10 DE LAS MEJORES PELÍCULAS DE ACCIÓN

Hablar del cine de acción me trae muy buenos recuerdos, al ser el género favorito de mí padre, es inevitable recordar mis primeros acercamientos al séptimo arte, sin miedo de sonar superficial debo admitir que esos primeros pasos en el cine los di con el cine de acción, viendo a los actores que mí padre idolatraba en mí niñez, es inútil nombrarlos todos, pero si, ahí estaban Charles Bronson, Clint Eastwood, Chuck Norris, Lee Marvin, Bruce Lee, Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Jean Claude Van Damme, Bruce Willis y muchos más.

 

La nostalgia me invade al recordar las grandes salas de cine de antaño, acompañando a mí padre a ver la nueva aventura de su héroe en turno en la marquesina, a pesar de que muchas veces entraba de contrabando, estoy seguro que muchos de los hombres de mí generación (nacidos en los ochentas) recuerdan esto mismo.

 

Al voltear atrás y recordar todo esto sin duda me queda claro que el género a evolucionado, así como el cine en general; antes los héroes de acción eran machos invencibles, la mayor parte del tiempo groseros y sucios, no dudaban en matar a diestra y siniestra, y por obvias razones sus historias no temían en mostrarnos todo esto sin pudor alguno.

 

Ahora el cine de acción se ha “dulcificado” los héroes de acción son más “sensibles”, la sangre ya no se muestra con tanta normalidad, sus vocabularios se han refinado, es por eso que hoy en día películas como “The Expendables” ó la nueva entrega de “Duro de Matar” se notan como experimentos retro y como especimenes raros en una época de tecnología y efectos especiales por todos lados.

 

Sin más, enumero una lista de diez cintas de acción, la mayor parte de ellas clásicas, como siempre, una lista subjetiva y muy personal, pero no cabe duda que estas cintas son de lo más representativo del género

 

10.- Lluvia Negra (Ridley Scott, 1989) El papel más bad-ass de Michael Douglas en el cine, jamás una cruzada contra la mafia japonesa Yakuza fue tan memorable como esta, acompañado de un entonces joven Andy García, en otro papel que se queda en la memoria, dirigida ni más ni menos que por Ridley Scott, en la que es su única película de acción policíaca (sus demás cintas del género son más bien de ciencia ficción ó épicas históricas), la escena de las motos que acechan a García es sin duda un clásico, el final en la granja japonesa también es todo un ejemplo del por qué la incluyo en esta lista.

 

9. - Mad Max 2: The Road Warrior (George Miller, 1981) El prototipo del anti héroe de acción puede ser sin duda Max Rockatansky interpretado de maravilla por Mel Gibson, la segunda parte supera a la primera, sobre todo por las espectaculares persecuciones, en especial la del final, el ritmo en esta cinta va en ascenso, memorables personajes, memorables imágenes, un ejemplo de cómo filmar escenas de velocidad con coches y camiones especiales.

 

8.- Máxima Velocidad (Jan de Bont, 1994) Después de que Keanu Reeves filmó la también magnífica “Punto de Quiebra”, se afianzo en el género de acción con esta historia de acción trepidante, con villano memorable incluido; Dennis Hopper, en la que probablemente fuera su última gran actuación, la faena del policia Jack Traven para detener un camión de pasajeros que al frenar explotaría, encantó a todo el mundo y posiciono también a una joven y jovial Sandra Bullock, que irrumpió con fuerza en Hollywood después de su papel de la valiente Annie.

 

7. – Bourne: El Ultimátum (Paul Greengrass, 2007) El personaje de Jason Bourne significó un revulsivo para el género, los agentes secretos tenían un estancamiento claro, todos eran copias del famoso y flemático James Bond, hasta que llegó Matt Damon con este personaje que le dio un giro, y sobre todo le dio nuevos bríos a los agentes secretos en el cine, con un look más realista, más sucio; esta trilogía marco un antes y un después a como se hace y se ve el cine de acción, la tercera parte es la más celebrada y probablemente la mejor de la ahora cuatrilogía.

 

6. – La Roca (Michael Bay, 1996) El cine de Michael Bay es vapuleado y celebrado a partes iguales en el mundo, lo que es cierto es que jamás su estilo se vio tan bien y funciono de mejor manera que en esta, su segunda película (la primera fue Bad Boys), con un Nicolas Cage en estado de gracia, un Sean Connery en su hábitat más cómodo y un villano redimible y entrañable a manos de Ed Harris, acción trepidante y explosiva de principio a fin, el estilo del director marcando la pauta que seguiría su filmografía; escenas en cámara lenta, tomas contra picadas, ensalzamiento de las fuerzas militares gringas, explosiones espectaculares y ritmo vertiginoso .

 

5. - Hard Boiled (John Woo, 1992) En esta lista tenía que estar el maestro del cine de acción chino John Woo, entre su filmografía encontramos películas muy famosas y populares como “Código Flecha Rota” y “Contracara”, lo cierto es que cualquiera de estas podría figurar en este listado, pero sin duda la cumbre de su estilo y su acción fue “Hard Boiled”, con su actor fetiche en Hong Kong; Chow Yun-Fat, la balacera final, de ni más ni menos que 28 minutos de acción sin parar, es el ejemplo más claro de por que escogí esta y no cualquier otra de este mítico director.

 

4. - Fuego contra Fuego (Michael Mann, 1995) Un enfrentamiento entre dos monstruos de la actuación como Al Pacino y Robert de Niro fue un sueño que se cumplió con esta cinta, de la mano de uno de los mejores directores de acción que hay en la actualidad; Michael Mann, se nos brindo un trhiller de policías y ladrones con todas las de la ley, una historia palpitante, emocionante, con actuaciones soberbias, y no solo de los dos protagonistas, si no también de Val Kilmer, John Voight, Tom Sizemore, Natalie Portman, Ashley Judd, Kevin Gage, Diane Venora, en fin, un elencazo al servicio de una gran historia, por si fuera poco, tiene la que es probablemente la mejor balacera y uno de los mejores planos secuencia jamás filmados; la de la calle después del último robo.

 

3.- Terminator 2 (James Cameron, 1991) Otra secuela que supera a la primera parte, en el que es sin duda el papel más entrañable de Arnold Schwarzenegger, que paso de villano a héroe en esta saga, aquí el malo recae en Robert Patrick que brinda un antagonista de antología; ya que con muy pocos diálogos logra verse amenazante. Una de las grandes virtudes de esta cinta son los efectos especiales, que en su día en 1991 eran lo máximo y lo más nuevo, hoy se ven bastante bien y no han envejecido para nada, lo que le da un plus muy importante, acción impresionante, una trama del juicio final bastante interesante y un catalogo de escenas para el recuerdo.

 

2. – Arma Mortal (Richard Donner, 1987) Las buddy movies (película de dos compañeros un poco dispares) habían tenido en la película “48 Horas” su principal punta de lanza, pero fue hasta que los tenientes Martin Riggs (Mel Gibson) y Roger Murtaugh (Danny Glover) irrumpieron en pantalla que las reglas del juego de este tipo de cintas de acción quedó plantada. Dos veteranos de la guerra de Vietnam, uno blanco, otro negro, uno loco, otro viejo, 4 secuelas, varios villanos, secundarios de antología; Joe Pesci, Rene Russo, y mucha diversión, sin duda el cine policíaco ya no fue el mismo después de esta cinta, las dos primeras partes son las mejores, aunque las 4 se dejan ver bastante bien.

 

1. – Duro de Matar (John Mctiernan, 1988) El prototipo del héroe de acción ochenteno y noventero es sin duda John Mclane, interpretado por Bruce Willis, en el papel que le dio fama mundial y lo posiciono como estrella de Hollywood, la primera parte es perfecta; contiene un guión entretenido, lleno de punzantes e ingeniosos diálogos, un antagonista que esta en el olimpo de los villanos de las cintas de acción; el gran Alan Rickman, secuencias espectaculares que al día de hoy no han envejecido y sobre todo; el héroe de la función que ha sido muchas veces imitado pero jamás igualado, sus secuelas han ido decayendo en calidad y grandeza conforme han pasado los años, la segunda y tercera parte son dignas de la primera, pero tanto la cuarta como la recién estrenada quinta parte han dejado algo que deber. Como dato curioso esta el hecho de que el guión de “Duro de Matar” se escribió como una secuela de la película de Schwarzenegger “Comando” donde interpretaba al ex mercenario John Matrix, al final Schwarzenegger y el estudio no la filmaron y el proyecto termino transformándose en lo que hoy conocemos como la saga del invencible John Mclane.

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TITANES DEL PACÍFICO

Año con año todos los estudios de Hollywood sacan sus cartas fuertes para ganar dinero a mansalva, la época veraniega siempre esta colmada de Blockbusters hechos con el único propósito de abarrotar las taquillas y atraer la mayor parte del público que se pueda a las salas de cine, es por eso que en esta época salen a relucir las secuelas de películas de súper héroes (este año Iron Man y Superman), las secuelas de películas de acción (Rápidos y Furiosos 6), las secuelas de películas basadas en series de televisión ó caricaturas (Star Trek 2) y hasta las secuelas de las películas animadas (Monsters University, Mí Villano Favorito 2), de vez en cuando salen cintas que no son secuelas, pero están basadas en algún libro, novela gráfica ó simplemente son un remake (este año Guerra Mundial Z).

 

Por eso filmes como “Inception” son tan importantes y refrescantes, por que aparecen de la nada, son historias originales, algo no visto ni en papel, ni en televisión y mucho menos hace muchos años en otra cinta, desgraciadamente este tipo de provectos veraniegos cada vez escasean más, este 2013 tuvimos la fortuna de tener dos proyectos con estas características, aunque son muy diferentes entre si, pese a que ambas son películas de ciencia ficción, estas fueron; “After Earth” y “Titanes del Pacífico”.

 

Y digo que son tan diferentes entre si, por que lo que “Titanes del Pacífico” tiene, “After Earth” lo extraña y lo adolece al mismo tiempo, del último fracaso de M. Night Shyamalan acompañado de Will Smith no hablare mucho, solo decir que es un: “quiero y no puedo” en toda la regla, de la otra obra de Guillermo Del Toro en cambio, me extenderé para ovacionarla y recomendarla fervientemente.

 

La historia nos lleva a un futuro distópico donde unos monstruos de nombre Kaiju empiezan a surgir del mar para destruir todo a su paso. Para combatirlos se crea un arma especial: los Jaegers, unos enormes robots que son controlados simultáneamente por dos pilotos, cuyas mentes están conectadas a través de un puente neuronal. Pero hasta los Jaegers se muestran indefensos frente los despiadados Kaiju. Al borde de la derrota, las fuerzas que defienden al mundo se ven obligadas a recurrir a dos improbables héroes: un ex piloto con una tragedia a su cuesta (Charlie Hunnam) y una novata sin experiencia con un trauma y una deuda pendiente con los monstruos (Rinko Kikuchi). Juntos representan la última esperanza de la humanidad frente al inminente Apocalipsis.

 

No extraña que nuestro compatriota Guillermo Del Toro entregue una película repleta de escenas espectaculares y rodadas de brillante manera, ya en su díptico de “Hellboy” se vislumbraba a un cineasta apto para representar escenas de catástrofes ó con abundantes efectos especiales, y su lado más autoral como el de “El Laberinto del Fauno” nos había venido a confirmar que es un director con una voz propia y un estilo muy bien marcado y muy propio.

 

Su última película es tal vez su cinta más ambiciosa, por muchos aspectos, es una historia difícil, ya que realizar un film donde el punto principal son las luchas entre robots gigantes y monstruos igualmente grandes y no caer en el absurdo ó en la parodia, es una labor titánica, y aquí el gordo, sale más que bien librado.

 

Olvidando que los robots y los monstruos son los protagonistas de este film, nos queda el hecho de que es una historia sobre héroes, sobre humanos luchando en contra de la extinción, así que lo épico se palpa por todos lados, es una aventura futurista que nos brinda escenas igualmente bellas como impresionantes, al igual que nos entrega un ritmo vertiginoso y con gran tino.

 

Las actuaciones son buenas, se ve que Del Toro escogió a quien en verdad quería y ninguno de su elenco se ve impuesto, ya que no hay ningún nombre famoso ó que venda por si solo, los más conocidos son Idris Elba (que hace poco salió en “Prometheus”) y Ron Perlman (el actor fetiche de Guillermo Del Toro), pero de ahí en más nadie que pueda ser reconocido por el gran público.

 

El peso cae en Charlie Hunnam y Rinko Kikuchi, a él se le puede ver en la estupenda serie “Sons of Anarchy” compartiendo créditos con Ron Perlman también, y a ella la pueden recordar por su papel en “Babel”, del también mexicano Alejandro González Iñarritu (tal vez ahí ocurrió una recomendación entre colegas), pues ambos cumplen decorosamente su papel, se ven cómodos y a gusto, son los héroes improbables que el guión nos menciona y salen airosos igual que sus personajes.

 

Otro gran punto es la fotografía del también mexicano Guillermo Navarro, compañero inseparable de batallas del otro Guillermo, su fotografía luce extraordinaria, fría y metálica, como los robots protagonistas, pero tiene una belleza extraña, que es precisamente uno de los sellos personales del director y de este fotógrafo cuando trabajan en conjunto.

 

Con algunas reminiscencias de animes como “Mazinger Z” y “Evangelion”, la cinta es impresionante en su despliegue de batallas, también por ahí se nota el amor que el director mexicano le tiene al cine de kaijus proveniente de Japón, donde su principal exponente es ni más ni menos que Godzila, pues ambos estilos colisionan brindándonos un espectáculo de primer nivel, emocionante y vigoroso.

 

Es una lastima que en Estados Unidos no haya arrasado la taquilla y en su lugar la nueva porquería de Adam Sandler; “Son Como Niños 2”, la haya superado, esto solo nos habla de lo poco receptivo que es el público de hoy en día, prefieren ver: “malo conocido, que nuevo por conocer”, y películas originales, realizadas con pasión y entrega a veces pasan desapercibidas debido a que no vienen precedidas de algún material conocido ó no vienen apadrinadas por algún actor famoso de Hollywood, si tan solo esta hubiera conjuntado el carisma y arrastre de Will Smith (fue él único que salvó del fracaso absoluto y rotundo la última cinta de Shyamalan) con la calidad inminente que tiene “Titanes del Pacífico”, hubiera hecho el doble de dinero, eso si, es una historia muy para hombres, es ese factor el que tal vez hizo que muchas mujeres no se volcaran a los cines a verla.

 

En conclusión, es un espectáculo veraniego emocionante y épico, la delicia de muchos de los que nacimos en los ochentas, pues quienes crecimos viendo caricaturas como “Voltron” ó la mencionada “Mazinger Z”, es nuestro sueño hecho realidad, al verla no pude dejar de sentirme como un niño pequeño viendo lo más grande que mis ojos me puedan permitir, y se nota que ese sentimiento es el mismo de su director.

 

Titulo Original: Pacific Rim

 

Director: Guillermo Del Toro Actores: Charlie Hunnam, Idris Elba, Rinko Kikuchi, Charlie Day, Clifton Collins Jr., Ron Perlman

 

Calificación: 9.5

 

En 2 Palabras: Emocionante e Impresionante

 

Curiosidades: Guillermo Del Toro dejó la filmación de “El Hobbit” para filmar esta cinta, argumentando que prefiere libertad creativa, la cual aquí tuvo de sobra, además de que contó con casi 180 millones de dólares de presupuesto, que difícilmente recuperará ya que no ha tenido la aceptación que se esperaba.

 

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10 NUEVOS DIRECTORES A SEGUIR

La década pasada nos dejó prometedores directores de cine que hoy ya están consolidados y algunos de ellos hasta con estatus de culto, aunque algunos otros han ido perdiendo fans con cada nuevo proyecto, lo que no cabe duda es que gente como Christopher Nolan, M. Night Shyamalan, Wes Anderson, Zack Znyder, Jason Reitman, Michel Gondry, Guy Ritchie, Darren Arofnosky, Nicolás Wending Refn, Edgar Wright y J.J Abrams hoy ya son una realidad y pasaron de ser promesas a principios del siglo XXI a ser de los más exitosos en la industria hoy en día.

 

Como todo en la vida, estos directores mencionados comenzaron su carrera desde cero, pero todos tienen un punto en común; que irrumpieron sorprendiendo al mundo gratamente con sus primeras cintas, algunos fueron haciéndose cada vez más buenos (dígase Christopher Nolan y Wes Anderson) otros han ido de capa caída (dígase M. Night Shyamalan) y otros se han convertido en herederos de gente como Steven Spielberg (dígase J.J Abrams), lo que sí, es que hoy cualquiera de estos talentosos directores son referentes de buen cine ó cine taquillero a nivel mundial.

 

Pues bien, hay una nueva oleada de directores que buscan hacerse de un nombre como sus colegas arriba mencionados, esta nueva década nos trae nuevas voces y nuevos rostros en este rubro, aquí enumero una lista de 10 de estos nuevos directores a los que sin lugar a dudas hay que seguirles la pista, no hay un orden particular, así que sin más, aquí están.

 

10. - Derek Cianfrance Director norteamericano que se dio a conocer con la estupenda “Triste San Valentín”, con esa película llamó la atención de críticos de todo el mundo al contar una historia melancólica, visceral y sobre todo muy real, lo que más se destacó de su trabajo fue lo mucho que exprimió a sus actores Ryan Gosling y Michelle Williams, al sacarles actuaciones extraordinarias y dignas del recuerdo, tiene pendiente de estreno para este año: “The Place Beyond the Pines”, otra historia melancólica, enmarcada en el mundillo de los ladrones, los policías y los padres primerizos, también cuenta con la presencia de Ryan Gosling, quien parece ser su actor fetiche hasta el momento, además de Bradley Cooper, Eva Mendes y Ray Liotta, la crítica la alaba y todo indica que estamos ante un verdadero autor.

 

9. – Duncan Jones Ingles de 42 años, hijo de ni más ni menos que el cantante David Bowie, hizo su debut cinematográfico con la increíble “Moon”, en la que un impresionante Sam Rockwell era prácticamente el único actor en la historia, con esa película Jones demostró ser un director con gran pulso dramático así como lo suficientemente hábil para impactar visualmente, su segunda película lo confirmo como un buen artesano con un aire de autor; “Source Code” con Jake Gyllenhall, lo que aquí quedó claro es que es un director con ideas frescas y muy solvente con su elenco e imágenes, sus siguientes proyectos apuntan a la adaptación de famoso juego de rol “Warcraft” y un biopic del creador de James Bond; Ian Fleming.

 

8. – Neil Blomkamp Sudafricano de 34 años, empezó su carrera como creador de efectos especiales, Peter Jackson le brindo su primera oportunidad para dirigir y lo apadrino en la excelente “Sector 9”, en gran parte debido a que Blomkamp había estado trabajando en la adaptación del videojuego “Halo”, por recomendación de Jackson, y tiempo después le cancelaron el proyecto, fue así que nació el interesante proyecto que supuso su opera prima, con un pulso para la acción sorprendente y una voz autoritaria en la que habla de la discriminación social y el tema de la migración sin tapujos, irrumpió en el mundo del cine con pie derecho, nominaciones al oscar incluidas. Ahora esta a punto de estrenar en verano “Elysium” protagonizada por Matt Damon y Jodie Foster, en la que parece conserva los temas migratorios y de discriminación social, apoyados por potentes imágenes de ciencia ficción y acción trepidante.

 

7. – Rodrigo Cortés Español de 40 años, debutó en su natal España con la película “Concursante”, antes ya había escrito y dirigido varios cortometrajes, demostrando desde ahí su buen hacer con la cámara, el proyecto que le catapulto la fama mundial fue “Sepultado” con Ryan Reynolds, un angustiante thriller donde todo ocurre dentro de un ataúd y con un solo actor en todo el metraje, fue comparado con el mejor Hitchcock con ese trabajo, su siguiente, y hasta ahora última cinta, fue la también competente “Red Lights” que es su paso definitivo a Hollywood, contando en su elenco con estrellas como Robert De Niro, Sigourney Weaver y Cillian Murphy, este último film mantiene un ritmo que se incrementa cada minuto y un final inesperado totalmente, si sigue así puede llegar a ser un referente obligado del suspenso.

 

6. – Colin Trevorrow Norteamericano de 37 años, el año pasado salió del anonimato con la película independiente “Safety Not Guaranteed”, con su cinta debut demostró ser también un gran guionista, pues el guión de esa, su opera prima, es probablemente uno de los más originales y divertidos guiones del año pasado, aunque pasó desapercibida en las premiaciones más glamorosas, si ganó algunos premios en circuitos independientes, su principal arma es pues; una ingeniosa manera de contar historias, fue tal el impacto de su primer trabajo que ahora su prueba de fuego viene de manera categórica, ya que ha sido el elegido para dirigir la nueva entrega de la franquicia de Jurassic Park.

 

5. – Rupert Wyatt Ingles de 41 años, su debut fue con una cinta inglesa independiente de nombre: “The Escapist”, pero su consolidación e irrupción como un director a tomar en cuenta fue con la sorprendente “Rise of the Planet of the Apes”, nadie se imagino que esa cinta fuera a funcionar como lo hizo, en gran parte debido al director ingles, después de ese inesperado éxito le han llovido propuestas, por supuesto se le busco para hacer una secuela de su exitoso film, pero decidió desmarcarse para buscar algún proyecto más original y que le llame más la atención, hasta ahora no tiene nada fijo, pero diario recibe interesantes propuestas, seguro volverá con un buen proyecto.

 

4. – Steve McQueen Ingles de 44 años, aunque se llama igual que el mítico actor, no tiene nada que ver con él, incluso este es una persona de color, llamó la atención del mundo con su interesante película “Hunger”, donde dio a conocer a un actorzazo llamado Michael Fassbender, antes que Tarantino, McQueen descubrió a este gran actor alemán, el año pasado volvió a contar con sus servicios en la fantástica “Shame”, gracias a esa cinta de temática un tanto fuerte, fue que el mundo del cine lo ha puesto como una interesante propuesta de cine de autor; valiente y sin miedo alguno a la hora de contar historias espinosas y controversiales, su cine cuenta desde la crítica social de la huelga de hambre que se dio en una prisión irlandesa, hasta la historia de un adicto al sexo, y por último, pasando de nuevo a la crítica social, con una historia sobre esclavismo el cual es su nuevo proyecto; “Twelve Years a Slave”, donde cuenta con la actuación de Brad Pitt, Michael Fassbender (de nuevo), Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti y Chiwetel Ejiofor.

 

3. - Jeff Nichols Norteamericano de 35 años, debutó con la prácticamente desconocida “Shotgun Stories”, hace dos años fue injustamente ignorado por los grandes premios por su película “Take Shelter”, una joya de cine independiente con la impresionante actuación de Michael Shannon y un impactante final, aquí demostró que es un director a tomar en cuenta, su siguiente cinta fue “Mud”, que el año pasado se estreno con buenas críticas en el festival de Cannes, al igual que este año lo hizo en Sundance, con las actuaciones de Matthew McConaughey, Reese Whiterspoon y su actor fetiche Michael Shannon.

 

2. – Martin McDonagh Ingles de 43 años, llamó la atención del mundo del cine con la estupenda “En Brujas” en la que Colin Farrell y Brendan Gleeson interpretaron un relato de mafiosos en desgracia, acompañados de un gran guión y un fino humor negro. El año pasado demostró que ese no fue un golpe de suerte, ya que su última película “Seven Psycopaths” es otra estupenda cinta de humor negro y mafiosos, el cual parece ser su sello personal, con la actuación de nueva cuenta de Colin Farrell y un potente elenco secundario donde pasean Christopher Walken, Woody Harrelson, y un siempre magnífico Sam Rockwell, si sigue con ese estilo será un guionista y director que dará mucho de que hablar.

 

1. – Josh Trank Norteamericano de 28 años, debutó como director en la injustamente desconocida mini-serie “The Kill Point”, un gran producto que pasó desapercibido, pero que es sumamente recomendable, después sorprendió a propios y extraños el año pasado con la divertida “Chronicle”, una refrescante cinta sobre súper héroes y super villanos que vino a darle nuevos bríos al género, fue tal su éxito que Twenty Century Fox le ofreció inmediatamente hacer un remake de “Los Cuatro Fantásticos” ó un spin-off de “Venom” el personaje de SpiderMan, lo más seguro es que dirija la de los Cuatro Fantásticos y también tiene planes de hacer una secuela de su exitosa “Chronicle”.

 

Otros directores a tomar en cuenta son; Gareth Edwards (dirigió “Mosnters” y actualmente filma “Godzilla”), Sean Durkin (dirigió “Martha Marcy May Marlene” actualmente es candidato para dirigir un biopic de Janis Joplin) y Joe Cornish (dirigió “Atack the Block”).

 

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EL HOMBRE DE ACERO

No cabe duda que el súper héroe más famoso del mundo es Superman, incluso por encima de Batman, y es que quién no conoce al extraterrestre del planeta krypton, quién no jugó de niño ha tener los poderes especiales de este, a pesar de que en el cine ha sido más exitoso el murciélago encapuchado, Clark Kent siempre ha tenido una legión de fans bien cimentada y sobre todo, la esperanza de convertirse en el súper héroe más épico y especial del mundo.

 

En 1978 el director Richard Donner (La Profecía, Arma Mortal) realizó la adaptación de los comics creados por Jerry Siegel en 1932, y a partir de ahí el cine cambio, ese primer acercamiento en séptimo arte se volvió un modelo a seguir y el molde a superar durante muchos años para una película basada en una historieta, la verdad es que es insuperable, quitando la nostalgia a un lado, esa cinta representa una magia pocas veces vista en la pantalla grande, a pesar de ser sumamente amable e inocente, nunca, ninguna cinta de súper héroes ha alcanzado el sinónimo de culto que esta tiene.

 

Debo admitir que soy una persona más Batman que Superman, pero eso se debe básicamente a que crecí viendo más películas, programas de televisión y caricaturas del caballero de la noche que de el hijo pródigo de Krypton, y es que quitando la primera cinta del 78, las demás secuelas fueron decayendo de forma alarmante y básicamente malas, eso y que por muchos años se vinculo una maldición a quien se enfundara en el traje azul y calzón rojo, además de que los estudios temieron muchos años que se repitiera el fracaso estrepitoso de taquilla y crítica que supuso la fallida cuarta parte, por lo que durante casi dos décadas El Hombre de Acero no se asomó en pantalla grande para nada, mientras Batman tuvo dos grandes primeras películas en manos de Tim Burton, después decayó alarmantemente con las dos secuelas que dirigió Joel Shumacher, para terminar con una resurrección de ensueño en la trilogía gestada por Christopher Nolan, de ahí que muchas personas nacidas en los ochentas y noventas sean más Batman que Superman.

 

Entonces no es de extrañar que para resucitar al Hombre de Acero, tras otro fallido remake-secuela que hizo Bryan Singer en el 2006, el estudio Warner Brothers recurriera al que hoy por hoy es el rey midas del estudio; el británico Christopher Nolan, quien de la mano del guionista de su trilogía del caballero de la noche; David S. Goyer, y la ayuda fantasma de su hermano Jonathan, quien también le ayudo con sus anteriores cintas, fueran los encargados de regresar a Superman a los primeros planos del cine de súper héroes, todo esto en calidad de guionistas y productores.

 

La historia ya la conocemos, pero ahí va de nuevo; siendo tan solo un bebé, Kal-El (Henry Cavill) fue enviado a la Tierra por sus padres (Russell Crowe y Ayelet Zurer) para evitar que muriera en la destrucción de su planeta, Krypton. Al llegar a nuestro mundo fue criado en Smallville, Kansas, por dos amables granjeros (Kevin Costner y Diane Lane) que le aceptaron como si fuera su hijo propio, siendo apenas un niño descubre que posee poderes extraordinarios y que no pertenece a este planeta. Durante su juventud, viaja para descubrir sus orígenes y las razones por las cuales ha sido enviado. Pero el héroe que lleva dentro tiene que surgir para que pueda salvar al mundo de la aniquilación y convertirse en el símbolo de esperanza para la humanidad. Frente al superhéroe están el malvado general Zod (Michael Shannon) y su socia Faora (Antje Traue).

 

No cabe duda que por fin tenemos el Superman que se necesitaba, al ser uno de los personajes más épicos de las historietas, era una necesidad envolverlo en un espectáculo impresionante, en escenas asombrosas y emocionantes, el encargado más directo de todo esto es Zack Znyder, que antes ya había abordado el mundo de los comics en la gran adaptación de la novela gráfica “Watchmen”, y que había llamado la atención del público con “300”, como podría esperarse, no decepciona en lo absoluto y brinda un magno espectáculo de más de dos horas de duración.

 

Dejando a un lado su afición por la cámara súper lenta, en esta ocasión Snyder se contiene más y realiza tomas más limpias y ordenadas, sin tanto adorno externo, pero con un ojo para la espectacularidad bastante interesante, su dirección se nota sobre todo en los últimos cuarenta minutos, donde se ve que le dieron rienda suelta a su poderío visual, es ahí donde la cinta se nota cien por ciento suya, ya que por momentos se nota más la influencia de Christopher Nolan, pues en ocasiones se ahonda mucho en los personajes, sus motivaciones, su pasado y sus miedo internos.

 

Esto último es probablemente uno de los pocos puntos en contra de esta película, pues la combinación de ambos estilos (visual de Snyder, introspectivo de Nolan) no siempre sale bien parada, hay ocasiones en las que se nota que el editor tuvo problemas para darle más peso a una u a otra, aunque no es un grave problema ni tampoco es para alarmar a alguien, en ocasiones están bien fundidos ambos estilos.

 

Los actores son de lo mejor de esta adaptación, destacando ampliamente Russell Crowe, Michael Shannon y Kevin Costner, estos tres actores elevan considerablemente el producto final con su presencia y su interpretación de personajes claves en la historia, Diane Lane realiza una buena actuación aunque se siente un poco desperdiciada, al igual que Laurence Fishburne, aunque este último brilla con una escena de 5 minutos en la que intenta salvar a una compañera del Daily Planet, especial mención a la secuaz estrella del General Zod: Antje Traue, interpretando a Faora, cada escena en la que sale derrocha magnetismo, se come la pantalla con una personificación feroz.

 

Punto y aparte están Henry Cavill como Clark Kent y Amy Adams como Louis Lane, no están mal, para nada, él tiene mucha presencia física y en ciertas secuencias se comporta a la altura, pero desgraciadamente en algunos momentos luce acartonado, pero en general pasa la prueba pues El Hombre de Acero debe ser un hombre con presencia imponente y por ese lado no hay problema, ella es muy buena actriz, de las mejores de su generación, pero este papel no creo que fuera lo mejor para Amy, pues su presencia sobrepasa al personaje y eso no es lo mejor para el resultado final, además que la química entre ellos es casi nula, en ningún momento se cree que están enamorados el uno del otro, ese es probablemente el principal problema de la pareja protagónica.

 

Los efectos especiales, que por cierto son muchos, en general están muy bien y son espectaculares, aunque desgraciadamente en algunas peleas cuerpo a cuerpo entre Superman y los Kriptonianos se notan muy digitales, tal vez si no se hubiera abusado tanto de ellos el balance hubiera sido perfecto. La fotografía es uno de los puntos más fuertes de la cinta, por momentos se asemeja a la fotografía del mexicano Emmanuel Lubezki en “El Árbol de la Vida”, aunque esta pertenece a Amir Mokri, en ese aspecto el film es casi perfecto.

 

En varios lugares he coincidido en discusiones sobre si es buena ó mala esta película, creo que hay gente que no entiende que esta es una cinta de súper héroes, esta basada en un cómic, en la historia de un ser divino que viene a salvar a la humanidad de peligros insospechados, entonces es obvio que el lado visual y de entretenimiento debería pesar más que el lado introspectivo y dramático, es cierto que se nota la mano de Christopher Nolan y tiene una fuerte carga de esto último, pero en general es un producto para llevar masas al cine, entonces la espectacularidad, los efectos especiales y las secuencias imposibles es lo más importante, parte de lo que más falló en la anterior cinta del 2006 fue precisamente eso, que era muy aburrida, que todo estaba envuelto en un aire de solemnidad y nostalgia por la cinta original que la volvió tediosa, en esta ocasión sus productores, guionistas y sobre todo, su director, se alejan totalmente de ese primer film del 78 y brindan una nueva adaptación muy adhoc para lo tiempos que vivimos, donde todo es rápido y consumible.

 

En conclusión, es una película de gran calidad, que posee un regular balance entre drama y acción, más inclinado a lo bueno que a lo malo, tiene algunos defectos; se pudo haber cuidado más ese dichoso balance entre el estilo Nolan y el estilo Snyder, su pareja protagónica debió derrochar más química en pantalla, algunos efectos fueron excesivos, pero sin duda es un espectáculo emocionante y épico, es lo que se podría esperar de una película de este súper héroe, si se busca más profundidad y solemnidad, pues lo mejor es buscarse cintas de Federico Fellini ó Michael Haneke, por nombrar a alguien más moderno, y no buscarlas en una película sobre un extraterrestre que viene a salvar al planeta tierra con sus súper poderes.

 

Titulo Oiginal: Man of Steel

 

Director: Zack Snyder

 

Actores: Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Russell Crowe, Kevin Costner, Diane Lane, Antje Traue, Laurence Fishburne

 

Calificación: 8.5

 

En 2 Palabras: Espectacular y Épica

 

Curiosidades: Según un estudio realizado en Estados Unidos, en la escena final; la pelea entre Superman y Zod, de haber sido real hubieran muerto 129,000 personas, 250,000 más estarían desaparecidas en los escombros, 1 millón estaría herida, y los gastos monetarios ascenderían a 2 billones de dólares. Si lo comparamos con referentes conocidos, casi 20 veces más dinero que el que supuso el 11S y unas 6 veces lo estimado en “Los Vengadores”.

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POSESIÓN INFERNAL

Por lo general los remakes no son bien vistos en el cine, suelen ser productos oportunistas enmarcados en la necesidad de solo hacer dinero, su razón de ser según los estudios es reforzar una historia contada anteriormente, por medio de mejores efectos, mejor producción y más alcances mediáticos, todo esto es prácticamente falso, pues pocos remakes han sido verdaderamente una reinvención y han mejorado en algo a sus antecesoras.

 

Aunado al hecho de que casi ningún remake en el cine mejora el producto, se tiene que agregar que por lo general estos remedos se hacen de películas míticas, clásicos que poco ó nada tienen que mejorar, como bien lo dije, se hacen con el único propósito de enriquecer a los productores que ven una oportunidad de oro volviendo a hacer algo que en su tiempo significó un éxito.

 

Debo admitir que cuando me entere que harían un remake de “Evil Dead”, la mítica opera prima de Sam Raimi, me molestó un poco, pues la cinta original es una de mis favoritas dentro del género del terror, no le augure ningún éxito, ni comercial, ni artístico, eso, a pesar de que su productor es el mismo Raimi y que él se encontraba prácticamente dándole su bendición al nuevo proyecto, difícil sería que echara a perder el proyecto que lo catapulto a la fama, pero aún así no esperaba nada bueno.

 

Pues me han callado la boca, ya que este remake es bastante competente, y aunque se aleja de la cinta original (para bien) esta muy bien estructurado, contiene un ritmo sorprendente y vertiginoso, además los efectos prácticos son impactantes, su dosis de gore es bastante potente y divertida, en pocas palabras es un remake que funciona.

 

En esta ocasión vemos la historia de Mia y David, dos hermanos que están un poco distanciados y que acaban de atravesar por una tragedia familiar, ella es una vulnerable muchacha que está intentando dejar las drogas y su hermano es un joven que prefirió la distancia a enfrentar los problemas con su hermana. 

 

 Así ellos y otros tres jóvenes se van de viaje a una solitaria cabaña para ayudarla a superar sus problemas y reconciliar los lazos familiares. Sin embargo, allí descubren un libro con el que es posible despertar a una temible fuerza demoníaca. A partir de entonces, el lugar se convierte en un autentico baño de sangre y partes del cuerpo mutiladas.

 

La primera cosa que me impresionó fue la violencia gráfica de la película, pues es raro encontrar una cinta con tal nivel de sangre, mutilaciones y mal gusto en la cartelera, por lo general este tipo de cintas con alto nivel de gore son relegadas al mercado directo a DVD, pero ese es precisamente uno de los puntos fuertes del film; su valor, y este es gracias a su director Fede Alvarez.

 

El Uruguayo Fede Alvarez es un joven director que fue escogido específicamente por Sam Raimi tras ver su cortometraje “Ataque de Pánico” (el cual recomiendo que busquen por Youtube), su elección no pudo ser más acertada, Alvarez utiliza todos sus recursos visuales para impactar y asustar, como lo dije, con un ritmo frenético y que nunca decae, incluso hay encuadres en los que homenajea sin tapujos a Raimi, sobre todo en algunas tomas anguladas, además de que no le tiembla la mano al momento de mostrar sangre, mutilaciones y violencia al por mayor.

 

Una de las grandes diferencias con la cinta original es que en esta nueva versión se profundiza más en la personalidad de los protagonistas, no son simple carne de cañón de la cual no sabemos nada, los hermanos protagonistas tiene un pasado tormentoso que se integra de maravilla en la trama, además que los otros tres compañeros resultan un poquito más construidos a los del film original, tampoco es para echar cohetes, pero dentro del género creo que tienen buena construcción, y sobre todo, tiene el acierto de que los hermanos nos importan un poco más de lo que suele ocurrir en este tipo de historias.

 

Otra diferencia clara con la original es que esta es más seria, no destila ese humor negro y socarrón de la original, aunque existen uno ó dos momentos que dan cabida a unas risas mordaces, nunca alcanza la ironía de la primera, esto será algo que algunos fans extrañaran, pero en lo personal no me parece grave, ya que se agradece que esta reinvención de verdad se busque su propio lugar y se aleje lo más que pueda del producto que la originó.

 

En conclusión, esta es una cinta de terror bastante divertida, muy bien hecha, con una alta dosis de gore, sangre y partes del cuerpo humano mutiladas, no es para todos los gustos, pues el público de estomago débil tal vez se sienta mal viendo un espectáculo que no se guarda nada y que no teme mostrar nada.

 

Titulo Original: Evil Dead

 

Director: Fede Alvarez

 

Actores: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Jessica Lucas, Lou Taylor Pucci, Elizabeth Blackmore

 

Calificación: 8.5

 

En 2 Palabras: Impactante y Sangrienta

 

Curiosidades: Para los fans del film original, les recomiendo que esperen al final de los créditos por que hay una grata sorpresa.

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LAS TRILLIZAS DE BELLEVILLE (2003)

En los últimos años la empresa Walt Disney se ha caracterizado por producir cintas de no mucha calidad artística ni temática, a excepción de sus proyectos realizados junto con la empresa Pixar, sus demás cintas de animación tradicional son de una baja manufactura, sobre todo en cuanto a la historia se refiere.

 

Ahora bien, ojo, no estoy diciendo que todas las películas provenientes del estudio sean malas cintas, al contrario, existen joyas como “Wall-E”, “Up” y “Toy Story 3”, lo malo es que como lo mencione antes, estas proceden del estudio paralelo Pixar, que aunque es auspiciado por la Disney ya son empresas un tanto diferentes y separadas, y esa animación por computadora dista mucho de ser la típica animación con la que crecimos muchos de los que hoy pasamos los 25 años.

 

Y es que Disney ha convertido el arte de la animación tradicional en un burdo ejercicio mercadológico, dejando que la avaricia y la ambición guíen sus películas, en vez de dar a sus hábiles artistas la libertad para crear obras innovadoras e interesantes.

 

Y para colmo, estudios como Dreamworks, Fox ó recientemente Sony Animation Studios, tratan de imitar el patrón exitoso de las últimas joyas de Pixar, y aunque han logrado trabajos destacables como “Shrek”, “Kung Fu Panda” ó “Como Entrenar a tu Dragón”, siempre caen en la repetición y en la monotonía de las secuelas innecesarias ó productos hechos con una formula ya muy prefabricada.

 

Hace unos 20 años era imposible pensar que hubiera buenas cintas animadas que no provinieran del estudio Disney, es más, hace 20 años no se tenía ni la conciencia de que existen pequeños estudios como el Ghibli en Japón, que han dado y siguen dando joyas invaluables en el género, y que entre sus filas se encuentran verdaderos artistas y creadores de la talla de Hayao Miyazaki y Isao Takahata, quienes con la cinta “La Princesa Mononoke” pusieron en el mapa a este tipo de cintas y al estudio mismo.

 

Es así que, afortunadamente la animación tradicional, honesta e inteligente, sigue viva en Asia y Europa, ahí es donde encontramos las mejores muestras contemporáneas de este arte, desde joyas japonesas como El Viaje de Chihiro y El Increíble Castillo Vagabundo (también del estudio Ghibli) hasta una cinta franco-canadiense llamada: Las Trillizas de Belleville, de la cual hablare un poco más.

 

La cinta narra las peripecias que vive Madame Souza y el perro Bruno para rescatar a su nieto ciclista de las garras de un mafioso que lo ha secuestrado para explotar su talento en un negocio de apuestas.

 

Aunque la trama parece ser muy sencilla y no contiene nada espectacular, la narrativa y las situaciones mostradas si lo son, el encanto de la cinta radica en disfrutar los súbitos giros que tiene la historia, y la lógica, sobre todo la ingeniosa manera como se crean y se resuelven los problemas con los que se enfrentan los personajes.

 

Lo primero que destaca en la película es su estilo gráfico. Aunque combina diversas técnicas, desde trazos a lápiz y acuarela hasta animación digital y sofisticados compuestos tridimensionales, logra conservar una apariencia sencilla y amigable, que expresa mucho sin abrumarnos con detalles o malabares técnicos. Y, por supuesto, también es muy graciosa.

 

 

A pesar de contar con mínimos diálogos, la historia es perfectamente clara desde el principio. Su desarrollo, engañosamente simple, muestra auténtica creatividad e ingenio, traduciendo claramente a ideas las sencillas líneas y actitudes de los personajes. Es una de las mejores cintas animadas de los últimos tiempos, es sencilla, entrañable, muy divertida, es el claro ejemplo de que hay más vida en la animación más allá de los pasillos de la Disney.

 

En conclusión, ésta es una película de auténtico arte visual, en la que las imágenes trascienden su apariencia y se transforman en la esencia misma del drama y la comedia que el director francés Sylvain Chomet nos quiere transmitir.

 

Titulo Oiginal: Les Triplettes de Belleville

 

Director: Sylvain Chomet

 

Calificación: 10

 

En 2 Palabras: interesante y graciosa

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HITCHCOCK

Un biopic del maestro del suspenso, con Anthony Hopkins y Helen Mirren al frente del reparto, en  papel este proyecto es carne de premios por todos lados ¿no? Pues no, desgraciadamente esta cinta ha pasado más desapercibida de lo que uno podría imaginarse, pero esto se debe a que  la cinta no es lo que uno podría esperar.

 

Sin duda alguna Alfred Hitchcock es uno de los íconos del cine a nivel mundial, el ritmo que le dio a sus cintas es inigualable, su manejo de la cámara y el suspenso de sus historias son hasta la fecha, de lo mejor que se ha filmado en todo el mundo, en los años cincuenta y sesentas era el referente obligado en cuanto a thrillers se refiere, su estatus de autor y director difícil era indiscutible.

 

Hollywood tardó mucho en hacerle los honores con una película sobre su vida, aunque cabe aclarar que en esta cinta no se habla precisamente de toda su vida, si no más bien de solo una parte de ella, en concreto el tiempo en el que preparó, filmó y estrenó “Psicosis”, una de sus cintas emblemáticas que cambio al cine de terror y que implementó a los asesinos slasher en el cine de serials killers, también fue la cinta que estuvo a punto de arruinar su carrera. Tuvo que financiarla de manera personal, ideó un rodaje rápido y con el equipo de su serie “Alfred Hitchcock Presenta”, Paramount estuvo a punto de no estrenarla, porque se había quedado horrorizada por el contenido y una que otra escena (travestismo y cierta famosa escena en una regadera), y por poco no pasa el corte de los censores de la asociación que calificaba y censuraba las cintas en aquel entonces.

Tras los éxitos de “Vértigo” (1958) y “North by Northwest” (1959), Alfred Hitchcock (Anthony Hopkins) se ha convertido en el director más famoso del mundo. Busca nuevo proyecto, y de repente llega a sus manos una novela de Robert Bloch llamada “Psicosis”, lo demás es historia. La trama se centra en el extraordinario equipo creativo que formó con su leal esposa y colaboradora en la realización cinematográfica, Alma Reville (Helen Mirren) se saca a la luz su fascinante y compleja historia de amor. Y lo hace mientras se filma su más audaz aventura cinematográfica, que se convertiría en la película más controvertida del director y también en la más legendaria. Cuando, contra todo pronóstico, la tormentosa producción llegó a su fin, la forma de hacer cine cambió para siempre, pero solo unos pocos supieron que realmente hicieron falta dos para llevar a cabo el filme.

El relato sin duda es fascinante, la persona de Hitchcock era emblemática y muy misteriosa, por eso es muy interesante ver un poco más allá de la figura regordeta que aparecía fugazmente en sus películas, desgraciadamente no se profundiza como uno quisiera y los aspectos más sórdidos de la personalidad de Alfred quedan retratadas solo por encimita. Me hubiera gustado en lo personal que se hiciera más énfasis en la psicosis que generaba en Hitch sus historias, en especifico los sueños que tenía con Ed Gein (Michael Wincott) siendo este una especie de guía en su filmación, ignoro si esto fue real, pero me hubiera gustado que tuviera más peso en la trama.

Por el contrario de lo que cualquiera pudiera querer ó pensar, la historia se postra en gran manera en la relación del mítico director con su esposa Alma, no niego que es fascinante conocer un poco más de esta increíble relación, pero por momentos la cinta sufre muchos altibajos precisamente por eso, y personalmente pienso que el error es que el fondo es más atractivo que la forma, esto quiere decir que los aspectos legendarios de la filmación de “Psicosis” eran mucho más  impresionantes e interesantes que ver a dos viejos pelear y celarse como jóvenes de 15 años, ojo, no digo que este mal, pero realmente se echan de menos los aspectos más retorcidos de esa filmación y de la psique del director ingles.

Lo que realmente sustenta esta cinta es la actuación de su elenco principal, Hopkins como siempre logra una destacada interpretación, ayudado por el maquillaje, pero en general su actuación es redonda, logra hacernos creer que estamos viendo al verdadero Hitchcock y no a Hannibal Lecter haciéndola de Alfred. Helen Mirren también logra una gran actuación y es el alma de la cinta y de la historia, pues es básicamente el personaje principal, los demás actores; Scarlett Johannson, Jessica Biel, James D´ Arcy, Toni Collete y Danny Huston logran un buen trabajo, sobre todo las mujeres quienes lucen belleza y talento en la piel de las celebres e ilustres actrices que interpretan, D´ Arcy tiene una increíble escena, la de la presentación de Anthony Perkins con Alfred Hitchcock.

Por otro lado la dirección de Sacha Gervasi es otro de sus puntos débiles pues en varias ocasiones el filme parece película directa a televisión, incluso la cinta “The Girl” producida por HBO y con prácticamente el mismo tema, no le debe nada a esta que se supone es una gran producción de Hollywood, y todo esto creo que es culpa del director, pues su puesta en escena es genérica y muy fría, en parte esto se entiende, pues este es su debut en largometraje, antes solo había escrito el guión de “La Terminal” de Steven Spielberg y había dirigido el documental “Anvil: The Story of Anvil”.

En conclusión, es una cinta interesante, con personajes fantásticos, estupendamente interpretados por el elenco principal, sus puntos débiles es la falta de garra y mala leche con la que tal vez se debió haber abordado al personaje de Alfred Hitchcock y la dirección que peca de insípida, pero vale la pena verla, sobre todo para conocer aspectos del mítico director que no se conocían y por ver la alucinante filmación y preparación de esa joya llamada “Psicosis”.

Titulo Original: Hitchcock

Director: Sacha Gervasi

Actores: Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlett Johansson, Toni Collete, Jessica Biel, Danny Huston, James D´ Arcy, Michael Wincott

Calificación: 7.5

En 2 Palabras: Ligera e Interesante

Curiosidades: El canal de paga HBO sacó estas mismas fechas una película sobre Alfred Hitchcock ; « The Girl », en esta ocasión la historia abarca la ralación del director con Tippi Hedren, actriz con la que filmó « Los Pajaros » y « Marnie », al ser las posteriores películas del director después de « Psicosis » esta bien podría pasar por una secuela de « Hitchcock » , a diferencia de esta última, en esta cinta se retrata un Hitch más sicótico, más perverso, pues su obsesión con Hedren esta muy bien retratada, es una estupenda opción para complementar este film, las actuaciones de Toby Jones como Hitchcock y de Sienna Miller como Tippi Hedren también son extraordinarias, busquenla en la red, vale mucho la pena.

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