THE HIRE

En el año 2001 la empresa automotriz BMW decidió cambiar la forma de utilizar la publicidad visual para sus productos. La idea radicó en realizar diversos cortometrajes en los que diferentes líneas de sus autos tuvieran juego primordial dentro de las historias.

 

El proyecto por si solo fue muy original y atractivo, además a esto se le sumó el hecho de que dichos cortos serían realizados por algunos de los directores más importantes y representativos del nuevo milenio, cuando menos en el plano visual (todos los convocados manejan un estilo estético muy propio), y contando con actores igualmente representativos. Directores de la talla de: Ang Lee, John Frankenheimer, Guy Ritchie, John Woo, Joe Carnahan, Tony Scott y Alejandro González Iñarritu, son sólo algunos de los responsables de los cortos, los cuales son todos estelarizados por Clive Owen.

 

Para empezar hay que aclarar el gran impacto que tuvieron estos cortometrajes alrededor del mundo, tan sólo por internet (al principio fueron lanzados sólo por internet, después salió a la venta un dvd con todos los trabajos, al compendio de estos se le denomino: The Hire) se vieron más de diez millones de veces, además fueron presentados en el festival de Cannes Francia, en el año 2002. Lo que habla de la gran aceptación de ésta nueva forma de hacer publicidad, por que no hay que olvidar que además de Clive Owen como protagonista, los automóviles BMW también son los protagonistas principales de las historias.

 

Uno de los trabajos más destacables es el de Alejando González Iñarritu el cual lleva por nombre “Powder Keg” y es más que nada una continuación de su incipiente estilo, mucha cámara en mano, imagen granulada, pobreza y crudeza mostrada en su máxima expresión pero de manera muy artística, en fin, un trabajo digno del Negro González. La historia narra la huida de un reportero de guerra de un pueblo de América Latina (Stellan Skarsgard), el cual huye por que tomó unas fotos comprometedoras, así que contrata a un misterioso chofer (Clive Owen), que en su potente X5 de la BMW, emprende la huida junto con él, durante la escapatoria el reportero le cuenta al chofer aspectos de su vida en los que no estuvo de acuerdo con su actuar, por lo que le pide que si no sobrevive entregue esas fotos al periódico donde trabaja y de esa manera morir por una buena causa.

En este cortometraje de González Iñarritu se imprimen muchos aspectos de los que al Negro le gustan tocar, como ya dije; la pobreza, la crudeza de la realidad humana, las actuaciones viscerales y guiadas por el instinto, así como la nobleza en medio de las situaciones más duras.

 

En general un trabajo bastante artístico como lo que suele hacer este director mexicano, al cual se le puede considerar uno de los más importantes de nuestro país junto con Alfonso Cuaron y Guillermo del Toro, muy en el estilo mostrado en sus respectivas cintas; Amores Perros (2000), 21 Gramos (2002) y Babel (2007) demostrando que es fiel a sus preceptos cinematográficos.

 

El otro cortometraje a destacar es obra de Tony Scott (uno de los directores que más utilizaban las artimañas visuales y que acaba de morir inesperadamente hace poco) lleva por nombre “Beat the Devil” y es muy diferente en todos los aspectos a los demás, para empezar en lo temático y sobre todo en lo visual. Aquí tenemos al chofer misterioso (Clive Owen) trabajando para ni más ni menos que el rey del soul; James Brown, ahora su trabajo radicará en ganarle una carrera al mismísimo diablo (Gary Oldman) a bordo de su Z8 de la BMW, para de esa manera comprarle más fama a Brown y salvar su propia alma.

 

En comparación al de Iñarritu este corto es más light y sobre todo más gracioso, con el clásico estilo visual de Scott, el cual evidenció en cintas como: Enemigo Público (1998), Hombre en Llamas (2004) y Domino (2005) y con una historia hilarante y a la vez alucinante, este también es un gran acierto en la producción de esta publicidad.

 

Además de contar con la siempre magnifica presencia del que para mí es uno de los mejores actores de Hollywood; Gary Oldman, brindando otra de sus actuaciones que raya en la exageración y la vehemencia, por lo que siempre es un placer verlo, como extra la historia es bastante divertida y chistosa.

 

Otro de estos cortometrajes destacables lo realizó un director que tal vez no mucha gente identifique, su nombre: Joe Carnahan, este joven director es el responsable de una de las mejores cintas policíacas de los últimos años junto a Día de Entrenamiento (Antoine Fuqua, 2001). La película es Calles Peligrosas (2003), que cuenta en su reparto al siempre rudo Ray Liotta y a Jasón Patric, ambos como dos policías en declive de la ciudad de Detroit, también realizó The A Team (2010) y la recientemente magnífica The Grey (2012), con el nuevo héroe de acción Liam Nesson. Debido a su estupendo trabajo en Calles Peligrosas es que Carnahan fue convocado a filmar uno de estos cortos, para éste, contó con la participación de Don Cheadle (Swordfish, Hotel Rwanda) y F. Murray Abraham (Amadeus) además del actor principal: Clive Owen, para la trivia esta el hecho de que Ray Liotta aparece en un pequeño cameo como agente gubernamental. En la trama se sigue de forma fragmentada a un misterioso hombre (Don Cheadle) que lleva consigo un aún más misterioso maletín el cual es buscado por unos guerrilleros, es aquí donde el chofer (Clive Owen) entra en acción para rescatar al hombre y llevarlo a su destino sano y a salvo, no sin antes descubrir que es lo que contiene el misterioso maletín.

 

El corto contiene el estilo de Calles Peligrosas, en cuanto a sus encuadres, edición frenética y un poco a su fragmentación, demostrando que Joe Carnahan es un buen artesano de acción, no por nada fue considerado como el posible director de Misión Imposible III (no quedo por diferencias creativas con Tom Cruise), y también del suspenso, ya que la historia fluye de gran manera por la emoción que se plasma al tener que llevar el maletín a tiempo a su destino.

 

Los demás cortometrajes cumplen su función de contar en apenas 10 ó 15 minutos una historia entretenida con un giro inesperado, algunos más, algunos menos, con una manufactura casi perfecta y mucha diversión, solo se podría acusar al dirigido por Guy Ritchie, de ser el menos espectacular y el peorcito del conjunto, pero se le perdona por que fue en su etapa de amorío con Madonna, la cual también es la protagonista del corto.

 

En conclusión, mucha acción, explosiones, persecuciones espectaculares, suspenso, comedia, e inclusive drama con tintes políticos son los ingredientes de los cortos de The Hire, un acierto más de la campaña publicitaria creada por la BMW.

 

 

Titulo Oiginal: The Hire

 

Elenco: Clive Owen, Gary Oldman, James Brown, Stellan Skarsgard, Don Cheadle, Madonna, Ray Liotta

 

Directores: Alejando González Iñarritu, Tony Scott, Joe Carnahan, Ang Lee, John Frankenheimer, Guy Ritchie, John Woo

Calificación: 9

 

En 2 Palabras: creativos e interesantes

Curiosidades: Guy Ritchie estaba casado aún con Maddona cuando hicieron este cortometraje.

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10 BUENAS PELÍCULAS PARA UN HALLOWEEN

Halloween es una fecha especial para los amantes del cine de terror, es la festividad perfecta para ponernos de manteles largos, para sacar el mejor arsenal del género y recomendar ó ver las mejores exponentes del horror, año con año los canales de televisión, videoclubes ó circuitos especialistas de cine, programan este tipo de cintas para nuestro deleite. A continuación daré una lista bastante subjetiva y personal de 10 películas de terror que vale la pena ver este Halloween, como siempre no están todas las que deben, y las que están tal vez no sean las mejores para otras personas, pero como dije, este tipo de listas son muy personales, aún así, creo que de aquí pueden salir buenas recomendaciones.

 

10.- Ringú (Hideo Nakata, 1998) Que más se puede decir de esta cinta de culto japonesa, es ni más ni menos que la precursora del estilo de horror basado en maldiciones, en la que una joven ó niña de pelo largo atormenta a jóvenes y adultos que tienen la desgracia de toparse con su maldición, generó un remake Hollywoodense que estelarizó Naomi Watts y que se llamó: “El Aro”, y es sin duda una cinta espeluznante, con muchas imágenes que quedaron para la posteridad; como la de la joven que sale del televisor, ó el video que genera la maldición, después de esta, siguieron múltiples historias parecidas como: “The Grudge” (con su respectivo remake estalarizado por Sarah Michelle Gellar), “One Missed Call” (también con su respectivo remake en el que incluso sale la mexicana Ana Claudia Talancon) y “Pulse” (también con su respectivo bodrio de remake).

 

9.- It (Tommy Lee Wallace, 1990) No conozco a prácticamente nadie de entre 20 y 30 años que no adore esta película, el payaso Pennywise fue pesadilla recurrente de mí generación y algunas más pequeñas, aún hoy en día sigue haciendo sufrir a grandes y chicos, lo que no muchos saben es que esta es más bien una mini serie y no una película como muchos creen, es por eso de su duración de más de 3 horas, como sea, es una historia que divierte y aterroriza por igual, quienes no temieran a los payasos cambiaron de idea al ver esta cinta, con los años se ha vuelto un clásico de culto y en referencia obligada del género, próximamente sufrirá de un remake.

 

8.- Paranormal Activity (Oren Peli, 2007) Una sorpresa por donde quiera que se le mire, una cinta de bajo presupuesto que encandilo a un gran estudio como lo es Paramount y que encontró su lugar como una de las películas más terroríficas y comentadas de la última década en el género, una lastima la oleada de imitaciones y secuelas que cada vez pierden más el interés, pero esta primera cinta cumple su cometido con creces, es una historia que va de menos a más y que a más de uno le puede sacar un buen susto, su formato de falso documental, ó como se le ha llamado a este estilo; “found fottage”, le da un aire más terrorífico.

 

7.- The Shining (Stanley Kubrick, 1980) Otro clásico, no solo del género, si no del cine en general, dirigida por uno de los grandes maestros de la dirección; Stanley Kubrick, y con la magnética actuación de Jack Nicholson en uno de los papeles de su vida, imágenes como la de las gemelas en el pasillo, ó la anciana de la bañera, han producido pesadillas durante décadas, el ritmo pausado y claustrofóbico es otro de los alicientes de este gran film, su final ambiguo es otro de sus puntos a favor, próximamente saldrá un documental titulado: “Room 237”, que habla sobre la trascendencia y grandeza de esta película.

 

6. - Trick´r Treat (Michael Dougherty, 2007) Sin duda, una de las mejores opciones para este Halloween, una cinta coral donde varias historias convergen en un mismo pueblo el día de Halloween, aderezada con un poco de humor negro y con una buena dosis de terror y Gore, en lo personal; es una cinta de culto, que con los años debería convertirse en referente obligado de esta fecha, es muy divertida y amena, además de que tiene una atmosfera oscura e inquietante que le da muchos puntos, aunque es un poco desconocida, vale muchísimo la pena buscarla.

 

5.- Poltergeist (Tobe Hopper, 1982) Una producción del rey midas de Hollywood; Steven Spielberg, como es su costumbre, representó un enorme éxito de taquilla, y es otro clásico del género, revivió el mito de las casas embrujadas y le dio un sorprendente giro con los estupendos efectos visuales que aún hoy no se ven nada mal, la historia de una familia que llega a una nueva casa y ahí encuentra fantasmas no es nada original, pero en esta ocasión la energía de la dirección de Tobe Hopper (quien dirigió también otro clásico del género como lo es “La Masacre de Texas) y las actuaciones, la hicieron diferente, eso, y el hecho de que como comenté, los efectos visuales fueron y siguen siendo de primera, a su alrededor han existido múltiples leyendas sobre la maldición que cayó sobre muchos de los involucrados en el rodaje, esto la ha hecho acreedora de un lugar muy especial en el cine de terror.

 

4.- The Changeling (Peter Medak, 1980) Una película canadiense, aunque muchos crean que es gringa, otra más sobre una casa embrujada, pero diferente en tono y forma a “Poltergeist”; esta es más seria, más pausada, pero un poco más tétrica, quienes no la hayan visto deben correr a buscarla, pues su aspecto ochenteno y el diseño de arte la hacen realmente espeluznante, todos los espacios mostrados en la película generan un mal rollo que se comparte con ciertos objetos que siempre han sido asociados con el terror (como una vieja mecedora), sin duda una gran opción para pasar un rato con buenos sustos e ideal para estas fechas.

 

3. - A Nightmare on Elm Street (Wes Craven, 1984) El personaje de Freddy Krueger es uno de los más conocidos por el público en general y en todo el mundo, en su primera incursión en pantalla aterrorizó a toda una generación y otras venideras, el psicópata de la cara quemada y suéter de rayas ha sido pesadilla recurrente de niños y adultos durante muchísimos años, posicionó a su director como uno de los grandes maestros del género y engendro 7 secuelas que fueron decayendo en calidad, pero que aún así se guardan en la mente de los aficionados con cariño, como buen cine de terror queda esta primera parte y si la ves en la noche y solo, créanme que sigue siendo efectiva.

 

2. – The Exorcist (William Friedkin, 1973) Una película impactante en la época de su estreno y que aún hoy en día sigue manteniendo ese impacto y fuerza que fue escándalo en los setentas, no conozco a casi nadie que no haya pasado un mal rato viéndola, sobre todo su última media hora, aunque hay quienes puedan acusarla de lenta, no se puede negar que llegado el momento del miedo no hay cinta más efectiva y terrorífica, sobre todo por su tratamiento serio y real que se le da al tema de los exorcismos, muchísimas veces imitada, pero jamás igualada, este es un film que no sólo representa un gran clásico del género, si no que también representa un ejemplo de cómo debe ser una buena historia de horror, de imágenes para la posteridad podría hablar de más de 10, pero me quedo con la llegada del padre Merrin a la casa, la violación con el crucifijo y el final de la posesión.

 

1. – Halloween (John Carpenter, 1978) Es casi obvio que esta fuera el primer lugar de mí lista, pero quitando el hecho de que es la referencia obligada en estas fechas, no hay duda de que es una obra maestra del género, filmada con muy poco presupuesto, muy pocas locaciones, y la mayoría de los actores desconocidos (en aquella época Jamie Lee Curtis era desconocida y solo Donald Pleasense gozaba de cierto renombre) es impresionante el ritmo y la tensión que tiene la historia, sus primeros 5 minutos son un ejemplo para las escuelas de cine de cómo usar la cámara subjetiva y como crear verdadera tensión desde los primeros minutos de una cinta, la música y los encuadres ayudan a crear un ambiente tétrico pocas veces conseguido en el cine actual, el asesino también se convirtió en todo un ícono; Michael Myers, y comparte podium con Jason Vorhees, Freddy Krueger y Letaherface, como los mejores asesinos slasher del cine, si la ven a las 12 de la noche, a oscuras y solos, la pura música los hará sentir bastante incómodos, créanme.

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TED

Cada año existen películas que adquieren la distinción de ser: “el sleeper del verano”, estas son cintas de las que no se esperaba un desmesurado éxito comercial ni de crítica, en pocas palabras, un “sleeper del verano” es un éxito inesperado se le vea por donde se le vea, por nombrar algunos sleepers del verano recientes ahí están; “The Hangover” y “Bridesmaids”, ambas comedias, y ambas con un tono adulto y políticamente incorrecto, lo que nos deja ver muy claramente que este tipo de proyectos están en auge, y para otra muestra, ahí esta el nuevo sleeper de este año; “Ted”.

 

El director y guionista Seth Macfarlane ha creado algunas de las caricaturas más representativas del nuevo milenio, si en el pasado Matt Groenning hizo de la animación para adultos un negocio lucrativo, rentable y muy recomendable con “Los Simpsons”; Macfarlane continuo la misión con sus programas “Family Guy”, “American Dad” y “The Cleveland Show”, aunque su humor es mucho más corrosivo, ácido y vulgar que el de la conocida familia amarilla de Springfield, sin duda ha encontrado una gran legión de seguidores en todo el mundo y ha establecido las caricaturas para adultos como series competitivas en el mercado global.

 

Es por eso que no extraña que Macfarlane haya pisado el séptimo arte este año, pues ha demostrado con creces que su humor funciona y gusta en la mayoría de los adultos y en algunos no tan adultos también, tal vez lo lógico sería pensar que su incursión en el cine fuera con alguna versión para pantalla grande de su show más exitoso y al que le debe prácticamente todo; “Family Guy”, pero al contrario de lo que podría pensarse; su debut ocurre con una historia original, con actores de carne y hueso, pero eso si, con un personaje animado (o hecho a computadora más bien), su humor escatológico, transgresor, un tanto vulgar y políticamente incorrecto, pero espérense, también incluye una trama entrañable sobre la amistad, el amor y sobre todo; madurar.

 

 

El argumento de “Ted” es muy particular, ya que nos relata la historia de John Bennett (Mark Wahlberg), quien, cuando era niño, quería que su osito de peluche se volviera real por que no tenía amigos. El caso es que por algún tipo de magia ó milagro eso fue lo que sucedió y, veintisiete años después, esa magia ya parece haberse agotado y pasado de moda. Ted se resiste a abandonar a John y saca de quicio a Lori (Mila Kunis), la novia de John, que empieza a perder la paciencia. Para colmo, el hecho de que a John no parezca preocuparle su futuro profesional y se pase la vida fumando marihuana con Ted tampoco sirve para calmar a Lori. Mientras tanto, John intenta encontrar la mejor manera de hacer frente a eso que llaman “edad adulta” y necesitará la ayuda de su juguete de infancia para dar el salto de hombre-niño a hombre.

 

El tipo de comedia de Seth Macfarlane puede no gustar a los más conservadores, pero a pesar de contener algunos momentos realmente groseros y vulgares, el fondo de la historia lo disculpa casi por completo, a diferencia de las series mencionadas del creador, en esta ocasión dota a su trama con momentos para la reflexión. Quienes hayan visto sus shows sabrán que la repetición, los flashbacks, el homenaje ó desmitificación de figuras del cine ó de la cultura pop son el sello de la casa, todo esto esta presente en menor ó mayor medida, para los fans de Macfarlane se agradece por completo, para lo nuevos en su estilo pueden encontrar un innovador tipo de humor basado en romper las reglas y lo correcto.

 

Una de las cosas que más me impresionaron fue el esmero narrativo de su guionista-director y la calidez que la trama desarrolla durante sus casi dos horas de duración, todo esto mantiene la forma y la gracia durante todo el metraje, por lo general, una película de este tipo no aguanta más de tres ó cuatro chistes continuos, pues la formula se agota rápidamente, para un ejemplo claro de cine adulto basándose en personajes inmaduros que se niegan a crecer, ahí esta una de las últimas aberraciones de Adam Sandler; “Son Como Niños”, en la que después de algunos chistes de slapstick con los actores principales lo demás se vuelve francamente insoportable.

 

Uno de mis principales temores con esta cinta era que el chiste del oso de peluche (que tradicionalmente es una figura tierna e infantil) patán, irresponsable y drogadicto, pasará rápido, pero como he dicho, su guionista nos tiene más sorpresas y nos trae una Buddy Movie al uso (película en la que sus principales protagonistas son dos hombres, la relación entre ellos es parte central de la película, ejemplos: “Arma Mortal”, “Bad Boys”) en la que la química de Mark Whalberg con el oso (en este caso la voz del mismo Seth Macfarlane) trasciende más allá de lo que uno puede pensar, además de que Mila Kunis se adhiere de maravilla al dúo protagonista, y como plus están los increíbles cameos de Norah Jones y de Sam Jones (el mismísimo Flash Gordon).

 

Otro factor a destacar es la estupenda integración del oso de peluche con entornos reales, destacando los efectos visuales, los cuales se pueden apreciar por completo con la hilarante pelea de Ted contra Mark Whalberg en una habitación de hotel.

 

En conclusión, es casi sin lugar a dudas la comedia del año, un éxito inesperado, que divierte desde su primer minuto hasta sus créditos, sus más de 300 millones de dólares ingresados en taquilla son más que merecidos, ahora bien, es una película para adolescentes y adultos, y los padres no deberían de engañarse con el tierno oso, pues se llevaran una desagradable sorpresa con los malos hábitos del buen Ted.

 

Titulo Oiginal: Ted

 

Director: Seth Macfarlane

 

Actores: Mark Whalberg, Mila Kunis, Seth Macfarlane, Giovanni Ribisi

 

Calificación: 8.5

 

En 2 Palabras: graciosa y entrañable

 

Curiosidades: Mila Kunis es la voz de Meg Griffin en la serie de "Family Guy" del mismo Seth Macfarlane.

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10 PELÍCULAS DESCONOCIDAS QUE HAY QUE VER

Muchas veces vamos al videoclub más cercano y nos encontramos con títulos de películas que no conocemos, por lo general si no estuvo en cine y gozó de éxito de taquilla suelen ser desdeñadas este tipo de cintas, pues en el cine, al igual que en otros ámbitos de la vida, las cosas no son siempre justas, hay muchísimos proyectos que por falta de dinero ó de visión de los exhibidores de los cines no gozan de una buena corrida comercial en la taquilla ó ni siquiera de una oportunidad de estrenarse en las salas, hoy hago una lista de algunas de estas; historias que merecen una oportunidad, que merecen ser vistas igual ó más que algunos de los más sonados éxitos de los últimos tiempos, que por calidad, buena historia y buenas actuaciones no paran, como entre los conocedores se les conoce; una lista de películas a reivindicar.

1.- Mr. Nobody (Jaco Van Dormael, 2009) Esta cinta franco canadiense es un deleite visual, muy en el estilo de “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” de Michel Gondry y en cierta manera a “Inception” de Christopher Nolan, con la actuación de Jared Leto, es una película que merece la pena verse, sobre todo si gustan del cine alternativo y sesudo, pues su trama es un poco complicada; salta en el tiempo y juega con la mente del espectador, es de ese tipo de historias de rompecabezas donde la inteligencia juega un papel importante. ¿De que Trata?: Nemo es un viejo que recuerda su vida mientras espera su muerte en un distante futuro, las decisiones de su vida adquieren trascendencia especial mientras recuerda los mejores ó peores momentos de su vida.

2.- I Saw The Devil (Kim Jee-woon, 2010) Una película coreana, otra muestra de que el cine asiático sigue siendo de lo más representativo en todo el mundo, en México el cine asiático pocas veces es estrenado en cines y no puede ser más injusto, pues de ahí vienen algunas de las mejores joyas del cine extremo mundial como; “Oldboy” y “Simpathy for Lady Vengeance, ambas de Park Chan-wook ó “Audition” y “Ichi The Killer”, ambas de Takashi Miike, una de las mejores cintas de hace dos años que por su violencia visual y sobre todo psicológica, ha adquirido cierto éxito por todo el mundo en circuitos underground. ¿De que Trata?: La historia sigue a un policía y a un asesino en serie, ambos enfrascados en una cacería descarnada y violenta donde el bueno se vuelve malo y el malo se vuelve más malo, cabe aclarar que es una historia para estómagos fuertes, pero eso no le quita su gran valía.

3.- Nothing But the Truth (Rod Lurie, 2008) Un Thriller político, que entre otras cosas nos entrega la mejor actuación de Kate Beckinsale en lo que va de su carrera y otra gran interpretación de Alan Alda y Matt Dillon, una cinta que si la ven con detenimiento entenderán por que fue tan boicoteada y tropezada en los Estados Unidos, y es que cuenta un episodio bochornoso para este país en su constante guerra de poder y su hipócrita sistema de libertad de expresión. ¿De que Trata?: Es la historia real de la reportera Rachel Armstrong, quien divulgo una noticia sacada de lo más profundo de la CIA, y al recibir una serie de ataques del gobierno y enfrentar una demanda por no divulgar su fuente recibió la cárcel.

4.- The Hills Run Red (Dave Parker, 2009) De las películas que más llegan directas a DVD sin duda son las de terror, es imposible negar que la mayoría de esas cintas son de baja calidad y no ofrecen nada nuevo, esta en particular mantiene un ángulo un poco más fresco y ofrece genuino cariño por el género, con algunos buenos gags, un poco de buen Gore y un homenaje claro al cine ochentero de terror del tipo de “The Hills Have Eyes” de Wes Craven y “The Texas Chainsaw Masacre” de Tobe Hopper. ¿De que Trata?: Un joven cineasta, su novia y su mejor amigo se embarcan en la misión de realizar un documental sobre una mítica cinta de terror que jamás se pudo estrenar por su aparente violencia; “The Hills Run Red”, su investigación los lleva a los bosques donde el crew de la cinta original desapareció y donde si no corren con suerte ellos también lo harán.

5.- The Tournament (Scott Mann, 2009) No entiendo por que esta cinta de acción no gozo de más repercusión, de entrada es mejor que muchas de las películas de acción que año con año llegan y saturan las salas de los complejos cinematográficos, es una historia llena de energía, dirigida con buena mano, actuada de manera decente y sobre todo, entretenida de principio a fin, como aliciente extra tenemos muertes bastante originales y violentas que harán las delicias de los amantes del Gore. ¿De que Trata?: Cada 5 años se realiza un evento que reúne a los 30 mejores asesinos de todo el mundo, en un torneo de todos contra todos y una ciudad europea como cancha de juego, el ganador se lleva diez millones de dólares y el perdedor la muerte.

6.- Balada Triste de Trompeta (Alex de la Iglesia, 2010) La ganadora del festival de Venecia en el 2010 es una cinta bizarra y extraña, en la mejor tradición de su director español; Alex de la Iglesia, pero también es una historia que desborda carisma; al igual te hace reír, que al igual te pone la piel de gallina con escenas violentas y con mal rollo, es una cinta que ó amas u odias, pero jamás te deja indiferente, por algo Quentin Tarantino la premió en el citado festival de Venecia hace casi dos años. ¿De que Trata?: Dos payasos de un circo en franca decadencia, comienzan una disparatada competencia por el amor de la trapecista del mismo, desatando una ola de crímenes y llevándolos al borde de la locura y la paranoia, todo por el amor de una mujer.

7.- Moon (Duncan Jones, 2009) Otra inusitada injusticia, esta fue una de las películas más originales del 2009, enmarcada por la que para muchos críticos del mundo fue la mejor actuación masculina de ese año, brindada por Sam Rockwell, protagonista absoluto y único, además represento el debut del hijo de David Bowie tras las cámaras, revelándolo como un director de ciencia ficción a seguir muy de cerca, una cinta de la que es bien sabido que sus problemas de presupuesto fueron las principales causas del poco apoyo en taquilla que tuvo y de la poca campaña que se le hizo para los principales premios del 2010. ¿De que Trata?: Historia donde solo vemos a un solo personaje volverse loco en una estación espacial en la luna, y aunque parezca aburrido, es más interesante de lo que parece, pues la trama guarda una sorpresa que se devela a la mitad, pero sin duda le da otro enfoque y otro rumbo.

8.- Tucker and Dale vs Evil (Eli Craig, 2009) Una comedia atípica, en la que su mayor chiste radica en burlarse de los clichés del cine de horror, aderezada con varias escenas gores muy inesperadas, inexplicablemente esta cinta estuvo enlatada durante dos años y hasta hace poco salio en DVD, es inexplicable por que incluso es una película que ha ganado reconocimientos en festivales de cine independiente y de terror, es la historia ideal para verse en compañía de los amigos y unas cervezas. ¿De que Trata?: Los ingenuos montañeses Tucker y Dale compran una destartalada cabaña en un bosque y deciden pasar ahí un fin de semana, a la par un grupo de estudiantes se disponen a hacer lo mismo en otro extremo del bosque, cuando estos dos se cruzan ocurren incontrolables malentendidos, pues los estudiantes confunden a los dos amables montañeses con asesinos seriales, los típicos de las cintas de terror.

9.- Atack the Block (Joe Cornish, 2011) La gran sorpresa de los festivales fantásticos del año pasado fue esta, una cinta inglesa que derrocha energía y originalidad por todos lados, entretenida, con un poco de mala leche, resoluciones inesperadas y un protagónico que impone y se queda en la memoria, además los extraterrestres representan un nuevo tipo de amenaza, comedia, acción, suspenso y hasta un poco de terror se conjugan en esta estupenda película. ¿De que Trata?: Un grupo de delincuentes juveniles que viven en un conjunto de departamentos en Inglaterra son sorprendidos cuando una extraña especie alienígena irrumpe en su barrio, estos ladronzuelos se convierten automáticamente en la primera y última línea de defensa en lo que parece una avanzada de invasión por los extraterrestres.

10.- Doomsday (Neil Marshall, 2008) El gran homenaje al cine de acción de John Carpeneter esta representado en esta película, del mismo director de la igual estupenda; “El Descenso”, y al igual que en esta última; la sangre, el ritmo vertiginoso y una historia sin concesiones son lo que nos ofrece, esta es una de esas cintas que no ofrece respiro de principio a fin, ágil, divertida y llena de acción, ideal para los fans del cine B. ¿De que Trata?: En un futuro no muy lejano un virus se esparce por Los Ángeles, la ciudad es evacuada de inmediato y solo dejan ahí a los delincuentes y a los vagabundos, años después mandan a la ruda Eden Sinlcair ha investigar si ya es habitable el lugar, solo que adentro ella encontrará más resistencia de parte de la gente que se quedo, de la que todos se imaginaban.

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THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS

Hay pocos directores que defienden su estilo ante la maquinaria de Hollywood; Terry Gilliam es uno de ellos, revisando su filmografía tiene proyectos muy personales, y hasta sus tres obras más comerciales llevan su sello, estas son: “The Fisher King” (1991), “Twelve Monkeys” (1996) y “The Brothers Grimm” (2003), por lo general Gilliam dota a sus películas de una fuerte carga visual, de escenas bizarras, de tramas complicadas, con mucho aire onírico por todos lados, hay quienes lo aman y hay quienes lo odian, sin duda, sus cintas no son para todos los gustos, en su nuevo proyecto, todo lo anterior esta presente; habrá quienes sigan su juego y la consideren maravillosa, como yo, y hay quienes la encontrarán aburrida y sin sentido.

Además de tener a un verdadero autor detrás de las cámaras “The Imaginarium of Dr Parnassus” tiene la última actuación de Heath Ledger, como muchos saben, “The Dark Knight” (Christopher Nolan, 2008) no fue la última participación del talentoso actor, fue la última que termino por completo, pero en realidad, murió mientras filmaba esta, al dejarla inconclusa, dejó a la producción ante un gran dilema, pero la verdad, es que lo resolvieron de maravilla, es más, la forma en que se resuelven las escenas que no filmo Ledger, quedan como anillo al dedo; al ser parte de alucinaciones, es sustituido por Johnny Deep, Jude Law y Collin Farrell y esto le da un toque más jocoso, además de que representa un homenaje al finado actor.

El Doctor Parnassus (Christopher Plummer) es un enigmático anciano que viaja a bordo de un desvencijado carruaje-escenario por los peores barrios del Londres contemporáneo, exhibiendo un curioso acto de magia con ayuda de su hija Valentina (Lily Cole), su asistente Anton (Andrew Garfield) y Percy (Verne Troyer). El acto consiste en mostrar a los clientes un mundo fantástico creado por su propia imaginación, lo cual aparentemente ofrece la iluminación espiritual que necesita el individuo. A la par vemos el pacto que hizo muchos años atrás con Mr. Nick (Tom Waits), quien le confirió vida eterna a cambio del alma de su hija. Pero tras siglos de soledad y desilusiones, Parnassus desea romper el trato y conservar a Valentina, lo cual podría lograr con ayuda de un hombre llamado Tony (Heath Ledger), a quien rescatan de la muerte.

Hay que aclarar que esta no es una película convencional, es más bien una especie de sueño que se convierte en pesadilla, y como todo sueño, carece de lógica y coherencia, pero dentro de la bizarres del proyecto, se puede seguir un hilo conductor, además de que esta adornada con escenas bellas y visualmente impresionantes, sus efectos especiales son de todo tipo de calidad, algunos muy buenos, algunos se notan mucho, pero todos funcionan, buenos o malos sirven por igual, por que la historia se presta para tener escenarios acartonados y para que el green screen se note, es el tipo de historia que es mejor evaluarla con el corazón y con las vísceras, que con la mente y el intelecto.

Al principio cuesta un poco de trabajo adentrarse en la locura del relato, además de que debo admitir, que es una cinta que se disfrutaría más con algún tipo de sustancia ilegal, ya que es todo un viaje alucinante, pero pasada la primera hora de metraje, todas las piezas embonan y es el punto en el que si estas compenetrado y has seguido el juego del director, no podrás más que gozar las imágenes y las aventuras que el proyecto ofrece.

Como dije, si alguien tiene un estilo propio e inconfundible ese es Terry Gilliam, sus cintas más celebradas como “Brazil” (1986) y “Fear and Loathing in las Vegas” (1997), son ejemplos claros del estilo barroco del director, sin duda, es de los directores con más imaginación y con menos miedo de mostrarla, al igual que su colega David Lynch, pertenece al cerrado grupo de “autores” oníricos, que lo mismo pueden hacer una cinta digerible, que una incomprensible de pies a cabeza, en esta ocasión se siente un poco más contenido, pero aún así toda su imaginación y su locura están presentes, vuelvo a aclarar, no es una cinta para todos los gustos, quienes vayan a verla por ver a Heath Ledger y no tengan idea del viaje al que entrarán, mejor absténganse, he escuchado malos comentarios sobre ella, y creo que están orillados por el simple hecho de que no es la típica cinta que cuenta el; A más B más C es igual a E.

Muchos querrán pensar que el último papel de Ledger fue el celebrado Joker, pero en realidad es este, y no desmerece para nada, acepto que es más memorable el del enigmático villano, pero aquí también da una muestra del inmenso talento que tenía y que sin duda demostró más en sus últimos proyectos, de haber seguido vivo, no dudo que hubiera tenido muchísimos más reconocimientos, sus demás compañeros de reparto son igual de efectivos; Christopher Plummer es un veterano actor muy confiable y que sabe entregarle la dualidad a su personaje, Lily Cole con su rara belleza es el objeto de la discordia, Verne Troyer (el famoso mini-me de Austin Powers) no desentona, al igual que Andrew Garfield, Tom Waits como el diablo, es inmejorable, en verdad que ese señor nació para hacer ese papel (de hecho, no es la primera vez que lo hace), los repuestos de Heath Ledger; Johnny Deep, Jude Law y Collin Farrell, entregan pequeñas pero concisas actuaciones, ninguno destaca en particular, pero es agradable y divertido verlos en pantalla.

En conclusión, esta película representa un viaje a un lugar recóndito de la imaginación de uno de los últimos directores valientes que existen hoy en día, es parte de la herencia fílmica de un gran actor como lo fue Heath Ledger, y además es una divertida aventura, diferente a cualquier otra cosa, pero entretenida y visualmente mágica, es extremosa, pues la amaran o la odiaran.

Calificación: 8.5

En Dos Palabras: Alucinante y Mágica

Curiosidades: Terry Gilliam ha sufrido varias tragedias en sus últimos proyectos, además de la muerte de Ledger en este, antes enfrento una de las filmaciones más caóticas y difíciles de las que jamás se haya tenido registro, su película del quijote jamás vio la luz, por el contrario, solo se vio el excelente documental de “Lost in La Mancha” que presenta todo lo sufrido que fue el proyecto y el por qué de su cancelación.

 

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SHUTTER ISLAND

No entiendo a algunos críticos del mundo que acusan a Martin Scorsese de haber perdido “el toque” en sus últimas películas, entiendo que no ha vuelto a igualar la excelencia que tuvo con “Taxi Driver” (1976), “Raging Bull” (1980) y particularmente; “Goodfellas” (1990), pero vamos, que aún la peor cinta de Scorsese es mejor que las de muchos otros directores, además su talento ha quedado claro en recientes proyectos como: “The Aviator” (2004) ó “The Departed” (2006), ahora presenta; “Shutter Island” y aunque es su debut en terrenos que no son los suyos, en particular el suspenso psicológico, claro que se ve el atisbo de un genio que perdura y que sigue en plena forma. Scorsese maneja la cámara como Lionel Messi maneja el balón, ósea, lo hace mejor que nadie en el mundo, además que su dirección de actores siempre es impecable, y es que no recuerdo a alguien que desentone en algún proyecto del genio neoyorquino, en su nueva locura (y vaya que hay locura) rescata un género un tanto olvidado y rinde homenaje a grandes como: Alfred Hitchcock, John Huston y Otto Preminger.

El guión de “Shutter Island” esta basado en la novela del mismo nombre del escritor Dennis Lehane, quien ha escrito las novelas de “Mystic River” (Clint Eastwood, 2003) y de “Gone Baby Gone” (Ben Afleck, 2007), además de ser escritor de la serie de HBO; “The Wire”, y también es su debut en los terrenos del suspenso psicológico, pues sus novelas anteriores eran más bien historias policíacas, y aunque aquí también hay policías, el suspenso viene por el lado de la mente, quienes han leído la novela aseguran que es más complicada y rebuscada que la cinta misma, pero que además da más detalles sobre el misterio principal, como sea, es una gran historia, interesante, rebuscada y llena de interpretaciones.

Es 1954, en plena Guerra Fría. Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio), un alguacil de Estados Unidos de América y Chuck Aule (Mark Ruffalo), su compañero de investigaciones, son llamados a Shutter Island para investigar la inverosímil desaparición de una astuta asesina en serie de una celda bajo llave dentro del impenetrable Hospital Ashecliffe. Rodeado de sagaces psiquiatras y peligrosos pacientes psicóticos en la remota isla azotada por lluvias y vientos huracanados, ellos penetran en una atmósfera espeluznante y volátil que sugiere que nada es lo que parece ser.

Este es el tipo de película que requiere de toda la atención del público, por que desde sus primeros minutos se nos presentan pistas que llevaran a entender ó no entender del todo el misterio, y aunque a simple vista pudiera interpretarse de una manera muy simple y obvia, yo soy de los que cree que hay más allá de lo que se muestra por encima, aquí la maestría de Scorsese entra de lleno, su dirección nos lleva por los infiernos de la mente, nos lleva a descender por una espiral de locura que una vez iniciada, no tiene como detenerse, nos deja una total incertidumbre entre la barrera de lo real y lo ficticio, haciéndonos dudar de todo lo que vemos, pocas veces se nos ha hecho compenetrar tanto en la mente de los psicóticos, y en gran parte, esto se debe al inmenso Leonardo Di Caprio.

No hay duda de que Leonardo Di Caprio es el nuevo actor fetiche de Martin, como en los setentas, ochentas y noventas lo fue Robert de Niro, al principio no me gustaba esta alianza, pero la verdad el pasar de los años y los proyectos me ha hecho quitarme el sombrero, Di Caprio paso de ser el niño bonito de Hollywood, a ser uno de los mejores actores jóvenes de carácter, y en este nuevo proyecto con Scorsese lo demuestra más que nunca. Yo creo que Martin Scorsese es uno de los culpables (para bien) del enorme crecimiento actoral de Leonardo, lo ha ayudado a pulir su técnica actoral y no dudo que lo ha guiado y aconsejado en su carrera.

El plano actoral en esta cinta, es perfecto, ¡perfecto!, no encuentro más palabras de elogio ante semejante elenco y actuaciones. Empezando por Di Caprio, que como ya dije, se come la pantalla mientras avanza la trama, Mark Ruffalo es sutil pero muy preciso como el compañero del protagonista, Ben Kingsley nos brinda otra gran actuación que borda entre la amenaza y el misterio, Max Von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas y Patricia Clarkson son impresionantes en sus pequeñas actuaciones, por que a pesar de que tengan pocos minutos en pantalla son aprovechados al máximo, demostrando que no hay papeles pequeños, si no actores pequeños solamente, mención aparte para Michelle Williams, que tiene el papel de la esposa que ve en alucinaciones el personaje principal, su fragilidad se mezcla con amenaza y da también una gran actuación.

Los apartados técnicos de la cinta son también exquisitos; la fotografía corre a cargo de Robert Richardson, que hace poco fue el fotógrafo de Tarantino en “Inglourious Basterds” (2009), y que hoy por hoy es de los mejores cinematógrafos del mundo, el diseño de producción es del siempre colaborador de Scorsese; Dante Ferreti, que hace un trabajo inmenso al crear la isla-cárcel-hospital psiquiátrico, por que esta termina por convertirse en un personaje más, y la música, a pesar de no ser original, le da un toque más lúgubre a la trama.

En conclusión, estamos ante la mejor cinta que he visto este año, es un thriller psicológico casi perfecto, con actuaciones soberbias y sus apartados técnicos maravillosos, la dirección de Scorsese mostrándonos lo que es hacer cine, y en el plano del entramado, estamos ante una de las historias que más me han puesto a pensar durante y después de su proyección, por que como dije, tiene varias interpretaciones, varias vertientes por donde verla, y ambas son magnificas; una película para gente pensante y que no quiere todo explicado con manzanitas, por que el que me diga que le entendió inmediatamente, estará muy equivocado, ya que hay pruebas de una u otra teoría sobre la verdad del misterio.

Calificación: 10

En Dos Palabras: Intrigante y Compleja

Curiosidades: Iba a estrenarse en octubre del año pasado para entrar en las ternas de los oscares de este año, pero la productora Paramount Pictures decidió aplazar el estreno hasta marzo del 2010, para que no le hiciera tanta competencia a “The Lovely Bones”, nuevo proyecto de Peter Jackson(“El Señor de los Anillos”) y cinta a la que el estudio le apostaba todo, junto a “Up in the Air”, al final, solo “Up in the Air” logro colarse y “The Lovely Bones” fue un estruendoso fracaso comercial y de crítica.

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WHERE THE WILD THINGS ARE

Cuando fui a ver “Watchmen” (Zack Snyder, 2009) me toco estar sentado a lado de una familia; iban el padre, la madre y dos niños de entre 7 y 11 años, no me explico como entraron, pues era clasificada para adultos, bueno si me lo explico, en los cines actuales ni cuenta se dan quienes entran en las salas, así que las clasificaciones ya salen sobrando, el asunto es que no tardaron más que una hora o poquito más, de las dos y media que dura la cinta, para salirse renegando de la sala, que por que era una porquería, que no era de súper héroes, etc. El problema no fue que fuera mala la película, por que no lo es, a mí en lo personal me gusto bastante, el problema es que esa familia se metió a verla sin saber de que era o de que trataba, si sabías más o menos los antecedentes de “Watchmen” sabías que no era una típica historia de súper héroes, sabías que tiene un ritmo pausado, que hay sexo, que hay violencia, que es más bien una investigación y no héroes peleando.

Lo de “Watchmen” viene al caso por que últimamente hay un fenómeno que afecta a los espectadores; las productoras venden películas que no son, los trailers y la promoción de muchas cintas no van de acuerdo a los temas o a los tonos de las historias que se cuentan, es entonces cuando la gente va esperando ver algo que la película en cuestión no es (caso “Watchmen” con esa familia) es por eso que yo recomiendo siempre leer un poco antes de ver una cinta, o cuando menos saber quien dirige, así más o menos se puede uno dar una idea de cómo será la historia. Y es que ese caso se puede aplicar totalmente a la nueva locura de Spike Jonze (director de la mágnifica “Adaptation”, de la que acabo de escribir también) “Where the Wild Things Are”, pues la venden y pareciera que es una historia infantil, pero no por estar protagonizada por un niño y por contar con muñecos gigantes como personajes significa que sea para niños, aquí esta la prueba.

Max (Max Records) es un niño travieso y sensible que siente que nadie lo comprende en su casa, por ello escapa y llega a una isla en donde encuentra criaturas extrañas y misteriosas, cuyas emociones y acciones son salvajes e impredecibles. Las criaturas salvajes desean un líder que los guíe, así que Max es coronado rey, y promete crear un lugar en el que todo el mundo sea feliz. Pero pronto se dará cuenta que reinar no es tan fácil, y sus relaciones allí son mucho más complicadas de lo que jamás hubiera imaginado. Aunque pareciera ser una historia para niños, no lo es, es más bien una mirada a la infancia desde una perspectiva adulta, complicada y muy psicológica.

Basada en un cuento muy famoso escrito por Maurice Sendak, es una especie de crónica sobre la depresión infantil, desde el primer fotograma vemos al niño destruir y hacer un berrinche salvaje, tiene una actitud salvaje e impredecible, y la tiene por que esta deprimido, por que no encaja en el mundo, su forma de tratar de encajar de tratar de salir de ese bache existencial es refugiarse en su imaginación, es por eso que va a parar a un mundo con criaturas igual de salvajes que él, en especial Carol (voz del mismismo Tony Soprano; James Gandolfini, quien por cierto esta inmenso en esta caracterización, aunque solo sea su voz, se siente fuertemente su imponente presencia) cuyo comportamiento se parece mucho al del niño, pues ambos tienen la misma frustración, actúan con la misma violencia, es por eso que el choque entre Max y Carol será fundamental para la historia.

El problema de la cinta es que hay varios hoyos argumentales, por largos momentos no pasa nada en la historia, las relaciones no prosperan y todo son imágenes un tanto inconexas entre si, quisiera pensar como algunos críticos que argumentaron que este caos de guión es de adrede, pues de esta manera se ejemplifica mejor el caos psicológico del personaje principal, pero yo no pienso así, creo que el guión tiene problemas y la película se sale un poco de balance más por defecto que por virtud, el tema es muy complejo y creo que no esta del todo desarrollado, aún así el intento es bastante loable y tiene sus meritos.

Es el tipo de película difícil de clasificar, no es infantil, no es drama, no es suspenso, no es comedia, pero tiene un poco de todo, es compleja eso si, pero no podría ponerla dentro de un género, sus ideas son complicadas y difíciles, el mensaje de la historia es claro para niños y para adultos, pero para llegar a él hay que pasar por un camino abstracto y bizarro, muy bizarro. Como dije al principio, si uno conoce al director, sabrá de que ira la historia, sin ahondar mucho, solo diré que Spike Jonze es el responsable, además de la magnifica “Adaptation” de “Being John Malkovich” y para los que vieron ambas cintas, o solo una, podrán darse cuenta de que si algo tiene este director es un gusto por las historias complejas, así que es lo mínimo que podemos encontrar en su nuevo proyecto, complejidad y bizarres.

Las actuaciones son muy buenas, además de que el niño Max Records esta perfecto, el elenco de voces es soberbio, y cada actor supo darle una identidad propia a los muñecos, desde el gran James Gandolfini, pasando por Chris Cooper, Paul Dano, Forrest Whitaker y Catherine O´ Hara, cada muñeco tiene vida propia y en gran parte es por la “actuación” que hacen con su voz este talentoso grupo. Otro aspecto destacable es la banda sonora y la fotografía, ambas adquieren gran relevancia y se erigen como un personaje más dentro de la trama.

Creo que en algunos años se volverá una cinta de culto, pues tiene todo el perfil para hacerlo, además creo que en diferentes universidades de psicología será puesta para analizarla, cada monstruo tiene una razón de ser en la vida de Max, creo que cada uno de estos muñecos representa los miedos, gustos, actitudes y apegos que tiene en su vida normal, y en su mundo alterno están representados como los monstruos, como ven la trama va más allá de ser sobre un niño que encuentra otro mundo y seres fantásticos, en algunos aspectos podría ponerla a lado de la excelente: “Pan´s Labyrinth” (Guillermo del Toro, 2006) pues ambas tocan temas comunes.

En conclusión, “Where the Wild Things Are” es una cinta rara, pero bella en sus composiciones, es una historia compleja que habla sobre el dejar la infancia a un lado y madurar si o si, no es para todos los gustos, pues su bizarres puede resultar pesada, y sobre todo, no es una película propiamente para niños, pueden verla, pero creo que habrá momentos que se les hará sumamente aburrida, eso y que algunas cosas difícilmente las asimilaran.

Calificación: 8.5

En Dos Palabras: Compleja y Bizarra

Curiosidades: Los muñecos son obra de la factoría de Jim Henson, creador, entre otros, de los Muppets.

 

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