond.

-Aquí aparece Tony Goldwyn antes de irse a hacer el malo de la famosa cinta Ghost (Jerry Zucker, 1990).

-En esta parte en particular se le agregaron algunos toques de humor.

-Por primera vez vemos la razón por la que Jason es inmortal; el rayo que lo revive es uno de los aspectos que quedaron grabados en la mente de los fans.

-Alice Cooper aportó una canción a su soundtrack: “He´s Back- The Man Behind the Mask”

-C. J Graham interpreta a Jason en esta entrega.

-Número de muertos: 18


Viernes 13 Parte 7: La Nueva Sangre, de John Carl Buechler (1988)


-Esta película se escribió en su momento como Freddy vs Jason, pero los ejecutivos de Paramount y New Line Cinema no se pusieron de acuerdo, y por esa razón reescribieron el guión de manera apresurada, lo que al final se nota pues es la secuela más floja.

-Probablemente es la parte más censurada de la saga, lo que es otro punto en su contra, ya que ni siquiera tiene muertes para recordar.

-Lo más rescatable de esta es que por primera vez Kane Hodder se puso la mascara de hockey, el es catalogado como el mejor Jason a la fecha, y quien lo interpreto más veces; 4 en total.

-En esta secuela el aspecto de Jason ya es prácticamente el de un cadáver que camina, pues tiene los huesos expuestos y su rostro esta completamente descompuesto.

- El aporte fantástico de la telequinesis sigue siendo uno de los principales reclamos de los fans, ya que la verdad solo vuelven más ridícula la trama.

-Número de muertos: 16


Viernes 13 Parte 8: Jason Toma Manhattan, de Rob Hedden (1989) 

-Para esta entrega la saga ya se encontraba agotada totalmente, el humor negro se apodero de ella y los momentos ridículos son lo que más se recuerda, Jason se apodera de un barco lleno de estudiantes y se dirige a Nueva York, donde causará sus acostumbrados estragos.

-Es la que menos recaudación hizo, demostrando que el público ya se había cansado del multi homicida de la máscara de hockey.

-La escena en la que Jason camina por Times Square y se sube al metro persiguiendo a sus victimas puede estar catalogada como la más divertida y ridícula a la vez, de toda la saga.

-Por aquí aparece una joven Kelly Hu, que después adquiriría relativa fama por su participación en El Rey Escorpión (Russell Mulcahy, 2002) y X-Men 2 (Bryan Singer, 2003).

-Una vez más esta cinta sufrió mucho por la MPAA y fue sumamente censurada en sus muertes, por lo que de nuevo hay muy poco gore.

-Kane Hodder volvió a interpretar a Jason.

-El hombre que Jason avienta contra el espejo en el restaurante de Nueva York es Ken Kirzinger, stunt que interpretaría a Jason en Freddy vs Jason.

-El poster original mostraba a Jason rajando un cartel de “I Love NY”, pero fue retirado debido a las quejas del comité de turismo de esa ciudad.

- Número de muertos: 19.


Viernes 13 Parte 9: Jason va al Infierno, de Adam Marcus (1993) 

-Para este intento de resucitar la saga se contó con una nueva mitología, resulta que el diabólico corazón de Jason es la fuente de su interminable poder.

-Jason apenas y aparece en esta secuela, tal vez solo los primeros 5 minutos y los últimos, ya que en el demás metraje su espíritu se apodera de diversas personas que matan con sus acostumbrados métodos.

-Fue la primera vez que New Line Cinema produjo, dejando atrás a la Paramount que había sido el estudio responsable de las demás películas.

-Al estar patrocinada por New Line se logró meter un guiño a Freddy Krueger, ya que al final de esta cinta aparece su guante que sale de la tierra para llevarse a Jason al infierno.

-Aquí se hace mención a la daga del cráneo y El Necromicon, objetos que aparecen en Evil Dead 2 (Sam Raimi, 1986).

-Se estreno exactamente 13 años después del estreno de la original.

-Kane Hodder volvió a ponerse el traje de Jason, además de ser la mano de Freddy Krueger que sale de la tierra, y por si esto no fuera poco, aparece como un guardia de seguridad que muere asesinado por el espíritu de Jason.

-Número de muertes: 23


Viernes 13 Parte X: Jason X, de James Isaac (2001) 

-Casi diez años después de el último intento de resucitar la saga, a alguien se le ocurrió que era buena idea trasladar a Jason al futuro y subirlo en una nave espacial donde podía regresar a su afición favorita; matar adolescentes y a quien se le ponga enfrente.

-Probablemente lo más curioso de esta cinta es que el mítico director de culto David Cronenberg hace una pequeña aparición, y si, es asesinado por Jason.

-Es una cinta que raya en lo ridículo, pero eso mismo la vuelve un placer culpable, es tan mala, que parece buena, su humor negro y el cariño evidente que se palpa por la mitología la vuelve cuando menos, una gran curiosidad dentro de la saga.

- Es la parte menos censurada de la saga, por lo que aquí si existe el plus de tener una buena ración de gore.

-Número de muertos: 25.


Freddy vs Jason, de Ronny Yu (2003)

-Más de 15 años se tardaron los ejecutivos de Hollywood en realizar este crossover entre las dos sagas más representativas del género de terror ochentero.

-Múltiples guiones se escribieron para este proyecto, algunos de ellos se han filtrado con los años y de verdad eran más disparatados de lo que al final se nos presentó.

-Después del estreno de esta película se pensó en llevar a la pantalla un guión que circulaba en aquellos años de nombre: Freddy vs Jason vs Ash, y si, efectivamente agregaba a la ecuación el mundo de Evil Dead, al final no se hizo, pero cuando menos lanzaron un comic basado en ese guión y se le puede contar como una secuela de esta.

-Kane Hodder pensó que interpretaría a Jason una vez más, incluso durante muchos años hizo campaña para que dieran luz verde al proyecto, pero al final el director Ronny Yu prescindió de él y el papel fue a dar a Ken Kirzinger.

-Número de muertos: 20


Viernes 13, de Marcus Nispel (2009)

-El obvio reebot de la primera parte mezcla las tres primeras cintas dentro de su estructura, ya que los primeros diez minutos pertenecen a la primera parte, después hasta el minuto treinta corresponden a la segunda y lo demás podría corresponder a la tercera, ya que pasando la mitad de la cinta es cuando encuentra su característica máscara de hockey.

-En esta última ocasión el papel de Jason lo interpreto el gigantón Derek Mears, quien por cierto también interpreto al clásico Depredador en la última cinta producida por Robert Rodríguez.

-Número de muertos: 14.




Si son muy fans de la saga les recomiendo el increíble documental: Crystal Lake Memories, que por más de seis horas hace un repaso minucioso a cada parte de la saga, con muchísimas entrevistas y escenas nunca antes vistas.