SNOWPIERCER

Para los amantes del cine no es un secreto que mucho del mejor cine en la actualidad viene de Asia, países como: Japón, Corea y China tienen una industria bastante activa, interesante y de calidad, en lo personal los cineastas coreanos son quienes más me llaman la atención, gente como Park Chan Wook (Oldboy), Kim Je-woon (I Saw the Devil), Kim Ki Duk (Las Estaciones de la Vida), Na Hong-jin (The Yellow Sea) y el que ahora nos ocupa; Bong Jon-Ho (Mother).

 

Tras demostrar su enorme talento en cintas como: Memoirs of a Murder (2003), The Host (2006) y Mother (2008) Bong Jon-Ho da el salto a Hollywood con un film post apocalíptico, lleno de conceptos, ideas interesantes e inquietantes, la lucha de clases más claustrofóbica que se haya visto, el titulo es Snowpiercer.

 

La trama nos sitúa en un futuro distópico, donde por culpa del calentamiento global el mundo se ha congelado por completo, quedando extinguida la humanidad casi por completo, los pocos que han sobrevivido suben a un tren bala que asemeja a una moderna arca de Noé, pero como siempre, el ser humano es el peor depredador de si mismo, y la diferencia de clases cobra factura en los ocupantes, ya que los de abajo son constantemente pisoteados y denigrados por los de arriba, (en este caso los de el último vagón contra los de los primeros) un joven con aires de líder (Chris Evans) organiza un levantamiento para terminar con los abusos y pelear por más derechos dentro de esta pequeña sociedad sobreviviente.

 

Como se puede ver en su sinopsis, esta es una película con un claro mensaje social, cargado de ideas interesantes y que hoy en día son muy comunes en el mundo entero; la lucha de clases y las revueltas sociales son temas de todos los días en la actualidad, y en esta cinta estos tópicos están perfectamente manejados y estructurados, envueltos en una trama de acción y ciencia ficción inteligente, que en todo momento entretiene y emociona.

 

 Una de sus principales virtudes es el elenco, que esta plagado de estrellas como Chris Evans (demostrando que sabe actuar y hay algo más en él que ser el Capitán América), actores solventes y respetados como John Hurt, Ed Harris, Tilda Swinton y extranjeros igual ó más talentosos como Song Kang-ho y Ko Ah-sung, todos ellos al servicio de una historia bien planeada y ejecutada, dirigida prodigiosamente por Jon-Ho, quien dota al film con secuencias milimétricamente filmadas y con parte de su humor socarrón y negro, marca de la casa. El virtuosismo del director se nota desde el presupuesto y la hechura; con algunos decorados y set pieces parecería un proyecto de 100 millones de dólares, y la realidad es que su presupuesto es de menos de 40, esto último es responsabilidad absoluta del coreano, ya que se nota que sabe optimizar y exprimir al máximo sus recursos.

 

Esta cinta representa un bálsamo, ya que demuestra que el cine mainstream hollywoodense puede balancearse a la perfección con el cine de autor, ambos estilos pueden converger sin problema, solo es cuestión de que el director del proyecto sea capaz de plasmar su sello y de forma inteligente sepa complacer a los implacables productores gringos que buscan más el espectáculo, aunque este muchas veces resulte vació.

 

En conclusión, este es un film entretenido y emocionante, que posee más sustancia que muchos otros blockbusters, es un más que digno debut en Hollywood de su director, puede complacer al público más ávido de acción y ciencia ficción y al mismo tiempo al público que gusta más de un cine con mensaje y conciencia, a un cine más de autor.

Titulo Original: Snowpiercer

Director: Bong Jon-Ho

Actores: Chris Evans, Song Kang-ho, Octavia Spencer, Tilda Swinton, John Hurt, Jamie Bell, Ko Ah-sung, Ewen Bremner, Ed Harris

Calificación: 9

En 2 Palabras: Emocionante e Interesante

Curiosidades: La cinta esta basada en una novela gráfica francesa llamada Le Transperceneige ilustrada por el artista francés Jean-Marc Rochette. Tilda Swinton realiza otro papel a modo de cameo; es la mujer que intenta quitarle la botella de vino a Ko Ah-sung en la escena en la que están recolectando el kronol en el bar.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

ANDY GARCIA Y SUS ASUNTOS PENDIENTES ANTES DE MORIR

Andrés Arturo García Menéndez nació en la Habana Cuba un 12 de Abril de 1956, cuando tenía 5 años su familia se mudó a Miami Florida, dónde pasaron algunos años difíciles hasta estabilizarse con un negocio de perfumes, Andy comenzó a estudiar actuación en la Universidad Internacional de Florida, y tras ver que tenía aptitudes y porte, decidió irse a Hollywood a probar suerte.

 

Como casi todos los actores su comienzo fue incierto, comenzó con papeles intrascendentes en series de televisión, pero su historia cambiaria en 1986 con la cinta 8 Millon Ways to Die (Hal Ashby), pues de ahí se fijo en él Brian de Palma y le ofreció la que fue su primera gran oportunidad; Los Intocables (Brian de Palma, 1987), de ahí le seguiría; Con Ganas de Triunfar (Ramón Menéndez, 1988), y Lluvia Negra (Ridley Scott, 1989), lo demás es historia.

 

Después de aparecer en El Padrino III (Francis Ford Coppola, 1990) y ganar una nominación al mejor actor de reparto ese año en los oscares, su carrera cayó en inconsistencias que desde entonces han sido la constante en su carrera, a pesar de ser un actor respetado y muy conocido por el gran público, la verdad es que sus mejores papeles fueron en sus inicios, tal vez solo su papel del villano Terry Benedict en la saga de Ocean´s Eleven (Steven Soderbergh, 2001) sea lo más destacado de unos años para acá.

 

 Pero dentro de esos años de tumbos en su carrera, en el año de 1995 realizó una cinta que podría ser considerada al día de hoy como una pequeña joya de culto; Asuntos Pendientes Antes de Morir, una fabula de mafiosos, una historia de cine negro adaptada a los años noventas, donde Andy García realiza la que en lo personal, es su mejor actuación junto a la que hizo en la saga del Padrino.

 

Jimmy The Saint (Andy Garcia) es un mafioso retirado que vive en Denver, ahora pasa sus días manejando un negocio de videos que enfermos terminales dejan a sus familias, pero su antiguo jefe (Christopher Walken) le habla para realizar un último trabajo; amedrentar al novio de una chica que el jefe quiere para su hijo. Para esto Jimmy junta a su viejo equipo, pero el asunto se sale de control y, en pocos días, Jimmy tiene que huir por su vida, intentar poner a salvo a sus amigos, enamorar a una guapa mujer y deshacerse de sus enemigos.

 

La historia de esta cinta tiene todos los ingredientes de los films noir, y el mejor cine de mafiosos; un grupo de hombres que realiza trabajos fuera de la ley, un importante jefe que delega una última responsabilidad a una leyenda del bajo mundo criminal, un trabajo que sale mal y que condena a los protagonistas; el tiempo, y las malas decisiones como peores enemigos. Es una cinta magnética, entrañable, que habla del valor de la amistad, el amor, el honor y los códigos con los que cada quien vive, es de esos filmes que emocionan y producen sentimientos en las entrañas, de esos en los que los personajes nos importan y los llegamos a querer.

 

Con un estilo que bordea en el cine de Tarantino (los diálogos son muy de su estilo), este film pasó muy desapercibido por el público que no le dio la importancia debida, su director Gary Fleder apuntaba para ser uno de los nuevos niños malos del cine, desgraciadamente su carrera se enfrasco en realizar mediocres thrillers genéricos de Hollywood, como: Besos que Matan (1997), Ni Una Palabra (2001) y Tribunal en Fuga (2003) su última cinta es la reciente Homefront (2013) con Jason Statham y guión de Sylvester Stallone, pero sin duda su mayor legado al mundo es esta desapercibida joya que tiene una gran riqueza narrativa y un exquisito desarrollo de los personajes, en donde Andy García realiza una de sus mejores actuaciones; la más entrañable y humana de su carrera, además Christopher Walken eleva el producto con una breve pero muy sustanciosa actuación, incluso el demás elenco también esta extraordinario.

 

En conclusión, esta es una de esas películas a las que hay que darles una segunda oportunidad, que hay que reivindicar si ó si, es una historia que atrapa al espectador de inicio a fin, sin ninguna duda puede estar en un olimpo de cintas sobre mafiosos.

Titulo Original: Things to do in Denver When You´re Dead

Director: Gary Fleder

Actores: Andy Garcia, Christopher Lloyd, Trent Williams, Christopher Walken, William Forsythe, Gabrielle Anwar, Steve Buscemi, Fairuza Balk, Bill Nunn

Calificación: 9

En 2 Palabras: Entrañable y Emocionante

Curiosidades: El guionista Scott Rosenberg creo toda una jerga para sus personajes, esta jerga es una combinación del lenguaje que usaban los soldados en Vietnam y el utilizado por algunas bandas de motociclistas. El nombre de Jimmy The Saint fue inspirado por la canción de Bruce Springsteen de 1973 “Lost in the Flood”.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA 2

El personaje del Hombre Araña irrumpió en las pantallas con éxito en el año 2001, de la mano de Sam Raimi y con tres secuelas, el personaje tuvo sus altas (la segunda parte) y su bajas (la tercera parte), gracias a la desmedida ambición de los productores de Hollywood decidieron que lo mejor para el trepa muros era hacerle un lavado de cara, un reinicio desde cero, socorriéndose en la nueva moda de los últimos tiempos; el reboot (reinicio de una franquicia desde cero y con un nuevo enfoque).

 

Fue entonces cuando llegó Marc Webb para dirigir este nuevo proyecto, el reboot se estrenó en el 2012 y fue un respetable éxito de taquilla (más de 600 millones de dólares en todo el mundo) pero la calidad del producto se quedo a medias, en lo personal me pareció una cinta con un tono y una forma extraña, a medio camino de la desfachatez que el personaje arácnido luce en los comics y una solemnidad que queda muy bien en un súper héroe como Batman, pero no es lo mejor para el Hombre Araña.

 

Si algo se le crítico a la primera parte de El Sorpréndete Hombre Araña (2012) fue precisamente el hecho de que carecía de emoción y por momentos era más solemne de lo que un proyecto así debería de ser, a favor de Webb puedo decir que mejora bastante en la secuela, se nota que ahora puso más atención en el espectáculo pero sin descuidar los aspectos introspectivos entre los personajes, que es lo que mejor se le da.

 

Ahora nos llega su obvia secuela, que nos traslada unos años después de los acontecimientos de la primera parte; Peter Parker (Andrew Gardfield) se encuentra cada vez más cómodo con su labor como súper héroe y en su relación con Gwen Stacy (Emma Stone), pero el surgimiento de un nuevo villano; Electro (Jaime Foxx), y el regreso de su antiguo amigo Harry Osborne (Dane DeHaan), le traerán más problemas de los que él cree, ya que se dará cuenta de que todos sus enemigos tienen algo en común; OsCorp.

 

Como Spider Man, Andrew Gardfield sigue brindando una buena interpretación, ya desde la anterior cinta se notaba más amoldado al personaje que conocemos en los comics, tanto su físico como su forma de actuar se asemejan más a lo que conocemos del Hombre Araña en el pasado, definitivamente es un mejor Spidey que Tobey Maguire, Gardfield ha demostrado en poco tiempo que es más solvente y tiene más rango que el soso de Maguire. Como interés amoroso Emma Stone también es superior a Kristen Dunst y nos hace olvidarla y no extrañarla en la saga, su presencia en pantalla irradia más simpatía, es más empática con el público, además el hecho de que sea pareja de Andrew Gardfield en la vida real ayuda a la química de ambos, lo cual se nota más en esta segunda parte.

 

Para esta secuela, y al igual que en la tercera parte de la anterior saga dirigida por Raimi, una vez más se satura con tres villanos a la función, pero destaca Dane DeHaan, sobre todo por el enorme carisma que emana y que ya había demostrado como villano en Chronicle (Josh Trank, 2012), quien esta totalmente desaprovechado (así como en la tercera parte de Raimi lo fue Venom) es Paul Giamatti como Rhino, y por último el que presupone ser el villano principal; Jamie Foxx, tiene una caracterización demasiado caricaturesca y tonta cuando es su alter ego Max Dillon, afortunadamente cuando se transforma en Electro mejora y si resulta amenazante.

 

En conclusión, puedo decir que ésta secuela mejora considerablemente contra la cinta anterior, tiene un mejor balance entre el espectáculo y los aspectos dramáticos, además su final es bastante valiente, arriesgado e inesperado, desgraciadamente tiene algunas secuencias que nos asemejan a estar viendo un video juego, sobre todo la pelea final con Electro y con El Duende Verde.

Titulo Original: The Amazing Spider-Man 2

Director: Marc Webb

Actores: Andrew Gardfield, Emma Stone, Jamie Foxx, Dane DeHaan, Paul Giamatti, Sally Field

Calificación: 8

En 2 Palabras: Espectacular e Introspectiva

Curiosidades: Originalmente la joven Shailene Woodley (a quien acabamos de ver en Divergente, filmó su parte como Mary Jane Watson, pero fue recortada del corte final debido a que el director argumento que ya había demasiados personajes y no se le haría la justicia necesaria.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

DIVERGENTE

Desde que en el año 2001 irrumpió en las pantallas la saga de Harry Potter (Chris Columbus, 2001) y la de El Señor de los Anillos (Peter Jackson, 2001), Hollywood se ha dado a la tarea de explotar el nicho de novelas fantásticas hasta saciarse, destinando estos productos en un principio a los más pequeños, después a los adolescentes, y a uno que otro adulto fan de la fantasía y los relatos extraordinarios.

 

El plan de los productores de colocar múltiples clones de estas exitosas sagas no siempre funcionaron a la perfección, ejemplos como los de Eragon (Stefen Fangmeier, 2006), La Brújula Dorada (Chris Weitz, 2007), Los Seis Signos de la Luz (David L. Cunningham, 2007) y Las Crónicas de Spiderwick (Mark Waters, 2008) lo corroboran, ante todos estos fracasos, existió una saga que resulto medianamente provechosa; Las Crónicas de Narnia (Andrew Adamson, 2005), pero la que sin duda ocupo un lugar privilegiado fue la sobrevalorada por el público; Crepúsculo (Catherine Hardwicke, 2008).

 

A raíz del inesperado éxito de las novelas de Stephenie Meyer, los ejecutivos de Hollywood cambiaron un poco el rumbo, y ahora comenzaron un sin fin de adaptaciones en las que el romance prohibido e imposible entre dos jóvenes atractivos fue el modelo a seguir, una vez más, no todo ha funcionado, ahí están como ejemplo La Huésped (Andrew Niccol, 2013), Hermosas Criaturas (Richard LaGravenese, 2013) y Cazadores de Sombras (Harald Zwart, 2013), que son fallidas por todos lados, pero el caso contrario fue Los Juegos del Hambre (Gary Ross, 2012) que sin duda se ganó al público y un poco más a la crítica, pues bien, ahora el modelo a seguir se convirtió en la saga de la nueva estrella favorita del mundo; Jennifer Lawrence, y es como llega a las pantallas Divergente, el primer clon de esta última.

 

En esta ocasión la trama se desarrolla en un mundo distópico en el que la sociedad está dividida en cinco grupos. Cada uno de ellos se dedica a cultivar una determinada virtud: Verdad (los sinceros), Abnegación (los altruistas), Osadía (los valientes), Cordialidad (los pacíficos) y Erudición (los inteligentes). Cuando los jóvenes cumplen dieciséis años deben decidirse a que grupo van a pertenecer, Beatrice Prior (Shailene Woodley) ha cumplido dieciséis años y tiene que elegir a qué facción se unirá, obviamente, y como casi siempre en este tipo de historias, se enamorará en el camino, pero además, la muchacha se ve obligada a guardar un secreto que puede cambiar el orden y le puede acarrear la muerte.

 

Tengo que confesar que no soy muy adepto a este tipo de historias, solo Harry Potter y El Señor de los Anillos son de mi total agrado, la saga de Los Juegos del Hambre la veo cumplidora pero también le veo sus fallos, la carisma de su estrella principal (Jennifer Lawrence) le ha ayudado mucho, pero en general no soporto estos sub productos creados con la única misión de ganar dinero y embaucar a los espectadores, y más cuando el modelo primigenio es la insufrible saga de Crepúsculo.

 

Pues para mi sorpresa, esta cinta me entretuvo más de lo esperado y en general me dejo un buen sabor de boca, además de que me dejó con ganas de ver más sobre este distópico mundo y su orden social, y es que esa es precisamente una de sus mayores virtudes; representa un interesante futuro con una sociedad digna de estudio, a diferencia de otros sub productos de la misma índole, aquí se tiene un poco más de sustancia e ideas interesantes que son razonablemente bien explicadas y explotadas por la trama.

 

El elenco cumple, sobre todo la parte adulta, en la que vemos a Kate Winslet derrochar toda su clase y buen oficio, a Ray Stevenson lo vemos con un ambiguo papel que seguramente se explotara más en las secuelas que vendrán (la cinta ya recaudó 100 millones de dólares solo en Estados Unidos, por lo que la secuela ya fue aprobada), a Ashley Judd y Tony Goldwin los vemos brindando la clásica actuación melancólica, pero quien se lleva el film es sin duda Shailene Woodley, que podría no ser muy bella, pero que tiene carisma y sobre todo, es buena actriz, aquí entrega una actuación balanceada y sostiene la historia por completo, su pareja en la trama Theo James me resultó mejor que Robert Pattinson y otros seudo galanes, pero sigue siendo un tanto flojo.

 

En la parte de la dirección, el oriundo de Connecticut Neil Burger (El Ilusionista, 2006, Sin Limites, 2011) cumple su labor de manera correcta, pero no destaca demasiado, la dirección es muy genérica, competente pero sin ningún rasgo distintivo, es lo que se conoce comúnmente como: “una dirección por encargo”. En los apartados visuales también cumple con el promedio, no hay nada para echar cohetes, algunas tomas aéreas de la ciudad de Chicago destruida es lo más llamativo, por último, la banda sonora es de lo más sobresaliente del conjunto, aunque por momentos se noten acordes muy parecidos a los de Inception (Christopher Nolan, 2010), aunque es normal ya que es del mismo compositor; Hans Zimmer.

 

A pesar de que superó mis bajas expectativas, eso no significa que la película no tenga sus fallos, que son básicamente los mismos de todos los clones previamente comentados, es una cinta que recicla todos los tópicos, clichés, y hasta situaciones de sus modelos a seguir, que afortunadamente es más Los Juegos del Hambre que Crepúsculo, pero aún así, no deja de ser una copia casi al carbón de la saga de Suzanne Collins, esto le resta muchísimos méritos, ya que es una historia que ya vimos y que incluso sabemos como se va a desarrollar, solo hay que ver las demás continuaciones de Los Juegos del Hambre y lo sabremos.

 

En conclusión, es un entretenido film dirigido a los adolescentes, con muchas similitudes a la saga de Jennifer Lawrence, pero que tiene algunas ideas interesantes, sobre todo en el aspecto del orden social que se representa en la trama, su protagonista carga con solvencia el proyecto, aunque le falta la belleza de la Lawrence, si van con bajas expectativas puede que les resulte más llevadera.

Titulo Original: Divergent

Director: Neil Burger

Actores: Shailene Woodley, Theo James, Ashley Judd, Kate Winslet, Jai Courtney, Ray Stevenson, Maggie Q, Ansel Elgort

Calificación: 7.5

En 2 Palabras: Interesante y Entretenida

Curiosidades: Shailene Woodley y Ansel Elgort trabajaron juntos en otra película de nombre Bajo la misma Estrella, ahí interpretan a una pareja de novios, mientras que en Divergente son hermanos. Kate Winslet estaba embarazada durante el rodaje por lo que fue necesario ocultar su vientre con ipads y folders en algunas secuencias.

TWITTER: @FdoSantoyoTello

RUSSELL CROWE Y SUS CABEZAS RAPADAS

Russell Ira Crowe nació un 7 de Abril de 1964 en Wellington Nueva Zelanda, a los 4 años se mudo a Australia, donde sus padres se dedicaron al servicio de catering en filmaciones, tal vez ahí nació su pasión por la actuación, diez años después regresó a Nueva Zelanda donde tuvo que trabajar desde muy joven para ayudar a la familia, pero su futuro no estaba ahí, así que regreso a Australia, y como muchos otros actores, tuvo que hacer de todo antes de ser famoso, en su caso, paso algún tiempo como actor callejero.

 

Antes de ser el Gladiador y ganarse un oscar, la fama, e inclusive de meterse en problemas con la ley debido a su carácter explosivo Russell realizó un film en 1992 llamado Cabezas Rapadas, ésta lo puso en la mira del director Sam Raimi quien le dio un papel importante en su western; Rápida y Mortal (1995), donde compartió créditos con Sharon Stone y Gene Hackman, de ahí en adelante lo demás es historia.

 

En ésta cinta de difícil digerimiento y tema, Crowe realiza una actuación impactante, llena de matices y muy creíble, de hecho con esta actuación recibió su primer premio por actuación; “Mejor Actor del Australian Film Critics”, aquí interpreta a Hando: el líder de una banda de skinheads que impone el terror en el centro de Melbourne golpeando y aterrorizando a los vietnamitas que viven ahí, por considerarlos un claro ejemplo de la impureza racial. Finalmente, los agredidos deciden hacer frente a los pandilleros para demostrarles que no están dispuestos a dejarse más, al final de cuentas, Hando y sus compañeros parecen solo destinados a morir ó a pasar su vida en una cárcel.

 

Cabezas Rapadas es una interesante historia sobre racismo y violencia, es la versión ruda y más cruda de Historia Americana X (Tony Kaye, 1998), es una perfecta visión de los problemas raciales que existen en diferentes partes del mundo. Incluso este film ha sido clasificado con los años como una especie de Naranja Mecánica (Stanley Kubrick, 1971) australiana, ésta película es sin duda una interesante reflexión sobre la intolerancia que se vive en cualquier parte de este planeta.

 

El trío protagonista de esta historia (Russell Crowe, Daniel Pollock y Jacqueline Mckenzie) tiene una evolución dramática movida por las vísceras y los sentimientos de sus personajes, sus cambios internos se muestran según las situaciones que van viviendo, forman un triangulo amoroso destinado al fracaso, encaminado a la traición, y envuelto en los celos, en este triangulo la actuación de Russell es clave, pues es quien lleva la batuta, no solo del guión, si no de todo el conjunto.

 

En una historia como esta es inevitable que los personajes principales no tengan un desenlace desolador y pesimista, esto último se le agradece al director Geoffrey Wright; terminar su historia de una manera real y sin concesiones, sin final feliz, un desenlace de acuerdo a la violencia y crudeza mostrada durante la hora y media de duración, respetando a la perfección el sub texto del filme, un sub texto de intolerancia y resentimiento.

 

El director Geoffrey Wright, llegó a ser considerado como el enfant terrible de Australia (algo así como el Tarantino de aquellos lados) por ésta cinta, desgraciadamente su carrera jamás pudo despegar del todo, y su último filme medianamente conocido es un mediocre proyecto de terror llamado: Cherry Falls (1999), ridículamente llamado Corre no Grites en México, una verdadera lastima para el que alguna vez trabajó de crítico de cine, antes de realizar ésta, su opera prima.

 

En conclusión, esta es una buena opción para ver un tipo de cine diferente, no tan concesionario como el de Hollywood, más crudo y desolador a lo que nos tiene acostumbrados el cine mainstream, la actuación de Russell es un aliciente para verla, ya que podemos apreciarlo en el esplendor de su juventud, donde ya apuntaba a madera de estrella, y a ser un solvente actor dramático.

Titulo Original: Romper Stomper

Elenco: Russell Crowe, Daniel Pollock, Jacqueline Mackenzie Director: Geoffrey Wright

Calificación: 8

En 2 Palabras: violenta y pesimista

Curiosidades: El actor Daniel Pollock, quien interpreta al mejor amigo de Crowe y su rival de amores al final del film, murió antes del estreno de la cinta, se suicido aventándose al tren de Sydney, años después Russell Crowe escribió la canción “The Night that Davey Hit the Train" .

TWITTER: @FdoSantoyoTello

CAPITÁN AMÉRICA EL SOLDADO DE INVIERNO

El cine de súper héroes es una constante año con año, es evidente que este sub género se hace para ganar dinero, y efectivamente lo gana y a raudales, pero afortunadamente, este sub género ha ido evolucionando para bien, con el pasar de los años se han pulido sus historias, se han cuidado aspectos más allá de los efectos especiales, incluso en su elenco ya se dejan ver verdaderas leyendas del cine, como en este caso lo hace Robert Redford.

 

 La nueva aventura del Capitán América es una evolución clara y concisa del cine hecho por la factoría Marvel, desde la primera cinta de Iron Man, hasta esta última, se notan cambios, se nota que el guión y los personajes ya sobrepasan al espectáculo y eso ayuda de sobre manera al género, es un plus para los espectadores ver un espectáculo veraniego en toda regla con ideas más allá de la diversión y con una trama sólida, concisa e inteligente.

 

Después de los acontecimientos ocurridos en Nueva York con Los Vengadores, ahora nos encontramos a Steve Rogers (Chris Evans), alias el Capitán América, viviendo tranquilamente en Washington, D.C. intentando adaptarse al mundo moderno. Pero cuando atacan a Nick Fury (Samuel L. Jackson), Steve se ve envuelto en una maraña de intrigas que amenaza con poner en peligro al mundo. El Capitán une fuerzas con la Viuda Negra (Scarlett Johansson) y lucha por sacar a la luz una conspiración cada vez mayor mientras hace frente a asesinos profesionales enviados para asesinarle. Cuando por fin se revela la magnitud de los enemigos, el Capitán América y la Viuda Negra van a contar con la ayuda de un nuevo aliado, el Halcón (Anthony Mackie). Pero deberán enfrentarse a un enemigo inesperado y extraordinario: el Soldado de Invierno.

 

Una de las principales virtudes de esta nueva entrega del Capi, es que es un thriller político de espionaje envuelto en una cinta de súper héroes, sigue toda la línea de grandes películas de los setentas como: Los Tres días del Cóndor (Sydney Pollack, 1975), El Día del Chacal (Fred Zinnemann, 1973) y Maratón de la Muerte (John Schlesinger, 1976), esto la hace una cinta más adulta, más seria, bueno, sería en el mundo de los filmes basados en un comic, ya que siguen presentes los grandes efectos especiales, el desafió a la gravedad, los súper poderes y las proezas imposibles.

 

La acción en esta ocasión es más de la vieja escuela, por momentos me parecía estar viendo una cinta de los ochentas ó principios de los noventas, pero eso si, su último tramo recurre a los trucos del cine de súper héroes de la última década, esto significa; grandes explosiones, efectos especiales espectaculares y ruido por todos lados, no estoy en contra de eso, pero durante todo su desarrollo fue una película más pausada y al final explota, como si pareciera que tenían que hacerlo por obligación.

 

En conclusión, ésta es sin duda la mejor película de Marvel, la más cerebral (por así decirlo), la más seria y la que más apuesta por algo diferente, no esta al nivel de la trilogía de Batman hecha por Christopher Nolan, pero ya es un paso adelante a lo que estaban haciendo con esa baraja de súper héroes.

 

Titulo Oiginal: Captain America The Winter Soldier

 

Director: Joe y Anthony Russo

 

Actores: Chris Evans, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Robert Redford, Anthony Mackie

 

Calificación: 9

 

En 2 Palabras: Sólida e Intrigante

 

Curiosidades: Ojo, al final cuando un trío de personajes visita una tumba en el cementerio, en esa tumba esta la referencia al “Ezequiel, 25-17” que es la cita bíblica que Samuel L. Jackson recita en Pulp Fiction, siendo el mismo Jackson uno de los que están en esa escena. Recomiendo que se queden al final de los créditos, pues hay una escena extra a la mitad (que es el enlace con Los Vengadores 2) y al final (que es el enlace con Capitán América 3).

 

TWITTER: @FdoSantoyoTello

NOÉ

Uno de los directores más polifacéticos y talentosos del panorama cinematográfico mundial es sin duda Darren Aronofsky, un director que debutó con la sesuda y compleja película de Pi: El Orden del Caos (1998), y que después estremeció al público con su electrizante relato sobre la adición a las drogas Réquiem por un Sueño (2000), conoció el fracaso de crítica y público con la inmensamente incomprendida La Fuente de la Vida (2006), y retomo el camino con dos poderosas cintas muy diferentes entre si, pero con la particularidad de ser dos relatos de ascenso y descenso, además de estar enmarcadas con extraordinarias actuaciones de parte de Mickey Rourke y Natalie Portman; El Luchador (2008) y El Cisne Negro (2010).

 

Ahora vuelve a sorprender a propios y extraños, y es que regresa con una súper producción de tema religioso que deambula entre el cine espectáculo puro y duro y el cine de autor más renegado. En esta ocasión el director se cobija en Russell Crowe quien interpreta a Noé, el hombre elegido por Dios para realizar una gran tarea antes de que una apocalíptica inundación destruya la Tierra. Junto a Crowe se encuentra Jennifer Connelly, en su segunda colaboración con el director tras Réquiem por un Sueño, aquí interpreta a la esposa de Noé; Naamá, también aparecen por ahí Sir Anthony Hopkins en el papel de Matusalén y Emma Watson en el papel de la hija adoptiva de Noé; Ila.

 

Lo primero que hay que decir sobre esta cinta, es que definitivamente es una adaptación muy libre, quienes esperen un retrato fidedigno al que conocemos por La Biblia que se prepare para decepcionarse ampliamente, por que si algo hizo el director es darle otro enfoque más novedoso, que en lo personal le aplaudo a Aronofsky, algunas secuencias como la del relato de la creación narrada por Crowe, o los sueños del protagonista son cien por ciento el estilo del director, es por esa razón que los más puristas de la historia religiosa pueda sentirse ofendido, aunque ya siendo sinceros no es nada del otro mundo, yo la veo muy conciliatoria hacía todas las religiones del mundo, es una historia universal que el director adapto hábilmente para no decepcionar a las masas.

 

En el plano actoral, quien se lleva la función sin duda es Russell Crowe, demuestra que este tipo de papeles históricos le van como anillo al dedo, y para muestra, ahí están sus interpretaciones en Gladiador (Ridley Scott, 2000), Capitán de Mar y Guerra (Peter Weir, 2003), El Luchador (Ron Howard, 2005) y Robin Hood (Ridley Scott, 2010), aquí vuelve a realizar una interpretación con fuerza, que sostiene de maravilla los momentos dramáticos, introspectivos, y los más físicos, el demás elenco cumple su labor; Jennifer Connelly tiene una escena para lucirse y no más, Anthony Hopkins aparece por ahí para darle caché a sus escenas, Ray Winstone realiza un villano a la altura, aunque por el lado negativo el elenco joven no me convenció del todo, sobre todo Emma Watson que no deja la sombra de su Hermione de Harry Potter.

 

En conclusión, es una cinta entretenida, con un aura de espectacularidad y aventura que puede sorprender a quienes vayan esperando ver un relato cien por ciento religioso, esta increíblemente dirigida, la fotografía de Matthew Libatique es hermosa y le saca todo el jugo posible a las increíbles locaciones de Islandia, y además contiene un valioso mensaje sobre lo que hoy en día hemos perdido como sociedad, es una crítica descarnada a los pocos valores que hoy se tienen en el mundo.

 

Titulo Original: Noah

 

Director: Darren Aronofsky

 

Actores: Russell Crowe, Jennifer Connelly, Ray Winstone, Emma Watson, Logan Lerman, Douglas Booth

 

Calificación: 8

 

En 2 Palabras: Espectacular y Novedosa

 

Curiosidades: La cinta ha sido prohibida en varias regiones musulmanas debido a que según su argumento; la cinta ofende al Islam.

 

TWITTER: @FdoSantoyoTello