DJANGO SIN CADENAS

El género del western fue uno de los más redituables en la época dorada de Hollywood, muchos de los grandes íconos del cine mundial participaron en este género, es más, se podría decir que Hollywood construyó gran parte de sus leyendas con el cine de vaqueros, desgraciadamente en los últimos años es un género de capa caída, un cáncer para la taquilla y algo muy asociado al pasado, el último gran western que se estrenó en los cines fue “Open Range” de Kevin Costner hace casi 10 años.

 

Fue tan grande la influencia de los vaqueros en el cine que casi todas las cinematografías mundiales hicieron sus propios westerns, siendo los más famosos los provenientes de Italia y bien nombrados; “Spaghetti Westerns”, de esa ola nacen figuras como Clint Eastwood y Sergio Leone, dos personalidades que están en el olimpo de la historia del cine. En México también hubo una influencia de este cine posicionando figuras como Hugo Stiglitz, Rodolfo de Anda y Jorge Luke.

 

En general, no hubo un país que no hiciera sus películas de vaqueros, lamentablemente se sobre exploto el estilo y ahora esta prácticamente muerto, aunque esperen, el genio Quentin Tarantino acaba de hacer una de vaqueros y ha ganado más de 200 millones de dólares en todo el mundo con esta, tal vez el género este a punto de revivir.

 

La historia está ambientada en el Sur de los Estados Unidos, dos años antes de estallar la Guerra Civil. El Dr. King Schultz (Christoph Waltz) es un cazarrecompensas de origen alemán que sigue la pista de unos asesinos: los hermanos Brittle. Para lograr su objetivo busca la ayuda de un esclavo llamado Django (Jamie Foxx). El excéntrico Schultz compra (por así decirlo) a Django bajo la promesa de dejarlo en libertad una vez que hayan capturado a los Brittle, vivos o muertos. Después de llevar acabo su misión con bastante éxito, ambos deciden no separarse y seguir juntos su camino como cazarecompensas. Django perfecciona su destreza como cazador con un único objetivo: encontrar y rescatar a Broomhilda (Kerry Washington), la esposa que perdió hace tiempo en el mercado de esclavos. La búsqueda de Django y Schultz finalmente los lleva hasta Calvin Candie (Leonardo Di Caprio), sádico e ignorante propietario de la infame plantación Candyland. Django y Schultz exploran las instalaciones y despiertan las sospechas de Stephen (Samuel L. Jackson), el esclavo de confianza de Candie.

 

Durante muchos años Tarantino estuvo tentado a filmar un western, incluso en dos de sus anteriores filmes (“Kill Bill” e “Inglourious Basterds”) dotaba la historia con elementos de ese género, ya fuera el caso de la música, ó los encuadres, ó las situaciones, finalmente en su último proyecto pudo realizar su sueño, y cabe destacar que sin duda se nota el amor que siente este director por el cine de vaqueros.

 

Sus virtudes son muchas, pero para empezar, hablare del guión. Por lo general los guiones de Quentin son de lo mejor que pulula en la industria Hollywoodense, el esquema de sus historias es inigualable, muchas veces imitado pero jamás igualado, sus diálogos son geniales y sobre todo, originales, dotando a los personajes de un aire único e irrepetible, es por eso que los personajes de sus cintas son de los puntos más fuertes de su cine, de su pluma han salido personajes increíbles y maravillosos como: Mr. Blonde (Michael Madsen) de “Perros de Reserva”, Vincent Vega (John Travolta), Jules Winfield (Samuel L. Jackson) y Mr. Wolf (Harvey Keitel) de “Pulp Fiction”, Ordell Robie (Samuel L. Jackson) y Louis Gara (Robert de Niro) de “Jackie Brown”, The Bride (Uma Thurman) y Bill (David Carradine) de “Kill Bill”, Stuntman Mike (Kurt Russell) de “Death Proof”, Hans Landa (Christoph Waltz) y Aldo Raine (Brad Pitt) de “Inglourious Basterds”.

 

En esta nueva película hay varios personajes que pasaran a la historia, así como las actuaciones, personajes como el Dr. King Shultz (Christoph Waltz), Calvin Candie (Leonardo Di Caprio) y Stephen (Samuel L. Jackson) se llevan la película, son personajes meticulosamente preparados y soberbiamente interpretados, los actores se posesionan del personaje y nos hacen olvidar que están actuando, aunque es obvio aclarar que si en el guión no existieran, los interpretes no hubieran realizado tal trabajo, aquí esta la prueba de la perfecta armonía que puede existir entre un gran personaje escrito y un gran personaje interpretado.

 

Quien menos reflectores ha tenido de esta tercia de actorzazos es Samuel L. Jackson, su papel del ladino Stephen es igual de buena que la de Waltz y Di Caprio, y recomiendo ponerle atención pues es muy importante en la trama, se podría decir que la primera parte de la película le pertenece a Christoph Waltz, la segunda parte le pertenece a Leonardo Di Caprio y la última a Samuel L. Jackson. Desgraciadamente Jamie Foxx y Kerry Washington no están a la par de sus compañeros de reparto, esto no quiere decir que actúen mal ni mucho menos, pero teniendo a esos tres a un lado, la verdad es que fueron eclipsados completamente, y en defensa de Foxx diré que aunque el papel hubiera sido interpretado por Will Smith (como en un principio estaba pactado) poco ó nada sería diferente, pues desde el guión son más cuidados y tienen más matices los otros personajes.

 

Los cameos y actuaciones especiales son divertidas y están ahí para los conocedores ó amantes del género (no dire algunas para que el público se sorprenda y alegre al verlas), en lo personal me gustó el papel de Don Johnson y sobre todo la aparición del original Django; Franco Nero, compartiendo escena con el nuevo, esa escena en la que aparece por primera vez el personaje de Di Caprio es una escena que se recordará por siempre, gracias a esta reunión de Djangos.

 

La puesta en escena de la película es exquisita, es un western que contiene todos los paisajes que se han visto en una cinta de estas características, desde el típico pueblo vaquero, la cantina del pueblo, las montañas, los prados, y se le injerta el lado sureño con las plantaciones de algodón y las grandes haciendas de la época. La fotografía de Robert Richardson es una vez más (ha sido fotógrafo de “Inglourious Basterds” y “Hugo” entre otras) magnífica, dotando el film de un colorido inusual pero que no desentona para nada, la dirección de arte y el vestuario son exactos y perfectos (hay cuestiones de anacronías como los lentes de sol de Django, pero esto es apropósito y no un error como puede parecer en un principio).

 

La dirección por parte de Quentin es como podría esperarse; increíble, una vez más vemos todos sus sellos característicos; las conversaciones extensas y originales, los fogonazos de violencia desmesurada, el aire retro y los constantes homenajes a todo aquello que respeta e idolatra, y un estilo visual digno de quien tiene un conocimiento enciclopédico del medio, su historia y su técnica.

 

Mucho ha insistido el director que más que un western, este es un southern, pues se ubica en el sur de los Estados Unidos y esta muy enmarcado en el tema de la esclavitud y el racismo de ese sector del país vecino. Esto del esclavismo ha desatado algunas controversias, pues hay quienes dicen que la cinta es racista por su forma de retratar un tema tan delicado, lo único que puedo decir es que no se puede tomar en serio, pues como siempre el cine de Tarantino es una fábula, una fábula que existe en su propio universo, donde las anacronías (como los lentes de sol de Django), la violencia estética y las conversaciones aparentemente sin sentido convergen en un solo espacio, espacio que es dotado y elevado por la grandiosa música, como siempre, la música juega un papel primordial y demuestra la perfecta simbiosis entre música e imágenes que siempre ha existido en los proyectos de Quentin.

 

Además, en esta ocasión hay más comedia en la historia que en otras ocasiones, aunque el cine de Quentin no es principalmente sombrío, esta vez hay una vena más cómica que en sus anteriores proyectos, pero sus partes violentas y emocionantes siguen muy presentes. A destacar la extraordinaria escena de la cena en casa de Calvin Candie, un ejemplo claro de tensión y del manejo que tiene de los personajes y el ritmo de la historia, es una escena de casi media hora que ocurre en una sala y donde todos los actores principales no hacen más que hablar, incluso es “el momento” de Di Caprio.

 

El único pero que puede tener esta cinta es que en su clímax, después de la cena en casa de Calvin Candie, pareciera que la historia se alarga innecesariamente, pues todo parece haber terminado en ese momento y de la manga el director se saca otra media hora más, esta es una cuestión de gustos, a mí en lo personal me gustó este alargamiento pues yo quería seguir viendo más, pero no dudo que hay quienes vean muy estirado el argumento en ese momento.

 

En conclusión, esta es una de las cintas más divertidas del director, sus casi tres horas se pasan volando, es uno de los mejores guiones que ha escrito; con algunos de los mejores personajes que ha creado, tiene un ritmo ágil y entretenido, bordeando constantemente entre la comedia, la acción y ese estilo tan particular que tienen todas sus películas, en lo personal, la mejor película del año por la suma de sus conjuntos.

 

Titulo Oiginal: Django Unchained

 

Director: Quentin Tarantino

 

Actores: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo Di Caprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson, Don Johnson

 

Calificación: 10

 

En 2 Palabras: Espectacular y Entretenida

 

Curiosidades: Kevin Costner iba a interpretar un personaje de nombre “Ace Woody”, quien era el personaje que entrenaba a los esclavos de CandyLand para pelear, por su compromiso en la nueva película de Superman no pudo, entonces el papel cayó en manos de Kurt Russell quien terminó por tampoco hacerlo debido a que nunca se puso de acuerdo con Quentin sobre lo que ambos querían del personaje, tambien Sacha Baron Cohen y Joseph Gordon Levitt iban a interpretar otros pequeños personajes y por problemas de agenda tampoco pudieron.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

EL MUNDO SEGÚN TARANTINO (TERCERA PARTE)

Ultima parte del análisis de la obra de Quentin Tarantino.

 

Death Proof (2007)

-Este fue un proyecto en conjunto con su gran amigo Robert Rodríguez, ambos buscaron hacer un homenaje al cine “B” y “Z” de los setentas y ochentas, el tipo de películas que realizaba Roger Corman (uno de los más admirados personajes por Quentin Tarantino), cintas baratas, de explotación, que tenían más ingenio que dinero en su haber, el proyecto se presentó en los estados unidos como una sola película; “Grindhouse”, la cual constaba de dos partes; “Planet Terror” de Rodríguez y “Death Proof” de Quentin, ambas se filmaron casi al mismo tiempo, contando con los directores en ambos proyectos supervisando todos los aspectos, tras el fracaso comercial en Estados Unidos, el estudio decidió dividir las cintas y estrenarlas por separado en el extranjero.

-El nombre original del segmento de Tarantino se llamaba: “Quentin Tarantino´s Thunder Bolt”.

-Zoe Bell se interpreta a ella misma; una doble de acción de cine y televisión, ella fue la doble de Uma Thurman en “Kill Bill”, fue tal la amistad y admiración que nació entre Zoe y Quentin, que este último le escribió este personaje exclusivamente para ella.

-Al principio el personaje que realiza Vanesa Ferlito bebe de una taza con publicidad del restaurante “Acuña Boys”, este es un restaurante inventado por Robert Rodríguez y que tiene que ver con la ciudad de Acuña Coahuila donde filmo “El Mariachi” y “Pistolero”, también hay un anuncio falso de ese restaurante que se pasaba entre el final de “Planet Terror” y el comienzo de Death Proof” en la versión Grindhouse estrenada en Estados Unidos.

-La canción con la que Vanesa Ferlito le hace un striptease a Kurt Russell de nombre “Down in México” es una de las canciones favoritas de Quentin y también una de las más raras que tiene en su colección de música, según palabras del propio Tarantino.

-La palabra “Fuck” es utilizada 148 veces.

-El personaje de “Stunt-Man Mike” interpretado por Kurt Russell, fue escrito con Sylvester Stallone en mente, rechazo el papel y después se le ofreció a Mickey Rourke, quien también lo rechazó.

-Es la única película dirigida de Tarantino que se desarrolla de forma cronológica.

-En una escena se escucha un celular con el ringtone del silbido de “Kill Bill”.

-Un personaje pregunta por los cigarros “Red Apple”, la marca inventada por Tarantino, también en un diálogo entre Stunt-Man Mike y Jungle Julia (Sidney Tamiia Poitier) se nombran las hamburguesas “Big Kahuna”, otra de las marcas inventadas por el director.

-Mueren 6 personas.

-Los personajes de Michael Parks (que interpreta al sheriff ya visto en “Del Crepúsculo al Amanecer” y “Kill Bill”) Marley Shelton y Elise y Electra Avellán (las gemelas) son los únicos que aparecen en los dos segmentos que comprendían “Grindhouse”.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, como el largo plano secuencia, cuando en la segunda mitad del film el grupo de amigas come en un restaurante, incluso esta escena es un auto homenaje a la escena del principio de “Perros de Reserva”, la escena dentro de una cajuela aquí cambia y es de adentro del cofre del motor de un coche, y las mujeres descalzas también existen, pues Jungle Julia sale en varias escenas sin zapatos y el personaje de Vanesa Ferlito muere cuando lleva sus pies descalzos fuera de la ventana del coche.

-La música a destacar es la siguiente: “Down in México” performed by The Coasters (de la escena de striptease al Stunt-Man Mike) y “Chick Habit” de April March (de los créditos finales.

 

Bastardos sin Gloria (2009)

-En un principio Tarantino quiso mezclar aún más el género Bélico con el Spaghetti Western, tan es así que el titulo original de la cinta sería “Once Upon a Time in Nazi-Occupied France”, al final solo se llamó así el primer capítulo de la historia y el guión total fue un trabajo de casi 10 años por parte de Quentin.

-El personaje de Hans Landa en un principio se escribió para Leonardo Di Caprio, por problemas de agenda no pudo hacerla y terminó en manos del gran descubrimiento que fue Christoph Waltz, también el personaje de Lt. Archie Hicox era para Simon Pegg, quien tampoco pudo filmarla y en su lugar se hizo el otro gran descubrimiento de esta cinta; el de Michael Fassbender, por último el papel del Sgt. Donny Donowitz que realizó Eli Roth, en un principio era para Adam Sandler, quien no pudo hacerlo por filmar “Funny People”.

-El nombre del personaje de Til Schweiger; Hugo Stiglitz, sí esta basado en el actor mexicano, Tarantino se grabó ese nombre cuando vio la película mexicana “Tintorera”, esto cuando trabajaba en el video club.

-Las escenas de la película “Nation´s Pride”, que es la cinta que estrenan en el cine de Shosanna al final, fueron filmadas por Eli Roth.

-El personaje de Shosanna Dreyfus (Melanie Laurent), lleva ese apeído en honor de la exnovia de Quentin; Julie Dreyfus, quien apareció como Sofie Fatale en “Kill Bill” y como Francesca Mondino, la traductora de Goebbels, en esta cinta.

-En la escena del cine Eli Roth se presenta como “Antonio Margheriti”, este es en realidad el nombre de un director Italiano admirado por Eli y por Quentin, es el responsable de la cinta de culto: “Cannibal Apocalypse”.

-En el bat de Donny Donowitz, se puede leer el nombre de Ana Frank.

-El personaje de Hans Landa habla 4 idiomas diferentes durante la película (Ingles, Alemán, Frances e Italiano), todo ellos los habla fluidamente el actor Christoph Waltz, y esta fue una de las razones por las que se quedó con el papel.

-Es la cinta de Tarantino con más nominaciones al oscar; 8 en total, ganó un solo Oscar; a mejor actor de reparto para Christoph Waltz, “Pulp Fiction” obtuvo 7 nominaciones e igualmente ganó uno, a mejor guión original para Quentin.

-Michael Madsen iba a realizar un papel de nombre “Babe Buchinsky” que era un claro homenaje al personaje de Charles Bronson en “Doce al Patíbulo”, cinta que por cierto sirvió como una de las inspiraciones para Tarantino al escribir este guión.

-El titulo de la película se tomó prestado de la película italiana “The Inglourious Bastards” del director Enzo G. Castellari, quien aprobó personalmente que Quentin reciclara el nombre para esta obra.

-En la película nunca se dice por qué Aldo Raine tiene esa cicatriz en su cuello, en el guión original se decía que era debido a que Raine había sufrido un linchamiento en su juventud, del cual salió vivo y solo le dejo esa marca.

-El narrador de la historia es Samuel L. Jackson, uno de los actores fetiches de Tarantino que siempre termina involucrado de mayor ó menor manera en sus proyectos.

-En el mundo de Tarantino, el personaje de Aldo Raine (Brad Pitt) es el abuelo del personaje de Floyd (También Brad Pitt) visto en “La Fuga”.

-En el mundo de Tarantino, el personaje de Donny Donowitz (Eli Roth) es el padre del personaje de Lee Donowitz (Saul Rubinek), quien fuera el productor de cine adicto a la cocaína en “La Fuga”. -Las escenas marca de Tarantino están presentes, como el largo plano secuencia cuando Shosanna ve la entrada de Hans Landa y Von Hammersmark en el cine, aquí no hay cajuela pero la cámara se posiciona de igual manera cuando Aldo Raine le hace la marca en la frente a Hans Landa, y la mujer descalza en esta ocasión es el personaje de Melanie Laurent que en la parte final en la sala de proyección no trae zapatos.

-La Música a destacar es la siguiente: “Rabbia E Tarantella” performed by Ennio Morricone (de los créditos finales).

 

De Quentin se pueden decir mil cosas, lo que es cierto es que es un genio en lo que hace, pero como cualquier otro famoso su vida también tiene excentricidades, como el hecho de que se ha dado a la tarea de visitar todos los Mcdonalds posibles del mundo, tratando de encontrar las mejores papas fritas, hasta ahorita sus favoritas son las de Estocolmo, además de coleccionar películas y los autos que aparecen en sus cintas, también colecciona juegos de mesa basados en programas de televisión, en su casa tiene una sala de cine replica exacta de un cine de los años 50, se dice también que su ortografía es muy mala y escribe como escucha las palabras, de hecho, sus guiones los escribe a pluma y papel, ni siquiera en maquina de escribir.

Por último, solo quisiera destacar dos aspectos que hacen de Tarantino un director único, irrepetible y original, a pesar de que hay público que dice que roba de otras películas escenas, personajes, diálogos ó nombres, es uno de los pocos directores que se compenetran al cien por ciento con la historia que quieren contar, en cada fotograma y diálogo de sus historias hay una parte de él, al ver sus películas podemos ver su personalidad, sus gustos, sus opiniones sobre determinados temas, otros directores son solo un narrador omnipresente, en el caso de Quentin se sabe que esta ahí, se sabe que es él, y esos plagios de los que lo acusan, yo más bien los veo como homenajes que un erudito en cine hace a sus maestros. Y el segundo aspecto es la relación que Quentin ha implementado entre sus cintas y la música, en más de una ocasión ha dicho que la música de sus escenas es otro personaje, es el alma que le inyecta vida a ciertos fotogramas, pues bien, el manejo que hay de la música en sus proyectos también nos habla de él, ya que toda la música que aparece es parte de la colección que tiene en su casa, él ha dicho que muchas veces pone sus viejos acetatos y con determinadas canciones ha encontrado inspiración, por eso sus escenas van completamente de la mano a ciertas canciones.

No hay más que decir sobre Quentin Tarantino, ahora solo queda disfrutar sus películas una y otra vez, pues con cada visionado se aprecian cosas nuevas y adquieren mayor dimensión.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

EL MUNDO SEGÚN TARANTINO (SEGUNDA PARTE)

Seguimos en orden cronológico desmenuzando los proyectos de Quentin Tarantino, aquí va la segunda parte.

 

Cuatro Habitaciones – Segmento “The Man from Hollywood”- (1995)

-Historia coral dirigida por cuatro directores que en aquellos años representaban a la nueva generación de cineastas independientes; Allison Anders, Alexander Rockwell, Robert Rodríguez y Quentin Tarantino, de esta manera fue la primera vez que colaboraron estos dos últimos en un proyecto

-Al principio el logo de la productora “A Band Apart” de Tarantino y Lawrence Bender, presenta al personaje de Tim Roth de “Perros de Reserva” convirtiéndose en el botones protagonista de esta cinta, todo en caricatura.

-El personaje del botones que interpreta Tim Roth fuma cigarros “Red Apple”, marca que inventó Tarantino.

-El auto que apuestan en el segmento dirigido por Quentin, es el mismo que usa John Travolta en “Pulp Fiction” y que en la vida real pertenece a Tarantino.

-La palabra “Fuck” es utilizada 193 veces en el segmento de Quentin.

-Bruce Willis no aparece en los créditos por que no cobró por su actuación, lo hizo como favor a Tarantino, y por esa razón la asociación de actores de Estados Unidos no lo dejó aparecer formalmente en los créditos.

- Las escenas marca de Tarantino están presentes, el largo plano secuencia cuando El Botones entra al penthouse, lo recorre y finalmente llega a la barra donde harán la apuesta, y el personaje que interpreta Jennifer Beals esta descalza durante todo el segmento.

 

Del Crepúsculo al Amanecer (1996)

-Originalmente esta cinta la iba a dirigir Tarantino, pero decidió que mejor la dirigiera su amigo Robert Rodríguez y así él enfocarse más en el guión y en su actuación.

-El nombre del personaje de Salma Hayek; “Satánico Pandemónium”, Quentin lo saco de una película mexicana del mismo nombre de 1975, cinta que Tarantino recordaba de su época trabajando en el video club.

-El personaje de George Clooney compra hamburguesas “Big Kahuna” que son las mismas que comen en “Pulp Fiction” cuando Travolta y Samuel L. Jackson van al departamento por el maletín, y que también es una marca inventada por Quentin.

-Michael Parks interpreta al sheriff “Earl McGraw” y a pesar de que muere, ese mismo personaje volvería a aparecer en “Kill Bill”, “Planet Terror” y “Death Proof”.

-El personaje que hace George Clooney antes pasó por John Travolta, Tim Roth, Michael Madsen, Steve Buscemi y Christopher Walken, todos ellos no lo concretaron por problemas de agenda.

-El guión se escribió por que el especialista en efectos especiales; Robert Kurtzman, acepto trabajar gratis en “Perros de Reserva” a cambio de que Tarantino escribiera esta historia de vampiros que Kurtzman tenía en su cabeza pero no sabía como desarrollarla.

-Mueren 122, entre vampiros y personas.

- Las escenas marca de Tarantino están presentes, la escena de la cajuela aparece después de los créditos cunado George Clooney y Quentin Tarantino sacan a la rehén que llevan, además de las escenas con mujeres descalzas, caso de Juliette Lewis y Salma Hayek.

-La música a destacar es la siguiente: “Dark Night” performed by The Blasters (de los créditos de inicio del film).

 

Jackie Brown (1997)

-En la escena en la que Robert Foster sale de una sala de cine se escucha una canción de fondo, esa música de créditos es la misma música de créditos del final de esta cinta.

-El papel de Louis Gara interpretado por Robert de Niro en un principio estaba pensado para Sylvester Stallone, y el de Ray Nicolette interpretado por Michael Keaton estaba pensado para John Travolta.

-Es la única película de Quentin que no es original, esta basada en una novela; “Rum Punch” de Elmore Leonard, quien también escribió la novela de “Get Shorty”, esa cinta que John Travolta estelarizo en 1995 gracias al consejo de Tarantino después de que trabajaron juntos en “Pulp Fiction”. -El personaje de Michael Keaton; Ray Nicolette, aparece también en la película “Un Romance Peligroso” con George Clooney y Jennifer López, esto debido a que también se basa en una novela de Elmore Leonard.

-En la novela el personaje de Jackie Brown se llama Jackie Burke y era blanca, Quentin cambió eso para poder trabajar con Pam Grier, a la que siempre ha admirado y que incluso es nombrada en sus películas anteriores como “Perros de Reserva” y “Pulp Fiction”.

-Es una de las películas menos violentas de Tarantino, solo mueren 4 personas.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, la escena de la cajuela aparece cuando Ordell Robbie (Samuel L. Jackson) le pide a Beaumont (Chris Tucker) que se meta dentro de ella, el largo plano secuencia aparece cuando Jackie Brown sale de la tienda de ropa y busca al detective Nicolette por todo el centro comercial, además de la escena con una mujer descalza, pues Bridget Fonda esta descalza en todos sus escenas dentro del departamento.

-La música a destacar es la siguiente: “Street Life” performed by Randy Crawford (de la escena en que Jackie Brown consigue salir avante del trueque del centro comercial), “Across 110th Street” performed by Bobby Womack (de la escena en que Jackie Brown va manejando su auto en forma pensativa y los créditos finales) y “Didn't I Blow Your Mind This Time" performed by The Delfonics (de la escena en que Robert Foster compra un cassette para escuchar esa canción en su auto).

 

Kill Bill Vol. 1 (2003)

-El personaje de “The Bride” fue creado por Quentin Tarantino y Uma Thurman durante un descanso de la filmación de “Pulp Fiction” donde ambos jugueteaban y entre broma y broma crearon el personaje de una mujer que el día de su boda es masacrada, años después, en el cumpleaños número 30 de Uma, Quentin le entrego el guión completo de lo que había nacido casi casi como un juego, el guión constaba de 220 páginas, de ahí que se dividió en dos volúmenes.

-El personaje de Bill fue ofrecido primero a Warren Beaty y a Kevin Costner, al declinar los dos fue cuando se le ofreció a David Carradine, quien incluso fue sugerido por el propio Beaty.

-La escena de pelea en blanco y negro del volumen 1 quedó en blanco y negro por un motivo de censura, ya que si se hubiera mostrado a color y con lo rojo de la sangre volando por todos lados, difícilmente hubiera sido aprobada por la asociación de clasificación de Estados Unidos.

-En el póster original del volumen 1 las palabras escritas en chino de la parte de atrás dicen: “kirubiru”, que traducido significa “Kill Bill”.

-En la vida real el actor Sonny Chiba, que interpreta a Hattori Hanzo, es un fabricador de katanas, al igual que en la película.

-La camioneta “Pussy Wagon” que aparece en el volumen 1 pertenece a Tarantino en la vida real.

-La escena en la que se divide la pantalla mientras Elle Driver recorre el hospital es un claro homenaje al cine de Brian de Palma, esto dicho por el propio Tarantino.

-Esta fue la primera obra de Tarantino que usa menos de 100 veces la palabra “Fuck”, solo se dice 17 veces.

-Los lentes que roba The Bride a Buck (Michael Bowen) en el hospital, son los mismos que usa Christian Slater en “La Fuga”.

-La marca de cigarros inventada por Quentin; “Red Apple”, se ve en un anuncio publicitario cuando The Bride llega al aeropuerto de Tokio.

-La caja de cereal en la que Vernita Green (Vivica A. Fox) esconde una pistola lleva por nombre: “Kaboom” haciendo alusión al disparo que de ahí saldrá, esta es otra marca inventada por Quentin. -El traje amarillo que usa The Bride es un claro homenaje a Bruce Lee, pues él usó uno muy similar en “El Juego de la Muerte”, además, los Crazy 88 visten igual que Kato, el personaje que Lee interpretó en “El Avispón Verde”.

-Los tenis amarillos que usa The Bride tienen en su suela escrita la palabra: “Fuck U”.

-Mueren 95 personas

-Tarantino es uno de los Crazy 88 que lucha contra The Bride, es difícil identificarlo por el antifaz y por la cantidad de hombres iguales a su alrededor.

- Las escenas marca de Tarantino están presentes, la escena de la cajuela aparece cuando The Bride la abre y lleva a Sofie Fatale (Julie Dreyfus) dentro, las mujeres descalzas en diferentes escenas, como en la que Lucy Liu mata a los jefes japoneses y en la que The Bride escapa del hospital, y el largo plano secuencia cuando The Bride llega al lugar donde se enfrenta a los Crazy 88.

-La música a destacar es la siguiente: "Battle Without Honor or Humanity” performed by Tomoyasu Hotei (de la escena en que The Bride se dirige al cuartel de O-Ren Ishi, y que también apareció en el trailer de la película), “Don't Let Me Be Misunderstood / Esmeralda Suite" performed by Santa Esmeralda (de la escena de pelea entre The Bride y O-Ren Ishi en el jardín).

SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En el guión original el personaje de Gogo Yubari (Chiaki Kuriyama) tenía una gemela de nombre Yuki Yubari, después de que muere en manos de The Bride, la busca para vengarse, toda esa parte existe en un capitulo que no aparece en la película, el capitulo se llama “Yuki´s Revenge” y sucede después de que The Bride mata a Vernita Green en su casa.

 

Kill Bill Vol. 2 (2004).

-Tarantino estuvo apunto de realizar el papel de “Pai Mei”, pero por motivos logísticos le cedió el papel a Gordon Liu, quien ya había filmado el papel del jefe de los Crazy 88.

-El personaje de “Pai Mei” esta basado en un verdadero maestro del kung fu de la vieja china, de nombre “Pak Mei” y quien creo el estilo “White Eyebrow”, este personaje de la vida real es considerado un villano en la historia marcial de aquel país, pues vendió a otros maestros con tal de que su escuela y sus alumnos fueran los únicos sobrevivientes a un ataque en el templo mayor. -Robert Rodríguez musicalizo este volumen 2 a cambio de un dólar, Tarantino le devolvió el favor cuando él dirigió un segmento de “Sin City”, igual por un dólar.

-A pesar de que Quentin siempre usa sus marcas inventadas para cereales y cigarros, en esta cinta usa la marca mexicana; “Bimbo”, cuando Bill le hace un sándwich a la pequeña B.B.

-El golpe de “Pai Mei” con el que The Bride rompe el ataúd, esta basado en un golpe inventado por Bruce Lee.

-La marca de cigarros “Red Apple” se ve en la mesa cuando Esteban Vihaio (Michael Parks) platica con The Bride en Vallarta.

-El galón de gasolina con el que rocía Mr. Blonde al policía en “Perros de Reserva” se puede ver dentro de la casa rodante de Budd, personaje que también interpreta Michael Madsen.

-Un póster de Charles Bronson se ve dentro de la casa rodante de Budd, Bronson es de los mayores héroes de Tarantino.

-Samuel L. Jackson, quien es de los actores fetiche de Quentin, aparece en el pequeño papel de “Rufus” el pianista de la capilla donde se casa The Bride.

-Tarantino siempre ha sido un fan confeso de los spaghetti westerns y en esta cinta, y el anterior volumen, fue cuando coqueteo con el género por primera vez, hay varias escenas con música de Ennio Morricone, Morricone era el compositor de cabecera de Sergio Leone, uno de los directores favoritos de Quentin y el precursor de ese género.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, como el largo plano secuencia, cuando The Bride recorre y sale de la iglesia para encontrarse con Bill quien esta tocando su flauta.

-La música a destacar es la siguiente: “Malagueña Salerosa” performed by Chingon (de los créditos finales, y como dato adicional, este es el grupo de Robert Rodríguez, donde él mismo toca el bajo). SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En esta parte solo mueren tres personas; Bill, Budd y Pai Mei, solo a Bill lo mata The Bride.

 

Continuara….

TWITTER: @FdoSantoyoTello

EL MUNDO SEGÚN TARANTINO (PRIMERA PARTE)

Quentin Tarantino es sin duda, uno de los directores con más fama y respeto en el medio cinematográfico mundial, su número de seguidores cada vez es mayor, sus películas cada vez están mejor posicionadas en las listas de lo mejor del cine, a su alrededor hay un sin número de leyendas e historias que colocan al oriundo de Knoxville Tennesse en el estatus de casi, casi, una estrella de rock, por la fama y la expectación que levanta con su persona y sus cintas.

 

De su cine se ha hablado muchas veces, las reseñas de sus películas siempre caen en los mismos tópicos; su estilo, sus homenajes, sus diálogos, su gusto por la violencia, su magistral manejo de la cámara, etc. En esta ocasión quiero resaltar otro aspecto que va más allá de lo que sus historias presentan a primera vista, quiero presentar su mundo; el particular mundo que ha creado dentro de su cine, el universo personal en el que personajes, marcas, situaciones y diálogos convergen en un espacio único.

 

Como algunos saben, dentro de sus historias ha creado un mundo alternativo que solo es compatible viendo sus cintas y entendiendo un poco de la mente del que muchos llaman; “el maestro”. Empezaremos desde sus inicios, resaltando aspectos curiosos e interesantes de cada uno de sus proyectos como creador y tratare de ir hilando sus nexos y coincidencias a lo largo de su filmografía de forma cronológica.

 

Love Birds in Bondage (1983)

  -Esta es más una curiosidad que otra cosa, es el primer proyecto de Quentin, una historia que jamás llegó a terminarse, incluso, solo él llegó a filmar escenas, la demás parte del elenco nunca pudo filmar, este guión lo escribió junto a Scott Magill, quien presumiblemente quemó el poco material filmado.

 -La trama era la siguiente: Comedia negra acerca de una chica que sufre un daño cerebral a causa de un accidente de coche y tiene que ser internada en una institución debido a su comportamiento errático. Su fiel y destrozado novio toma la decisión de admitir lo ocurrido y permanecer junto a ella. -Tarantino interpretaba al fiel novio.

 

My Best Friend’s Birthday (1987)

 -Otra curiosidad dentro de la filmografía de Quentin, aunque en esta ocasión si llegó a filmarse por completo, pero una vez más, parte del material se perdió en extrañas circunstancias (un incendio en el laboratorio de revelado del filme), de los 70 minutos que duraba solo se salvaron 34, los cuales se pueden ver en Youtube.

-Escrita por el propio Tarantino y Craig Hamann durante el tiempo en el que ambos trabajaron en el video club “Video Archives” de Manhattan Beach California.

-En el elenco figuraban varios amigos de Tarantino de aquella época, entre los que destaca Roger Avary, con quien años después co-escribiría el guión de “Pulp Fiction”.

 -Cuenta la historia de un joven que buscaba darle el regalo perfecto a un amigo al que su novia lo había dejado recientemente, esa misma trama Tarantino la reciclaría y tomaría sus bases para escribir el guión de “True Romance” ó “La Fuga”, como se le conoció en México.

-Quentin interpretaba un personaje de nombre Clarence Pool, el cual años después sería el mismo personaje de Christian Slater en la cinta “La Fuga”.

 

Perros de Reserva (1992)

-Su primera película oficial, la cual lo llevo al festival de Sundance de 1992, en donde conoció a un joven texano de sombrero llamado Robert Rodríguez, que ese mismo año presentaba también su primera película; “El Mariachi”, de ahí nació una gran amistad que al día de hoy sigue fructiferando en numerosos apoyos y trabajos entre los dos cineastas.

-En un principio Tarantino realizaría el papel de Steve Buscemi; Mr. Pink, y George Clooney adiciono para el papel de Mr. Blonde, se le ofreció un papel a James Woods pero su agente rechazó la oferta, años después cuando Woods conoció a Quentin y supo esto, despidió a su agente.

-Tarantino estuvo apunto de filmar esta cinta con una cámara de 16 mm y con amigos suyos como actores, de no ser por Lawrence Bender (uno de los productores de esta, de Pulp Fiction y varias cintas más de Quentin) que le envió una copia del guión a Harvey Keitel, al cual le encantó y gracias a él se consiguió el millón y medio de dólares con el que la filmaron.

-En el flashback de Mr. White (Harvey Keitel), Joe Cabot (Lawrence Tierney) le pregunta por una mujer de nombre; “Alabama”, esto es una referencia al personaje del mismo nombre que interpretó Patricia Arquete en “La Fuga”, pues en el mundo de Tarantino, ella fue compañera de crimen de Mr. White después de conocer a Clarence, el personaje de Christian Slater en esa película.

-El nombre verdadero del personaje de Mr. Blonde interpretado por Michael Madsen, es Vic Vega, lo que es una referencia a Vincent Vega, personaje que interpretó John Travolta en “Pulp Fiction”, en el mundo de Tarantino, estos dos personajes son hermanos, incluso mucho tiempo se rumoró que existía un guión de las aventuras de estos hermanos criminales, el guión presumiblemente se llamaba: “The Vega Brothers”.

-En una escena dentro de un auto, un personaje menciona a Pam Grier y sus películas, años después ella sería la protagonista de “Jackie Brown”, tercera cinta de Tarantino.

-Tarantino siempre ha sido gran fan de Charles Bronson, es por eso que en dos escenas diferentes se le nombra, la primera en el spech de Quentin sobre la canción “Like a Virgin” y la segunda cuando halan del robo y la posibilidad de que alguien de los dependientes de la joyería se haga el “Bronson” durante el atraco.

-La palabra “Fuck” es usada 272 veces.

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, el largo plano secuencia cuando Mr. Blonde va a torturar al policía y entra y sale del almacén sin que haya cortes en la escena, además de la escena dentro de una cajuela, cuando Mr. Blonde la abre para enseñarles a Mr. White y a Mr. Pink que trae a un policía ahí.

-La música siempre ha sido muy importante en el universo de Tarantino, a destacar en esta cinta las siguientes canciones: “Little Green Bag” performed by George Baker (de la mítica escena de los créditos de inicio) y “Stuck in the Middle with You” performed by Stealers Wheel (de la mítica escena de la tortura al policía en la bodega).

SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En la escena del principio en la cafetería hay un indicio de quien es la rata del grupo, pues cuando Joe pregunta quien no puso para la propina es Mr. Orange el que inmediatamente delata a Mr. Pink. -En la escena en que Nice Guy Eddie (Chris Penn) va manejando y hablando por celular sobre lo mal que salió el robo, un globo naranja aparece flotando en la calle, claro indicio del color de la rata del grupo.

 

La Fuga (1993)

-Este guión Tarantino lo vendió en $10,000 dls, con ese dinero se compró el Chevy rojo convertible que usa John Travolta en “Pulp Fiction”.

-El guión original era muy extenso, tan extenso que se dividió, y la otra parte que no sale aquí es la base de la película “Natural Born Killers”.

-El guión original no estaba lineal, más bien seguía el estilo de rompecabezas de “Pulp Fiction”, esto lo cambió el director Tony Scott antes de rodar la cinta.

-La palabra “Fuck” es usada 225 veces.

-Tarantino ha afirmado que este guión es el único un tanto autobiográfico que ha escrito, lo que tiene un poco de sentido si tenemos en cuenta que Quentin atendía un videoclub y el personaje de Christian Slater; Clarence, atiende una tienda de cómics, además ambos son fans del cine de artes marciales, como se ve en la escena en que Clarence conoce a Alabama en un cine viejo, en específico viendo una película de Sonny Chiba, actor que años después sería Hattori Hanzo en “Kill Bill”.

-Mueren 21 personas y todas son por disparos de arma de fuego.

SPOILERS (La siguiente información contiene datos no aptos para personas que no han visto la cinta)

-En el guión original el personaje de Clarence muere en la balacera final y Alabama queda viuda, por lo que es rescatada por Mr. White y así inicia una carrera delictiva con él, dato que se corrobora en “Perros de Reserva”.

 

Pulp Fiction (1994).

-El papel de Samuel L. Jackson, Tim Roth y de Harvey Keitel, fueron escritos específicamente para ellos, en cambio el de Bruce Willis fue escrito para Sylvester Stallone, quien lo rechazó.

-El personaje de Vincent Vega fue escrito para Michael Madsen quien ya había sido Mr. Blonde en “Perros de Reserva”, pero por problemas de agenda no pudo hacerlo, fue cuando Daniel Day Lewis y John Travolta hicieron casting, quedándose este último con el papel.

-El personaje de Lance, interpretado por Eric Stoltz, come en una escena un cereal de nombre “Fruit Brute”, este cereal fue descontinuado en los setentas, pero Tarantino tenía una fijación con él, tanto que incluso también aparece en “Perros de Reserva” en la cocina de Mr. Orange (Tim Roth).

-El personaje de “Mr. Wolf” interpretado por Harvey Keitel, ya había salido en otra película, en concreto; “La Asesina”, remake gringo de “Nikita”, ahí el personaje se llamaba: “Víctor El Limpiador”, y también lo interpretaba Keitel.

-El contenido del maletín que brilla siempre ha sido un misterio, existen dos teorías; la primera dice que es el alma de Marcellus Wallace (Ving Rhames) y la segunda, dice que son los diamantes robados en “Perros de Reserva”, incluso el maletín es idéntico en las dos cintas, hace algunos años Tarantino mismo dijo que es lo que los espectadores quieren que sea.

-La palabra “Fuck” es usada 265 veces.

-Los personajes fuman cigarros “Red Apple” marca que inventó Tarantino y que sale en la mayoría de sus cintas.

- El flashback de la niñez de Butch (Bruce Willis) sucede en Knoxville Tennessee, lugar de nacimiento de Quentin.

-El pasaje de la Biblia de “Ezequiel 25:17” fue inventado en su mayoría por Tarantino y Samuel L. Jackson, la única parte que es similar a la de la Biblia es la de: “And I will strike down upon thee with great vengeance and furious anger. And you will know my name is the Lord when I lay my vengeance upon thee."

-Las escenas marca de Tarantino están presentes, el largo plano secuencia cuando Jules y Vincent llegan al edificio donde van a recoger el maletín, así como la escena de la cajuela, cuando sacan su armas antes de entrar al edificio, también algunos personajes femeninos que están descalzos, caso de Uma Thurman y la taxista Esmeralda.

-La música a destacar en esta cinta es la siguiente: “Misirlou” performed by Dick Dale and The Del Tones (de los créditos de inicio del film y del trailer), “You Never Can Tell” performed by Chuck Berry (de la mítica escena de baile entre John Travolta y Uma Thurman) y “Girl You´ll Be A Woman Soon” performed by Urge Overkill (de la escena en que Travolta llega a casa de Uma Thurman después del restaurante).

 

Asesinos por Naturaleza (1994)

-El personaje de Tom Sizemore se llama “Jack Scagnetti”, en “Perros de Reserva” el oficial de libertad condicional de Mr. Blonde se llama “Seymour Scagnetti”.

-El policía torturado en “Perros de Reserva” se llama “Marvin Nash”, en esta cinta los personajes de Mickey (Woody Harrelson) y Mallory (Juliette Lewis) matan a un policía de nombre “Gerald Nash”, además el actor que interpreto a Nash en “Perros de Reserva”, de nombre Kirk Baltz, interpreta a uno de los camarógrafos de Robert Downey Jr. en esta cinta.

-Tarantino manifestó públicamente que su guión fue mutilado y cambiado por el director Oliver Stone, por lo que esta es considerada la menos personal de sus obras.

-Se dice que Tim Roth y Steve Buscemi fueron considerados para algunos papeles, pero Quentin les hablo y les dijo que de trabajar en esta cinta jamás volverían a trabajar con él, esto es solo una leyenda.

 

Continuara….

TWITTER: @FdoSantoyoTello

MATALOS SUAVEMENTE

En el año 2008 pegó una de las peores crisis mundiales que han existido en la historia, esta debacle financiera se originó en los cuarteles de Wall Street y gracias a ese tema se han originado múltiples documentales y películas que han analizado y diseccionado los orígenes del problema, las consecuencias y a sus participantes (recomiendo puntualmente el documental “Inside Job” narrado por Matt Damon).

 

Jamás iba a pensar que existiría una cinta que analizaría estos temas pero visto desde el lado del crimen organizado, como muchos saben, la mafia de Nueva York (esa que es retratada magistralmente en “Goodfellas” ó la serie de “Los Sopranos”) es una organización casi perfecta, con un mapa jerárquico envidiable y sobre todo, con un flujo económico estable y muy jugoso, pero que pasa con estas personas cuando pega una crisis que asola a toda una nación, pues lo que sería lógico; los mafiosos también sufren por la crisis.

 

Basada en la novela “Cogan´s Trade” de George V. Higgins este film producido por el mismo Brad Pitt, representa una versión pocas veces vista en el cine de mafia, ya que sus personajes lejos de mostrar la opulencia y buenos tiempos que suelen pasar, nos muestra la otra cara; la del hastió, la de la nostalgia, la de la impunidad y la impotencia, hace de los mafiosos seres de carne y hueso, cercanos a los simples mortales que pululamos en la tierra, los hace más humanos, aunque sus practicas ilegales y amorales sigan ahí.

 

Aquí se nos cuenta la historia de unos criminales no demasiado inteligentes y recién salidos de la cárcel (Ben Mendelsohn y Scoot McNairy) que deciden dar un nuevo golpe: atracar una partida de cartas controlada por la mafia. Tras un accidentado robo logran despojar del dinero a Markie (Ray Liotta) y salir aparentemente avantes. Entonces, la mafia decide hablarle a Jackie Cogan (Brad Pitt) para que resuelva el caso, encuentre a los ladrones y acabe con ellos. Jackie, el único inteligente de esta historia, contacta a uno de los matones estrella de la mafia de Nueva York; Mickey (James Gandolfini), para que le ayude a resolver el caso, pero Mickey ya no es el mismo de antes y ahora solo piensa y se queja sobre el pasado, entonces Jackie tendrá que usar todos sus métodos para esclarecer el caso y quedar bien con sus jefes, a pesar de que la paga ya no es tan buena como antes.

 

La anterior película del director Andrew Domink fue “El Asesinato de Jesse James” por lo que esta es la segunda vez que trabaja con Brad Pitt y muestra a una de las mejores parejas director-actor, cuando menos para quien esto escribe, que existen en Hollywood. El ritmo que este director usa es pausado y taciturno, pero no por eso aburrido, si en su anterior cinta le daba gran peso a las imágenes y a la introspección de los personajes en silencio, en esta ocasión opta por dotarla y alternar discursos políticos de George W. Bush y Barak Obama, construyendo un claro mazazo a la política americana y construir una concisa metáfora sobre la crisis que se originó en el vecino país.

 

Tal vez por esta sincera crítica este filme fue un tanto boicoteado en los Estados Unidos, pues da un claro culpable de la crisis y los problemas que aqueja aquel país; sus mismos habitantes, pues como bien lo dice el personaje de Pitt; “La culpa de todo esto, es de los mismos americanos, por que en Estados Unidos cada quien esta por su lado”.

Uno de los puntos más fuertes de esta cinta son las actuaciones; esta de más decir que Brad Pitt realiza un extraordinario trabajo, pues ya es una constante en su filmografía, pero en lo personal, quienes se llevan la película son Ben Mendelsohn, Scoot McNairy y James Gandolfini, los primeros dos realizando el papel de dos perdedores que tienen nada que perder y mucho que ganar, y este último realizando el papel más entrañable (si es que un mafioso puede llegar a ser entrañable) de toda la película, incluso, si los oscares no fueran el movimiento político y de intereses que es, esta actuación tendría que haber estado cuando menos nominada, pero la realidad es que esta película sería lo último que podrían reconocer los académicos, debido a su honesto mensaje contra el gobierno y los organismos de poder en los Estados Unidos.

 

En cuanto a la dirección pues otro tanto; muy bien ejecutada, con algunas secuencias en cámara lenta muy vistosas y extraordinarias, un ensamble de actores perfecto, tal vez lo único que podría achacársele es el ritmo un tanto lento que tiene, aunque los discursos políticos que se alternan pueden darle realce si se les pone la atención adecuada.

 

En conclusión, esta es una cinta potente, con un mensaje duro y claro, actuaciones a la medida, y es la típica película que esconde algo más de lo que aparenta a primera vista, por que en el fondo es más profunda de lo que una simple historia de criminales podría significar, ojo, es más bien una historia sobre política y crisis, disfrazada de Thriller de mafiosos.

Titulo Oiginal: Killing Them Softly

Director: Andrew Dominik

Actores: Brad Pitt, James Gandolfini, Richard Jenkins, Ray Liotta, Ben Mendelsohn, Scoot McNairy

Calificación: 8.5

En 2 Palabras: Profunda y Potente

Curiosidades: El director se vio en la necesidad de cortar una hora de metraje debido a las presiones del estudio para hacer más accesible la cinta, de dos horas y media, quedo en una hora y media de duración.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

10 DE LAS MEJORES PELÍCULAS DE SUPERHÉROES

El cine de superhéroes ha adquirido muchos reflectores de unos 15 años para acá, aunque desde los años setentas con la adaptación de “Superman”, hecha por Richard Donner, ya se empezaba a vislumbrar lo exitoso que podía ser este tipo de productos no solo en Hollywood, si no en todo el mundo. Con muy claros altibajos, el cine basado en las historietas ha sido delicia de chicos y grandes desde hace varias décadas, y a pesar de que existen películas de este tipo bastante bochornosas (dígase; “Batman y Robin” ó “Catwoman”) siempre han gozado del respaldo del público.

 

Gracias al director Christopher Nolan las películas de superhéroes han adquirido, aparte de éxito comercial, un inusitado éxito de crítica, pues su visión de Batman ha rendido a sus pies a los críticos de cine a nivel mundial, y gracias a ese estilo sombrío y más maduro que le dio al caballero de la noche, los diversos estudios de Hollywood han intentado darle más sustancia a las historias de los superhéroes, aunque siendo justos, este tipo de mayor sustancia en el cine basado en cómics ya lo había intentado, y con considerable éxito, Bryan Synger con su visión de los X-Men.

 

Cada año hay cuando menos dos películas basadas en algún popular personaje sacado, ya sea, de Marvel cómics ó DC cómics, y por lo general este tipo de cintas suelen estar entre lo más taquillero del año, este 2012 no es la excepción; ya se estrenó con un escandaloso éxito “The Avengers”, ahora esta en los cines “The Amazing Spiderman” y la esperadísima y gran conclusión de la trilogía de Nolan; “The Dark Knight Rises”. Es por eso que ahora me dí a la tarea de enlistar las 10 mejores películas de superhéroes, en mí particular punto de vista, si falta alguna ó sobra alguna, coméntenlo.

 

10.- Kick-Ass (Matthew Vaughn, 2010) Esta cinta fue una bocanada de aire fresco para el mundo de los superhéroes y los cómics, pues trasladó el universo mágico e irreal de los superhéroes a un mundo más real, más cercano a los simples mortales, la trama de un clásico perdedor de escuela preparatoria que un día decide ponerse un traje y combatir el crimen sin ningún poder ó virtud especial, dio como resultado una de las películas más divertidas, irreverentes y violentas del 2010, por que la historia de Kick-Ass es el sueño de muchos hecho realidad; convertirse en un superhéroe de la noche a la mañana, con fans, seguidores e imitadores por todas partes, aunque las consecuencias sean varias y bastante crueles como se nos demuestra en esta historia, en definitiva esta es una cinta de culto, que pasará a la historia y será, si no es que ya es, un ejemplo a seguir e imitar en un futuro.

 

9.- Batman Returns (Tim Burton, 1992) Muchos podrían estar en desacuerdo y nombrar la primera Batman que realizó Tim Burton en 1989, aquella con un esplendido Jack Nicholson como el Joker, como mejor película que ésta secuela, la verdad es que en mí punto de vista ésta es mejor por varias razones, entre las que destaco; la ambientación, los personajes y el guión, para esta continuación Tim Burton se veía más suelto, tenía mas conocimiento y cercanía con los personajes, y esto se nota en su desarrollo, es una cinta de freaks hecha por un freak, el estilo gótico del director esta mejor empleado y plasmado que en la anterior entrega, además de que su tono sombrío le va mejor al personaje, para el recuerdo también quedan las interpretaciones de Danny de Vito como el Pingüino y Michelle Pfeiffer como Gatubela.

 

8.- Watchmen (Zack Snyder, 2009) Una de las novelas gráficas más importantes es sin duda ésta, con miles de fans por todo el mundo, su adaptación a la pantalla grande significaba un gran reto, reto que aceptó el visionario director Zack Snyder (quien por cierto ahora se encarga de la nueva entrega de “Superman”), hay quienes no vieron con buenos ojos el resultado final, pero lo cierto es que el espíritu del cómic original esta plasmado en la pantalla casi casi como un calco, el problema que más tiene esta adaptación es el hecho de que es una historia para adultos, y siendo los niños quienes más consumen este tipo de productos significa una gran confusión en el público, pues su material es todo menos infantil, al contrario, es una historia llena de violencia, psicópatas, desnudos, sociópatas, sexo, traiciones y asesinatos bastante gráficos, en pocas palabras, superhéroes para adultos, en una trama al estilo de “Seven” pero en el mundo de los cómics.

 

7.- Superman (Richard Donner, 1978) La primera gran adaptación de un cómic a la pantalla grande, esta versión del hombre de acero es hoy por hoy una referencia obligada en el género, divertida y con momentos clásicos; como la parte del planeta Kriptón y la primera aparición del héroe con su disfraz, esta es una cinta que aún hoy en nuestros días no se siente tan vieja ó ridícula, pues sus efectos han envejecido bastante bien, claro esta, para una película realizada en los setentas, además de contar con un elenco sublime, en el que destacan Marlon Brando como Jor-El y Gene Hackman como Lex Luthor, es tanta su valía, que si no hubiera existido, difícilmente hoy estaría escribiendo este artículo, pues el cine de superhéroes no sería lo que es hoy.

 

6.- Batman Begins (Christopher Nolan, 2005) El personaje del caballero de la noche venía de ser ridiculizado al máximo en Batman y Robin (Joel Schumacher, 1997), incluso había quienes decían que jamás volvería a ser rentable este héroe debido al mal sabor de boca de su última incursión en el cine, pues el director ingles Christopher Nolan calló bocas a propios y extraños con su particular visión de esta historieta; volvió a los inicios del personaje, lo doto de más profundidad, lo aterrizó más en un mundo real y le dio un subtexto de Thriller criminal a todo el asunto, dando como resultado una historia vibrante y muy original, a pesar de estar basado en un héroe tan popular y mil veces visto, a partir de aquí, el cine de superhéroes cambió para siempre, y este cambio, fue para bien.

 

5.-X-Men 2 (Bryan Singer, 2003) En la primera parte de X-Men, el director Bryan Singer entrego una película casi completa, tenía buena dosis de acción, personajes memorables y un subtexto bastante interesante; la intolerancia y la discriminación, lamentablemente todo se tocaba muy por encima, es una cinta de apenas 95 minutos, así que no podía contarlo todo en tan poco tiempo. Afortunadamente le llegó la oportunidad de redimirse tres años después con esta secuela, que significó la mejoría de todo lo que en aquella apenas se tocaba, en esta ocasión el balance entre acción, personajes, diálogos y profundidad fueron los justos para dar una de las mejores adaptaciones de cómics de la historia, una cinta épica que puso el listón muy alto a la franquicia y que resultó en el posicionamiento total de este grupo de superhéroes, forajidos y con múltiples problemas psicológicos y personales.

 

4.- The Avengers (Joss Whedon, 2012) Aunque apenas salió este año, no hay duda que esta cinta ya pasó a la historia y al olimpo de las mejores adaptaciones que se han hecho de un cómic, los detractores de esta película, que sinceramente son pocos, podrían acusarla de frívola y comercial, pero es que esa es precisamente su función; ser un espectáculo increíble, lleno de acción, chistes y actos heroicos al extremo, esto último es lo que más se le podría pedir a una adaptación de los Vengadores, y esta historia en particular, lo da, el director Joss Whedon supo dar en el tono exacto que se necesitaba y en consecuencia realizó un film espectacular y divertido desde el minuto uno, hasta su final.

 

3.- Spiderman 2 (Sam Raimi, 2004) En la primera incursión del héroe arácnido quedaban claras sus pretensiones; ser un espectáculo divertido, colorido y apto para niños y adultos, para esta, su secuela, el director Sam Raimi siguió esos cánones y le agrego un poco más de sustancia; los problemas diarios y vicisitudes románticas de un adolescente responsable con una carga más pesada de la que puede soportar. Todo esto dio como resultado en una de las mejores adaptaciones que de un cómic se han hecho, complementada por un villano memorable (Dr. Octopus interpretado por Alfred Molina) y varias secuencias de acción muy bien hechas.

 

2. - X-Men: First Class (Matthew Vaughn, 2011) Matthew Vaughn precedido del éxito de Kick-Ass, se embarco en la tarea de revitalizar a los X-Men, dándoles nuevas caras y presentando algunas desconocidas para el gran público, la tarea parecía difícil, pero salió avante y realizó una estupenda película, que tiene vínculos con el cine de James Bond de los sesentas y con los thrillers políticos de la misma época, en cierto modo Vaughn hizo lo que Nolan con el caballero de la noche; brindarle a estos superhéroes una trama, que quitando el hecho de que es sobre personas con súper poderes, es un Thriller sumamente interesante e inteligente.

 

1. - The Dark Knight y The Dark Knight Rises (Christopher Nolan, 2008, 2012) Los ejemplos a seguir por todos los estudios, directores y guionistas sobre películas de superhéroes, las pongo como una sola por el hecho de que ambas comparten sus enormes virtudes (villanos y personajes memorables, grandes actuaciones, una trama inteligente, emocionante y con connotaciones sociales muy marcadas) y sus pocos defectos (algunas secuencias de acción no tan bien montadas y uno que otro fallo de lógica), en estas cintas el fondo esta por encima de la forma, pues su marcado ritmo y estilo de Thriller psicológico la ponen muy por encima de cualquier otra cinta del género, hay muchos momentos en que nos olvidamos que lo que estamos viendo es un film de Batman y pareciera que estamos viendo el nuevo hit del cine de suspenso, su banda sonora la dota de una identidad propia que le da un aire más épico de lo que ya es en puras imágenes, si tomamos la trilogía de Christopher Nolan como una sola historia, el resultado no es otro que una obra maestra del cine moderno.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

ARGO

Quien iba a pensar que Ben Affleck, aquel actor que no pasaba de ser el co-guionista de “Good Will Hunting” junto a Matt Damon, aquel que era considerado el amigo tonto del dúo Damon-Affleck, aquel que era considerado un actor mediocre y con muchas limitantes, fuera a convertirse en un gran director; sólido, maduro y con un estilo propio.

 

Les guste o no, es un hecho que Affleck es un buen director, es un hecho que su verdadero talento reside tras la cámara y no precisamente delante de ella, aunque la verdad ha ido mejorando sus actuaciones con los años, incluso en esta su tercera película dirigida, se guarda un papel que interpreta de buena manera, redondeando su estatus de artista completo y callando muchas bocas.

 

En el año 2007 debutó con la película “Gone Baby Gone”, un Thriller policíaco basado en la novela de Dennis Lehane, el mismo autor de “Mistyc River” y “Shutter Island”, en su debut se notaron buenas hechuras, sorprendió a propios y extraños con un relato crudo y adusto sobre la desaparición de una niña que cimbra a una comunidad en la ciudad de Boston, pero en aquella ocasión sus detractores hablaron de un golpe de suerte, incluso se dijo que mucho del éxito de la cinta se debía a la estupenda historia basada en el relato de Lehane, a pesar de que el guión adaptado era precisamente de Affleck.

 

Para el año 2010 volvió a sorprender con su siguiente film dirigido; “The Town”, otro Thriller policíaco, esta vez ambientado en el mundillo de los asaltantes de bancos, para sorpresa de algunos y beneplácito de otros, esta resulto ser igual o mejor que la anterior, en este, su siguiente film, se notó un estilo propio, un gran pulso como director, y sobre todo, que sabía dirigir a la perfección grandes ensambles de actores famosos, en esta ocasión se cedió un papel dentro de la historia y no desentono en lo absoluto, estábamos ante un prospecto muy interesante de creador, y esta vez no parecía ser un golpe de suerte.

 

Para “Argo”, su tercera cinta como director, contó con la bendición y el apadrinamiento de George Clooney, quien en un principio iba a dirigir el film y al final solo quedo como productor, y nos relata la historia de un misión muy peculiar de la CIA que se llevó a cabo durante finales de los años setentas y principios de los años ochenta, una misión que ni al mejor guionista de Hollywood se le hubiera ocurrido, dando por sentado, que la realidad supera la ficción.

 

La historia nos cuenta cómo el 4 de noviembre de 1979, mientras la revolución iraní alcanzaba su punto más crítico, algunos militantes irrumpieron en la embajada de Estados Unidos en Teherán y tomaron cincuenta y dos prisioneros estadounidenses. Sin embargo, en mitad del caos, seis de ellos lograron escapar y encontraron refugio en casa del embajador canadiense. Sabiendo que era solo cuestión de tiempo que los encontraran y, muy probablemente, los mataran, un especialista de la CIA en operaciones especiales llamado Tony Méndez (Ben Affleck) inventó un arriesgado plan para sacarlos del país. Un plan tan increíble que inmiscuía a Hollywood, productores de cine de la vieja guardia, maquillistas, a la CIA y, en especial, al ficticio crew de una cinta de ciencia ficción, en el estilo de “Star Wars”, “Dunas” y “Flash Gordon”.

 

Una de las mayores virtudes de este film, además del virtuosismo con la que esta dirigida, es su diseño de producción, realmente parece que estamos viendo una película de los años setentas; los vestuarios, las locaciones, los decorados, los peinados, todo nos remite a esa época, en ocasiones pareciera que estamos contemplando una vieja cinta de la desaparecida productora Cannon (responsable de títulos como “Delta Force”, “Ninja Americano”, “El Vengador Anónimo”, “Prisioneros de Guerra” y un largo etcétera de cine B) y en la mejor tradición del cine de espías de aquellos años esta cinta se complementa con grandes actuaciones; sobresaliendo Alan Arkin como el viejo productor de Hollywood, John Goodman como el maquillista amigo de Méndez y el mismo Affleck que con su clásico gesto de inexpresividad le da realce a su actuación.

 

Por momentos también nos recuerda la cinta “Munich” de Steven Spielberg, pero la gran diferencia entre ambas, es el humor con el que cuenta el film de Ben Affleck, es en toda la regla; un Thriller disfrazado de comedia negra ó, mejor aún; una sátira disfrazada de cine de espías y escapes imposibles, cargada de cariño hacia el oficio de contar historias increíbles y excitantes, esto esta clarísimo en toda la parte que se desarrolla en Hollywood, cuando se esta elucubrando el plan maestro para rescatar a esos rehenes y cuando la maquinaria hollywoodense entra a escena, aquí el director hace gala de su conocimiento y su amor hacía el séptimo arte.

 

El comienzo de la cinta es poderoso e impactante, con un estilo de documental que pone a la audiencia en terreno conocido, y su parte final es un ejemplo de tensión bien manejada, una clase de edición y de un manejo ejemplar de la cámara y el elenco. Guardando aún las comparaciones, Affleck es sin duda un digno heredero al mejor Clint Eastwood como director, ambos comparten una sensibilidad clara y nata, un manejo de la cámara magistral y una maduración en temas digna de un maestro de cine.

 

En conclusión; una de las mejores películas del año, sin duda en mí Top 5 personal del 2012, una cinta amena, divertida y que además maneja una tensión increíble, no por nada ha recaudado más de 100 millones de dólares en el mundo, algo que una película de este tipo (Thriller enfocado más al público adulto y pensante) es muy difícil de hacer, es el tipo de cinta que después de verla siempre la recordaras.

 

Titulo Oiginal: Argo

 

Director: Ben Affleck

 

Actores: Ben Affleck, John Goodman, Alan Arkin, Bryan Cranston

 

Calificación: 9

 

En 2 Palabras: interesante y emocionante

 

Curiosidades: El personaje de Ben Affleck usa una barba tupida, al igual que la que usaba Chuck Norris en las celebres cintas; “Delta Force”, en ambas películas los personajes principales liberaban rehenes americanos de las garras de extremistas islámicos, aunque ambas son diametralmente opuestas en ritmo y tono.

TWITTER: @FdoSantoyoTello