miércoles, 18 de diciembre de 2013

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG

La trilogía de “El Señor de los Anillos” es al día de hoy ya todo un clásico, ese proyecto resultó un éxito rotundo para sus creadores y el estudio New Line Cinema, tan es así que ganaron incontables sumas de dinero e inclusive algunos oscares, incluyendo el de mejor película para la tercera parte; “El Retorno del Rey”.
 
No resultó raro que quisieran seguir exprimiendo ese universo creado por J.R.R. Tolkien hace muchos años, el proyecto del Hobbit podría tomarse como un oportunismo de sus productores para continuar ganando dinero, pero la realidad es que la calidad intrínseca del producto hace que cualquier suspicacia quede en el olvido.
 
En esta segunda aventura de El Hobbit nos encontramos con una historia más dinámica que en la anterior entrega, pues ya se presentaron a los personajes y se esclareció la misión, ahora la trama se centra más en la aventura y la acción, pues los personajes pasan incontables obstáculos, eluden peligros y se embarcan en frenéticas persecuciones.
 
Bilbo Bolsón, junto a Gandalf y los trece enanos, siguen su misión épica para recuperar el reino perdido de los enanos, Erebor. Tras sobrevivir al inicio de su inesperado viaje, la Compañía se dirige a su destino. A lo largo de su viaje se encuentran con el cambia-formas Beorn y un conjunto de arañas gigantes en el traicionero Bosque Negro. Tras escapar de los peligrosos elfos silvanos, los enanos se dirigen a Ciudad del Lago y posteriormente a la mismísima Montaña Solitaria. Allí se enfrentarán al mayor peligro de todos, la criatura más aterradora: el dragón Smaug.
 
Hay quienes han acusado a estas dos nuevas entregas del universo de Tolkien de ser muy inferiores a la trilogía original del Anillo, pero la verdad es que veo infundadas esas críticas, en lo personal me parecen un digno complemento de la obra original, además de que cuentan con algunos efectos especiales de mejor factura debido a que hoy en día hay mejor tecnología que hace diez años, los personajes que han regresado a esta nueva trilogía siguen con el mismo carisma, tal es el caso de Gandalf, Legolas y Gollum, y los nuevos personajes no desentonan y brindan nuevos bríos, como Thorin el lider de los enanos (Richard Armitage), la elfa Tauriel (Evangeline Lilly) y el humano de la ciudad del Lago; Bardo (Luke Evans).

Esta segunda parte de la nueva trilogía es el puente a lo que seguramente será un impresionante desenlace en la entrega que llegará en las navidades del próximo año, es por eso que la estructura de la cinta se siente tan difusa, pues empieza de manera abrupta y termina de la misma manera, pero esto es algo lógico tomando en cuenta que es la parte media de un cuento largo, en pocas palabras es el desarrollo de una historia más grande, el clímax llegará el próximo año, y el planteamiento ya lo tuvimos el año pasado con la primera entrega.
 
Independientemente de que sea el desarrollo y el puente a algo más grande, no deja de ser espectacular y muy divertida, a pesar de durar dos horas con cuarenta minutos se pasan volando, y cuenta con impresionantes imágenes, desde sus locaciones hasta los típicos bellos paisajes que caracterizan esta saga, y en especial este film cuenta con impresionantes secuencias de acción, sobresaliendo la persecución de los barriles y la huida del dragón Smaug en la montaña solitaria.
 
En conclusión, esta es una digna sucesora de la saga de El Señor de los Anillos, a pesar de los muchos detractores que le están saliendo a esta nueva trilogía, vale la pena darle una oportunidad, y sobre todo, verla en cine y apreciar como se debe las impresionantes imágenes y los efectos especiales (aunque hay ciertas secuencias que si se aprecian un poco falsas, como en las que pelean los elfos), no han dejado de ser películas muy divertidas, que nos transportan a un mundo mágico y espectacular.
 
Titulo Original: The Hobbit : The Desolation of Smaug
 
Director: Peter Jackson
 
Actores: Martin Freeman, Ian Mckellen, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Luke Evans, Benedict Cumberbatch
 
Calificación: 9
 
En 2 Palabras: Espectacular e Impresionante
 
Curiosidades: El libro en el que se basa esta nueva trilogía en realidad no daba para tres películas, pero los guionistas Guillermo del Toro y Peter Jackson decidieron expandir el universo, es así que han creado personajes que en el libro no existían como el de Tauriel, interpretado por Evangeline Lilly.
 
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jueves, 12 de diciembre de 2013

CAPITÁN PHILLIPS

Una nueva cinta basada en hechos reales llega a la pantalla, y viene firmada por el muy competente Paul Greengrass, que entre sus mayores meritos están haber dirigido las dos mejores películas de la saga de Jason Bourne (Matt Damon) y la excelente “Vuelo 93” (con la que cuenta varias similitudes esta su nueva película), como pueden ver con sus anteriores proyectos es un director especialista en manejar tensión y secuencias con un alto grado de adrenalina, siempre teniendo como aliado un estilo que simula a un documental, sus tomas suelen tener un aire de realidad pocas veces vista en el género de acción (tal vez solo Michael Mann en películas como “Fuego Contra Fuego”, “Colateral” y “Enemigos Públicos” lo supere).
 
En esta ocasión vuelve a esa senda; la de mantener a los espectadores al borde de la butaca con una historia intensa y llena de sobre saltos, y para llevar a cabo de mejor manera este proyecto, cuenta con el trabajo de Tom Hanks delante de la pantalla, y aunque suele ser un actor que siempre cumple, en esta ocasión sobre pasa las expectativas, ya que esta en estado de gracia (sobre todo los últimos 10 minutos de la historia) al desarrollar al heroico capitán que le da nombre al titulo del film.
 
La película nos cuenta la odisea que sufre Richard Phillips, el capitán del carguero norteamericano Maersk Alabama, cuando es asaltado por varios piratas somalíes. El Capitán Phillips se ofrece como rehén a cambio de que dejen libre a su tripulación, de ahí tendrá que pasar varios días con sus captores en un pequeño bote y esperar a ser salvado por las fuerza militares.
 
Uno de los mayores aciertos de esta cinta es el ritmo con el que cuenta, el director no se distrae en nimiedades, ni en sentimentalismos, va duro y a la cabeza con su historia, conforme avanza el conflicto la tensión va en aumento y no da respiro al espectador, además el elenco secundario es bastante eficaz, los actores desconocidos que interpretan al los piratas somalíes son un gran descubrimiento, ya que en todo momento se ponen al tú por tú con Tom Hanks, y eso no es una tarea fácil.
 
El principal defecto que le veo es su duración, con unos 15 ó 20 minutos menos estaríamos hablando de una de las mejores películas del año, desgraciadamente sus poco más de dos horas de metraje terminan cansando un poco y siendo un poco redundantes.
 
En conclusión, es una gran cinta, dirigida de gran manera, con un cuadro de actores que lo dan todo por la historia, es una película madura y muy interesante, uno de los mejores thrillers del año.
 
Titulo Original: Captain Phillips
 
Director: Paul Greengrass
 
Actores: Tom Hanks, Barkhard Abdi, Catherine Keener, Max Martin, Chris Mule, Yul Vazquez
 
Calificación: 9
 
En 2 Palabras: Intensa y Entretenida
 
Curiosidades: Los verdaderos tripulantes del carguero Maersk Alabama han declarado a la prensa que lo que ocurre en la película no esta ni cerca de ser verdad, pues según ellos el verdadero Capitán Phillips se mostró cobarde y negligente cuando ocurrió el secuestro del barco.
 
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viernes, 6 de diciembre de 2013

LA NOCHE DE LA EXPIACIÓN

Qué pasaría si en cualquier país ó ciudad del mundo se hiciera un día en el que se vale todo, en el que la ley no cuenta y cualquier delito u homicidio fuera valido, y después de ese día nadie cometiera delitos por que la cuota ya se sació con ese día de purga, pues bien, eso plantea la película “La Noche de la Expiación”, en un pequeño y tranquilo suburbio de los Estados Unidos veremos de cerca esta noche “especial”, con esta interesante premisa llega una de las sorpresas del año (fue un inesperado éxito de taquilla).
 
La familia Sandin se encuentra lista para la noche de “La Purga”, el padre de familia (Ethan Hawke) convenientemente vende sistemas de seguridad, incluso su basto dinero es a expensas de sus amigos y vecinos a los que ha fortificado para este tipo de días en los que el crimen es legal, por todo esto es obvio que quien menos podría sufrir esta noche sería esta familia, pero como siempre en este tipo de cintas; un pequeño error humano meterá a los personajes en una espiral de violencia y miedo.
 
La premisa de este film es bastante potente, incluso una de las mejores premisas del año, desgraciadamente todo se diluye en una cinta convencional y predecible, pues conforme avanza la historia va cayendo cada vez más en tópicos y situaciones muchas veces vistas en este tipo de películas, afortunadamente los actores principales cargan con aplomo el proyecto y lo elevan con sus intensas actuaciones, mención especial a Lena Headey (la malvada Cersei Lannister en “Juego de Tronos”, también la vimos en “300” donde interpretaba a la bella esposa del protagonista) que sigue demostrando poco a poco su enorme talento.
 
Al igual que cintas como: “Funny Games”(Michael Haneke, 2007) y “Extraños” (Bryan Bertino, 2008), este es un film que se desarrolla íntegramente en una casa, un grupo de psicópatas acosa y atormenta a una familia que tiene sus propios problemas internos, y que pese a tener una premisa que parece que va más allá, se queda en ese género, el de las “home invasions”, lo bueno es que indiscutiblemente es una película que sabe manejar la tensión y que tiene uno que otro momento violento que añade impacto, lo malo es que hay algunas resoluciones muy irreales, lo que comúnmente se le llaman: “deus ex machina”, pero si se ve con la mente abierta y no queriendo encontrar lógica se puede disfrutar mucho.
 
El problema de guión radica principalmente en que no explica nada, solo se nos dice que existe esta denominada “Purga”, y que gracias a ella el índice de desempleo en el país es de solo el 1%, y los crímenes violentos no existen, pero jamás se nos explica qué los llevó a esta decisión y que implicaciones políticas y sociales tiene dicho experimento, entiendo que sea un trhiller destinado a entretener y brindar hora y media de tensión en los espectadores (en este rubro cumple muy bien), pero no deja de ser una tristeza que un tema tan interesante se diluya en nada.
 
El director James DeMonaco fue guionista hasta hace no mucho; debutó como director con la muy menor “Staten Island” en el 2009, pero entre sus mayores créditos como guionista esta haber escrito el remake de “Masacre en la Cárcel 13” (curiosamente estas tres películas cuentan con Ethan Hawke como actor principal) dónde ya daba rienda suelta a una situación de rehenes encerrados en un espacio cerrado, desgraciadamente solo copió los mismos clichés y defectos de este sub- género para esta su segunda cinta.
 
En conclusión, es una cinta efectiva, con buen suspenso y tensión in crescendo, que contiene una premisa por demás interesante y que se pudo explotar más (aunque siempre quedará la opción de que uno como espectador puede hacer sus propias suposiciones sobre tan espinoso tema), por el lado negativo esta el hecho de que pierde mucha fuerza una vez que se plantea la situación del acoso a la familia, vale la pena verla de todos modos.
 
Titulo Original: The Purge
 
Director: James DeMonaco
 
Actores: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane
 
Calificación: 7
 
En 2 Palabras: Tensa e Interesante
 
Curiosidades: Costo 3 millones de dólares y solo en Estados Unidos ganó 66 millones, por lo que la segunda parte ya esta en marcha, llegará a las pantallas en 2014.
 
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jueves, 28 de noviembre de 2013

ARMADOS Y PELIGROSOS

El cine de acción es y será uno de los géneros que más atraen al público a las salas de cine, y esto aumenta si los actores principales son famosos. En esta ocasión, la nueva cinta de Denzel Washington y Mark Wahlberg llega a los cines para entretener con una buena dosis de balazos, intriga, traiciones y uno que otro toque de comedia.
 
Basada en una novela gráfica del mismo nombre, este es un film sin mayor pretensión que brindar un espectáculo parecido a lo que el género de acción ofrecía en los ochentas y noventas: una buddy movie hecha y derecha (historia de dos policías muy diferentes entre sí haciendo mancuerna, como Arma Mortal). Se acompaña de un espíritu cafre, violento, muy inclinado al humor negro; en pocas palabras, un entretenimiento explosivo y divertido.
 
 El director Baltasar Kormákur (que ya había trabajado con Mark Wahlberg en Contrabando) logra un producto trepidante que no da muchas concesiones al espectador y casi ningún respiro. La acción comienza y no para, su dirección es eficaz y cumplidora, sin nada del otro mundo; tal vez su punto débil es que no están del todo bien conjuntadas algunas secuencias serias con algunas claramente cómicas, eso si, en el aspecto de la acción es dónde mejor se desenvuelve.
 
 Los actores principales se notan divertidos y comprometidos con lo que cuentan, y eso siempre se agradece. La química entre Wahlberg y Washington es de destacar, ambos derrochan su carisma habitual y se sienten cómodos como pareja dispareja, el único punto en contra es que Denzel parece seguir desempeñando el mismo papel desde hace más de diez años. Por otro lado, el elenco secundario aporta los matices necesarios para complementar a los protagónicos y contar de buena manera la historia.
 
 
La historia es muy básica y parece extraída de cualquier cinta de finales de los ochentas y principios de los noventas: un agente encubierto de la DEA (Denzel Washington) y un agente encubierto de la Marina (Mark Wahlberg), cazándose mutuamente, deben hacer equipo para combatir a unos peligrosos narcotraficantes y agentes gubernamentales que les pisan los talones.
 
 En conclusión, es un film divertido, repleto de acción y chascarrillos recurrentes que aligeran la trama, perfecta opción para los amantes del cine de acción o de comedias de acción. Si existiera una secuela sobre las aventuras de estos dos personajes, no me molestaría en lo absoluto.

Titulo Original: 2 Guns

Director: Baltasar Kormákur

Actores: Denzel Washington, Mark Wahlberg, Paula Patton, Edward James Olmos, Bill Paxton, James Marsden, Fred Ward

Calificación: 7.5

En 2 Palabras: Trepidante y Simpática

Curiosidades: Durante un tiempo los comediantes Vince Vaughn y Owen Wilson se vincularon a esta película, lo que seguramente hubiera creado una cinta muy diferente.

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sábado, 23 de noviembre de 2013

THOR: UN MUNDO OSCURO

Una vez más las pantallas de cine del mundo presentan una cinta basada en un comic, en este caso le toca el turno a la segunda aventura de Thor, el dios nórdico con el martillo gigante. Esta claro que de todos los filmes de la primera fase de Marvel (que empezaron con Iron Man en el 2008 y terminó con Los Vengadores en el 2012) la primera cinta de este dios con aspecto de modelo fue la más floja de todas, a pesar de contar en su elenco con Natalie Portman (muy desaprovechada), Stellan Skarsgard, Anthony Hopkins, y de estar dirigida por Kenneth Branagh.
 
 Así que ahora Thor viene por su revancha y para dejar atrás ese estigma de ser la más floja adaptación de esta nueva ola de súper héroes, viene armada con el mismo elenco, solo que cambiando al director, que en esta ocasión es el primerizo en las grandes ligas Alan Taylor, que entre sus mayores meritos esta haber dirigido varios capítulos de la mejor serie de la historia de la televisión: “Los Sopranos” y últimamente de otra gran serie como lo es: “Juego de Tronos”.
 
Uno de los mayores problemas de la primera película fue el humor fácil y tonto que impregnaba la cinta, aunque los comics de Marvel nunca se han diferenciado por ser tan delicados y sombríos como los de DC (Batman es el mejor ejemplo), es cierto que en la primera Thor los chistes descolocaban un poco ante la épica que se quería mostrar, además de que en aquella ocasión el villano de la función; Loki (Tom Hiddleston) le comió el mandado al mismo súper héroe principal.
 
Pues bien, en esta secuela, el humor sigue presente pero en esta ocasión es un aliado para divertir a los espectadores, sobre todo queriendo arrancar risas a costillas del ridículo de uno de los mejores actores europeos del momento como lo es Stellan Skarsgard y de las apariciones de Kat Dennings en pantalla, de nuevo Natalie Portman esta muy desaprovechada por un personaje intrascendente y sin peso específico, pero muestra una ligera mejoría en su papel, pero cuando menos en esta ocasión el actor Chris Hemsworth le da más pelea a Hiddleston y no queda tan opacado (aunque Loki sigue ganando la partida), como era de esperarse, lo mejor de la cinta es la interacción entre estos dos personajes, además de que se le doto más espectacularidad a la cinta (cosa que en la primera quedaba muy justa).
 
El ritmo de esta secuela es mucho más dinámico, la acción prácticamente no para desde que comienza la historia, hay pocos momentos de calma, y eso un fan de los súper héroes lo agradece, además de que es una cinta capaz de combinar batallas, efectos especiales y comedia casi a la perfección, en definitiva; aquí si se aplica que la secuela es mejor que la primera entrega, otro punto a favor es llevar la acción casi todo el tiempo a Asgard y en menor medida a Londres y dejar a un lado los Estados Unidos.
 
Sigue sin ser de lo mejor que ha hecho la factoría Marvel (ese lugar lo ocupan Iron Man y Los Vengadores), pero si muestra una clara mejoría ante el anterior film, si bien es cierto que a este tipo de películas es imposible sobre analizarlas, pues es un proyecto hecho para entretener, divertir y hace pasar un buen rato al público sin mayores complicaciones, ni pretensiones, por ese lado; el del entretenimiento, cumple bastante bien.
 
Titulo Original: Thor The Dark World
 
Director: Alan Taylor
 
Actores: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Tom Hiddleston, Christopher Eccleston, Anthony Hopkins, Idris Elba, Kat Dennings, Stellan Skarsgard
 
Calificación: 8
 
En 2 Palabras: Simpática y Espectacular
 
Curiosidades: Originalmente se iba a estrenar en verano, pero sus productores no confiaron lo suficiente en ella y la mandaron a finales de año, teniendo así más posibilidades de hacer buena taquilla, ya que en esa fecha no hay tanta competencia de blockbusters.
 
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miércoles, 13 de noviembre de 2013

GRAVEDAD

Por lo general cuando se nombran a los mejores directores de la actualidad siempre están en esa lista gente como Quentin Tarantino, Christopher Nolan, Darren Aronofsky y David Fincher, y la mayoría de las veces nos olvidamos de otros dos grandes directores que sin duda están en esa privilegiada lista, con su sello propio e igual de talentosos que los citados, estos son; Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, incluso sería injusto no meter en esa misma liga al otro miembro de los tres amigos; Alejandro González Iñarritu.
 
Pues bien, este año Del Toro y Cuarón estrenaron dos obras maestras, cada uno en un estilo y un nicho muy diferente entre si, aunque compartiendo género, el de la ciencia ficción, una más realista e intimista que la otra, pero ambas con la gran virtud de ser películas de sus directores; esto quiere decir que en ambas se siente el amor de dos cineastas extraordinarios que acogieron y arroparon su proyecto como si de un hijo se tratará, ambas respiran magia y talento por todos lados.
 
Ahora me voy a centrar más en la obra de Cuarón; “Gravity”, una cinta difícil en su concepción y seguramente más difícil en su ejecución, que cuenta con un manejo soberbio de la cámara, el 3D y el CGI más inteligente y bien aplicado que he visto en mucho tiempo.
 
Aquí se nos cuenta la odisea de la doctora Ryan Stone (Sandra Bullock), una brillante ingeniera especializada en medicina que está en su primera misión en un trasbordador, al mando del vuelo esta el veterano astronauta Matt Kowalsky (George Clooney) el cual esta a punto de retirarse. Pero en un paseo espacial, aparentemente de rutina, se desencadena el desastre tras una lluvia de escombros. El trasbordador queda destruido, dejando a Stone y Kowalsky completamente solos, unidos el uno al otro y dando vueltas en la oscuridad.
 
Puedo asegurar desde ya que el formato 3D nació para cintas como esta, olvidando que últimamente cualquier película que se precie de tener uno que otro efecto especial se socorre de este formato para hacer más taquilla, está claro que desde “Hugo” de Martin Scorsese, ninguna cinta había justificado enteramente el uso del efecto tridimensional como ésta, aquí este recurso además de estar bien planificado y ejecutado es un complemento muy importante, ya que ayuda a meter al espectador en la situación y casi literalmente nos mete de lleno en el espacio y en los confines de las estaciones espaciales donde se desarrolla la historia.
 
La fotografía de Emmanuel Lubezki, es como siempre en su carrera; magnífica, una belleza total y absoluta, la complicidad entre Cuarón y Lubezki cada vez adquiere más madurez y los únicos que salimos ganando somos los espectadores, pues ya desde “La Princesita”, “Grandes Esperanzas” y “Niños del Hombre” han hecho mancuerna para entregarnos bellas imágenes, imágenes que se quedan en la memoria, además de que ambos saben cómo mover la cámara de manera magistral; prueba de ello son los planos secuencia que han elaborado entre ambos, resaltando el de “Niños del Hombre” (cuando Clive Owen recorre un campo de batalla de mano de la joven embarazada).
 
En esta ocasión se superan y logran realizar varios planos secuencia, resaltando el que abre la película, pues en 16 minutos sin cortes de cámara y un elegante manejo de la lente nos adentra en el espacio y en la situación de los personajes, en definitivo es una delicia visualmente, es seguramente lo más cercano que nos sentiremos en el espacio y veremos el planeta tierra desde la estratosfera.
 
En el plano actoral la cinta se sustenta básicamente en Sandra Bullock quien carga con todo el peso emotivo y dramático de la historia, y esta muy bien apoyada por George Clooney que derrama carisma en cada aparición; Bullock tiene aquí la oportunidad perfecta para callar las bocas de todos sus detractores quienes la ven como una simple actriz de comedias románticas (yo me incluyo entre estos detractores), y vaya que lo logra, y Clooney no viene más que afianzar el por qué es uno de los herederos de ese carisma clásico de gente como Cary Grant, Clark Gable, y Humprey Bogart.
 
Ahora bien, la cinta no es del todo perfecta; el guión firmado a dos manos por el mismo Alfonso Cuarón y su hijo Jonás, es uno de sus puntos débiles, no quiero decir con esto que es malo, pero si es muy básico, y tiene una clara inclinación a ser muy sentimental en algunas secuencias, lo cual no esta mal, es algo más personal, pues yo no creo que la cinta necesitara algo así; al ser una gran survival movie no necesitaba ese anclaje, pero pues los Cuarón decidieron que era lo mejor para su proyecto y ahí esta, habrá a quienes les parezca la cereza en el pastel, y habrá otros más exigentes, como yo, que les parecerá algo innecesario.
 
Otra queja, que es también más personal que otra cosa, es el final, sin destripar nada para los lectores que no la han visto, creo que una cinta de este calibre necesitaba algo más fuerte, algo más impactante, aunque sin el final que le dieron no se tendría toda la alegoría que los Cuarón querían mostrar.
 
A partir de aquí, los lectores que no han visto la cinta es mejor que dejen de leer, pues es imposible hablar de ello sin destripar puntos importantes de la trama, SPOILERS, la alegoría que los Cuarón querían mostrar tiene que ver con el renacimiento de una persona que ha muerto por dentro a raíz de una tragedia familiar, el personaje de Sandra Bullock comenta que su hija murió debido a un accidente sumamente tonto, y que desde ahí ella se convirtió en una autómata, una persona que deambula con el piloto automático, sin mayor meta en la vida más que pasar el día a día lo más rápido posible, y es cuando entra en la estación rusa que literalmente Cuarón resucita a su personaje con la imagen de Bullock en posición fetal, con las mangueras de su traje espacial como cordón umbilical, y de ahí comienza un proceso de renacimiento para el personaje, que se esclarece cuando a punto de morir suicidándose por la falta de oxigeno inducida, entra al quite la alucinación del personaje de Clooney y le muestra el camino a la salvación, ahí ella retoma las riendas de su vida y en honor a su hija muerta (aquí el sentimentalismo del que hablaba) decide luchar hasta el final por salvar su vida, por último, esa conclusión que a mí no me gustó del todo, cierra esta metáfora, pues cuando se salva y llega a la tierra tiene que literalmente volver a empezar a caminar, y batalla para ello, es ahí, cuando logra ponerse de pie por completo, que el personaje principal ha vuelto a nacer, y a partir de ahí será alguien diferente a esa apática mujer y que deambulaba sin un sentido en la vida, FIN SPOILERS.
 
En conclusión, es un peliculón en toda la regla, tiene un ritmo trepidante, la tensión se maneja de manera magistral, las actuaciones son bastante buenas, destacando Sandra Bullock (aunque me pueda aceptarlo), su fotografía pasará a la historia como una de las más bellas que jamás se hayan filmado, el trabajo del Alfonso Cuarón director, es exquisito, y el trabajo del Cuarón guionista, aunque un tanto flojo, nos brinda una emocionante historia, además es una lección a todos los cineastas del mundo del cómo utilizar las nuevas tecnologías a favor del público y la historia.
 
Titulo Oirginal: Gravity
 
Director: Alfonso Cuarón
 
Actores: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris
 
Calificación: 9
 
En 2 Palabras: Asombrosa y Emocionante
 
Curiosidades: En un principio los papeles principales estaban destinados a Angelina Jolie y Robert Downey Jr., y fueron a dar a Sandra Bullock y George Clooney una vez que los primeros lo rechazaron. Por poco y no filman la película ya que ningún estudio de Hollywood quería arriesgase con una cinta como ésta, más tomando en cuenta que costó 100 millones de dólares, al final los recupero en las dos primeras semanas.
 
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jueves, 31 de octubre de 2013

10 REMAKES QUE VALEN LA PENA

Los remakes se han puesto de moda en Hollywood los últimos años, pero la verdad es que han sido recurrentes a lo largo de la historia del cine, aunque es muy claro que hoy en día son de los proyectos que más acaparan a los estudios cinematográficos. Si una película goza de cierto éxito ó tiene una basta legión de aficionados es casi un hecho que en un par de años algunos productores deseosos de dinero fácil y rápido, querrán hacer su remake.
 
 Y es que ese es el principal problema de los remakes; que son proyectos muchas veces oportunistas, sustentados solo en la necesidad de los ejecutivos de Hollywood de seguir inflando sus cuentas bancarias, son carentes de originalidad y algunas veces; hasta de respeto por la obra original.
 
Hay productos tan bochornosos en el rubro de los remakes como: “Psicosis” (1998), “La Profecía” (2006), “Poseidón” (2006), “The Eye” (2008) y “El Día que la Tierra se Detuvo” (2008), pero también hay productos que no solo resultan buenos, si no que superan a sus predecesoras. A continuación una lista de diez remakes que merecen el visionado, algunos son mejores que los originales, otros no, pero se dejan ver y sobre todo; muestran algo que vale la pena, sin ningún orden en particular aquí esta.
 
10.- La Gran Estafa (Steven Soderbergh, 2001) Este es un remake de la cinta homónima de 1960, en la que desfilaban figuras como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., y Dean Martin, en aquella Danny Ocean (Frank Sinatra) convoca a sus ex – compañeros de la segunda guerra mundial para robar cinco casinos en una noche. En su remake; el papel de Ocean es interpretado por George Clooney y dentro de sus secuaces están Brad Pitt y Matt Damon, y con la diferencia de que aquí roban tres casinos de manera simultanea, la segunda versión es superior debido a la química de sus protagonistas, el humor y la tecnología utilizada para modernizar la historia, además de contar con un villano a la altura como Andy García. El film original hoy tiene su valía gracias a la nostalgia de ver al Rat-Pack en acción, pero definitivamente la nueva tiene mayores meritos cinematográficos; simplemente su director Steven Soderbergh, es más dotado visualmente que Lewis Milestone que dirigió la otra en los sesentas.
 
9. – La Chica del Dragón Tatuado (David Fincher, 2011) El Remake de la famosa película sueca “Los Hombres que no Amaban a las Mujeres” (2009) fue superior por varios aspectos; entre ellos, el pulso del director David Fincher, su espectacular impacto visual queda rendido ante una historia más sórdida, más oscura que la original, y aunque ambas se basan en la misma novela, la versión de Fincher no escatimó en la violencia, el sexo, y la intriga internacional, además de que Daniel Craig es un actor con más carisma que Michael Nyqvist. La fotografía fue otro punto a su favor, pues el trabajo de Jeff Cronenweth es estupendo, por medio de sus imágenes se siente la opresión y la sordidez que se respira en el ambiente de la historia, lo único en lo que creo que es superior la original es en la actriz que interpreta a Lisbeth Salander, en lo personal Noomi Rapace lo hizo mejor que Rooney Mara, aunque no puedo negar que la actuación de esta última es muy valiente.
 
8.- La Mosca (David Cronenberg, 1986) En este caso no se trata de un remake propiamente, pues su antecesora de 1956 es un tanto diferente, más bien esta es una nueva adaptación del relato de George Langelaan, pero si nos ponemos estrictos no deja de ser un remake, eso si, superior a la original, y por mucho. De entrada esta versión ochentera cuenta detrás de cámaras con uno de los más irreverentes y potentes directores de la historia del cine; David Cronenberg, y eso se nota en el resultado final; es un examen de conciencia sobre un científico que quiere superar a dios y por consecuencia obtiene su merecido, además de que en medio de imágenes sumamente desagradables y grotescas hay una impactante historia de amor imposible, es un film brillante y atípico en el cine de horror, hoy en día es mucho más conocida esta segunda versión, que la primera, y con eso ya no hay más que decir.
 
7. – The Crazies (Breck Eisner, 2010) Este es uno de esos casos en los que se hace un remake de una cinta no tan conocida (cuando menos para el gran público, por que los fans del terror sin duda recuerdan la original), pero no por eso significa que la cinta original no tenga suficientes meritos, al contrario, es una obra del incombustible George A. Romero (Creador de la saga de los muertos vivientes, y casi, casi, de los zombis en el cine), y como todas en su filmografía; es una alegoría al sistema, a la sociedad consumista y egoísta, enmarcado todo en una capa de violencia, zombis y tensión de principio a fin. En la segunda versión del film de 1973, contamos con la presencia del carismático Timothy Olyphant (el gran Raylan Givens de la serie Justified) y de Radha Mitchell, dos actores que elevan el producto con sus entregadas actuaciones, además la dirección por parte de Breck Eisner mantiene un ritmo vertiginoso y un manejo del suspenso envidiable, nada le pide a la cinta original, por que además ambas no escatiman en violencia y gore.
 
6. – Cabo de Miedo (Martin Scorsese, 1991) La original de 1962 contaba con la actuación de dos grandes; Gregory Peck y Robert Mitchum, pero su remake, dirigido por el gran Martin Scorsese, también, ambos actores aparecen en otros papeles en la segunda versión, y sus antiguos papeles son interpretados por otros dos grandes actores como lo son; Robert De Niro y Nick Nolte, obviamente la dirección de Scorsese es el aliciente principal para demostrar por qué es mejor su versión, además de contar con una de las mejores y más amenazantes interpretaciones de De Niro. El final en el bote del abogado interpretado por Nolte es un ejemplo de cómo realizar suspenso en el cine, y ya para terminar, solo dos nombres; Jessica Lange y Juliette Lewis, ambas dándolo todo frente a la pantalla, en pocas palabras; es una cinta con un elenco inmenso, con una dirección notable y suspenso del bueno.
 
5. – The Hills Have Eyes (Alexandre Aja, 2006) Un remake de un clásico de Wes Craven, la original tenía muy mala leche; era violenta, misógina y repugnante por momentos, pero su remake la supero en todo, es una de esas películas difíciles de ver para cierta parte del público, pues no escatima en sangre, violencia y salvajismo. El francés Alexandre Aja fue el indicado para dirigir este remake y superar un clásico del género, pues su anterior película; “Haute Tension” (2003) ya era un compendio de brutalidad en pantalla, pero no todo es desagradable en este remake, también hay un buen pulso en la historia, es emocionante y con un gran ritmo, además su final se agradece por no abrazar los convencionalismos de Hollywood.
 
4. – The Departed (Martin Scorsese, 2006) Otro remake del maestro Martin Scorsese, ahora basado en una estupenda película de Hong Kong; “Infernal Affairs” (2002), la cinta original cuenta con la actuación de dos íconos del país asiático; Andy Lau y Tony Leung, pero el remake cuenta con la actuación de varios íconos como Jack Nicholson, Leonardo Di Caprio, Matt Damon, Alec Baldwin, Martin Sheen y Mark Wahlberg, así que en el plano actoral tiene todas las de ganar, además el guión de la segunda versión, escrito por William Monahan, es mucho más complejo, largo e interesante, pues sus personajes tienen más profundidad y peso, la cinta asiática es más directa, es un gran ejemplo de tensión y suspenso, su remake es más un ejercicio de personalidades y traiciones, aunque no dejando de lado el suspenso y la tensión de la obra primigenia.
 
3.- El Amanecer de los Muertos (Zack Snyder, 2004) El debut del artesano Zack Snyder no pudo ser mejor, este remake de uno de los mayores clásicos de George A. Romero es un buen ejemplo de cómo actualizar una cinta de culto sin perder su alma y sus mejores virtudes, incluso en esta primera incursión de Snyder en la silla de director su famoso estilo de cámaras lentas y rápidas (rampeos) brillan por su ausencia, es un film más pulcro, sin tanto adorno visual ó de edición, lo que la hace su mejor película a la fecha, la trama es prácticamente idéntica a la cinta de 1978, actualizada a nuestra sociedad que es más consumista y egoísta que en los setentas y cuenta con un ritmo increíble y emocionante, además de que tampoco escatima en mostrar sangre y escenas shockeantes.
 
  2. – Scarface (Brian de Palma, 1983) La cinta original es de 1932, es dirigida por Howard Hawks, que es mejor conocido por ser el director del inmenso western; “Rió Bravo”, y en esta Tony Montana (Paul Muni) es un gángster de los clásicos, y lo que trafica es alcohol, en su remake pues ya todos lo saben; Tony es un refugiado cubano que trafica drogas y que mantiene una línea muy delgada entre lo bueno y lo malo, la segunda versión es superior en gran parte por el poderoso guión de Oliver Stone y por la gran interpretación de Al Pacino, que aunque no esta exenta de una que otra sobre actuación; es memorable y digna del recuerdo, así como en el caso de “La Mosca” de David Cronenberg, este remake es más conocido que la cinta original.
 
1. – La Cosa (John Carpenter, 1982) Inexplicablemente este remake fue un sonado fracaso económico allá en 1982 cuando se dio su estreno, y digo inexplicablemente por que en verdad es una gran película, cuenta con un reparto de altura entre los que destacan Kurt Russell, Wilford Brimley, Keith David, Richard Dysart y Donald Moffat, cuenta con una dirección prodigiosa por parte de John Carpenter dónde resalta el suspenso; eriza la piel con la música y sus encuadres, además tiene unos efectos prácticos impresionantes aún hoy en día. La cinta original que data de 1951 también fue dirigida por Howard Hawks (el mismo de la original Scarface), y al igual que “La Mosca” es diferente a este remake, incluso su titulo es “The Thing for Another World”, pero la premisa es básicamente la misma, por lo cual se considera como la primera versión, un segundo remake se hizo en el 2011 y también es bastante bueno, se vendió como una pre-cuela de esta versión del 82, pero en realidad es muy parecida, es más bien un remake disfrazado.
 
Hay otros remakes que merecen la pena el visionado como: “Evil Dead” (2013), “The Last House on the Left” (2009), “Assault on Precinct 13” (2005), “Viernes 13” (2009) y “Fright Night” (2011).
 
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martes, 22 de octubre de 2013

ANTES DE LA MEDIANOCHE

En 1995, el director Richard Linklater venía de estremecer el mundo del cine independiente con su cinta icónica: “Dazed and Confused”, presentó la que fue su siguiente película; “Antes del Amanecer”, en ella unos jóvenes Ethan Hawke y Julie Delpy protagonizaban uno de los mejores films románticos de los noventas, y en lo personal, de la historia.
 
En esa ocasión conocimos a los jóvenes Jesse y Celine, ambos se conocen en un tren rumbo a Viena, ambos son idealistas, tienen una vida por delante, son afines en muchas cosas, pero también tienen importantes diferencias, esa relación tan improbable estaba destinada al fracaso, estaba destinada a ser una cosa de una sola noche, y al final, eso parece que sucederá, ellos prometen volverse a ver, a buscarse, pero esas promesas parecen llevárselas el viento.
 
Esa primera cinta sentó unas sólidas bases en cuanto a una historia que trascendería los años, el amor y el destino; los actores y el director forjaron una importante amistad, y sobre todo, forjaron una complicidad artística que fue más allá de ese proyecto de 1995, en aquellos años, se prometieron volver a juntarse nueve años después, tal cual como Jesse y Celine, para retomar a estos interesantes personajes.
 
En el año 2004, esa promesa se cumplió, en esta ocasión los actores Hawke y Delpy volvían no solo como actores, si no también como guionistas, ya que comparten crédito con Linklater como los creadores del guión, nominación al oscar incluida, esa unión dio resultado a una historia más madura, más interesante, un proyecto que supero al original, gracias, sobre todo, a la implicación tan profunda de estos tres mencionados.
 
En la secuela nos topamos con Jesse y Celine nueve años después de su último encuentro, la madurez de los personajes es evidente, no solo por su aspecto físico, si no también en su aspecto psicológico, en gran medida a que en verdad pasaron nueve años, nueve años en la que los personajes, los actores y el director han tenido tiempo suficiente para obtener más experiencia, experiencia que se nota en todos los aspectos; la realización es más eficaz, las actuaciones son más punzantes y acertadas, aderezadas con cierto cinismo que los personajes han adquirido por el pasar de los años y por la promesa no cumplida en la que ahora tienen una segunda oportunidad.
 
En esa segunda visita a esos personajes todo vuelve a ser como la primera vez, un idílico romance que aunque parece destinado al fracaso, nos emociona y nos hace pensar que el destino juega un papel muy importante en la vida, jamás una película con solo dos personajes paseando por las calles fue tan emotivo, en esa segunda ocasión el final nos prepararía una sorpresa, pues nos dejo a la mitad de lo que parecía un final feliz ó infeliz, pues termina de manera tajante e intempestivo.
 
Ahora en el 2013, y nueve años después de ese segundo encuentro, nos volvemos a topar con Jesse y Celine, solo que esta vez las cosas han cambiado mucho a la última vez que los vimos, él tiene un hijo de 14 años con una ex esposa, ella tiene 2 hijas con Jesse, y ahora son un matrimonio feliz, ó más bien, un matrimonio común y corriente, con sus crisis y sus problemas.
 
  La primera vez tenían 20 años, todo era romántico y bello, la vida les sonreía y les esperaba un futuro prometedor a ambos, la segunda vez tenían 30 años y con algunas decepciones a cuesta y el cinismo que los años dan, tuvieron una segunda oportunidad para comprobar que están hechos el uno para el otro, ahora con 40 años y la rutina del matrimonio, los hijos, y la perdida de la emoción que su romance tenía cuando se topaban accidentalmente, les parece cobrar factura.
 
En mucho tiempo no había visto la culminación de una trilogía que fuera tan eficaz, se nota exquisitamente planeada, se nota amor verdadero al proyecto por parte de sus involucrados, aquí la madurez, la crisis de pareja y emocional, adquieren un valor trascendental, nuestros queridos personajes Jesse y Celine ahora son unos adultos, y como adultos su vida se ha tornado más complicada. Ahora los reclamos, los sacrificios como pareja y como padres, son las constantes de su relación, estupendamente ejecutados por la pareja protagónica.
 
De igual manera que en sus antecesoras la realización cuenta con planos secuencia bastante bien hechos, nos hacen meternos de lleno en las conversaciones de los personajes, por que cabe recordar que esta es una cinta de personajes y sobre todo, de diálogos, los diálogos son el alma de esta trilogía, y aunque superficialmente podría parecer monótono ó aburrido ver una hora y media de conversaciones entre dos personas que se aman para bien ó para mal, no podrían estar más equivocados, pues sus platicas son interesantes y sobre todo muy empáticas.
 
En esta ocasión la historia va más cercana a la reciente “Triste San Valentín” (Derek Cianfrance, 2011), que a las anteriores secuelas donde el romance y lo bonito tenía más peso, al final de cuentas ahora es una historia sobre dos personas con una relación ya desgastada y arrastrada al tedió y la monotonía, ahora lo importante será si esta pareja que pudo sobrevivir a los años separados y al destino, podrán sobrevivir el desgaste del tiempo.
 
En conclusión, para mí esta es una de las mejores películas de lo que va este 2013, es también una de las mejores trilogías hechas, pues se nota un proyecto con alma propia, con cariño real y absoluto por parte de sus creadores y actores, es una cinta diferente, pues esta más bien enfocada a público ávido de historias que se sustenten por los personajes, sin adornos de efectos especiales, acción ó comedia fácil, sin ser un film de arte, es algo muy parecido, pues definitivamente no es para todos los gustos, el público acostumbrado a productos de consumo fácil, creo que es mejor recurrir a los blockbusters que actualmente siguen en cartelera, pero por el contrario, si quieren pensar un poco, esta es la opción.
 
Titulo Original: Before Midnight
 
Director: Richard Linklater
 
Actores: Ethan Hawke, Julie Delpy
 
Calificación: 9
 
En 2 Palabras: Empática e Interesante
 
Curiosidades: La filmación de esta tercera parte, se llevó a cabo en Grecia de manera clandestina, de bajo de los radares de la prensa mundial, pues el año pasado sacaron una foto cuando el rodaje ya estaba terminado, dando así a conocer la existencia del final de la trilogía.
 
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miércoles, 16 de octubre de 2013

10 DE LAS MEJORES PELÍCULAS DE ACCIÓN

Hablar del cine de acción me trae muy buenos recuerdos, al ser el género favorito de mí padre, es inevitable recordar mis primeros acercamientos al séptimo arte, sin miedo de sonar superficial debo admitir que esos primeros pasos en el cine los di con el cine de acción, viendo a los actores que mí padre idolatraba en mí niñez, es inútil nombrarlos todos, pero si, ahí estaban Charles Bronson, Clint Eastwood, Chuck Norris, Lee Marvin, Bruce Lee, Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Jean Claude Van Damme, Bruce Willis y muchos más.
 
La nostalgia me invade al recordar las grandes salas de cine de antaño, acompañando a mí padre a ver la nueva aventura de su héroe en turno en la marquesina, a pesar de que muchas veces entraba de contrabando, estoy seguro que muchos de los hombres de mí generación (nacidos en los ochentas) recuerdan esto mismo.
 
Al voltear atrás y recordar todo esto sin duda me queda claro que el género a evolucionado, así como el cine en general; antes los héroes de acción eran machos invencibles, la mayor parte del tiempo groseros y sucios, no dudaban en matar a diestra y siniestra, y por obvias razones sus historias no temían en mostrarnos todo esto sin pudor alguno.
 
Ahora el cine de acción se ha “dulcificado” los héroes de acción son más “sensibles”, la sangre ya no se muestra con tanta normalidad, sus vocabularios se han refinado, es por eso que hoy en día películas como “The Expendables” ó la nueva entrega de “Duro de Matar” se notan como experimentos retro y como especimenes raros en una época de tecnología y efectos especiales por todos lados.
 
Sin más, enumero una lista de diez cintas de acción, la mayor parte de ellas clásicas, como siempre, una lista subjetiva y muy personal, pero no cabe duda que estas cintas son de lo más representativo del género
 
10.- Lluvia Negra (Ridley Scott, 1989) El papel más bad-ass de Michael Douglas en el cine, jamás una cruzada contra la mafia japonesa Yakuza fue tan memorable como esta, acompañado de un entonces joven Andy García, en otro papel que se queda en la memoria, dirigida ni más ni menos que por Ridley Scott, en la que es su única película de acción policíaca (sus demás cintas del género son más bien de ciencia ficción ó épicas históricas), la escena de las motos que acechan a García es sin duda un clásico, el final en la granja japonesa también es todo un ejemplo del por qué la incluyo en esta lista.
 
9. - Mad Max 2: The Road Warrior (George Miller, 1981) El prototipo del anti héroe de acción puede ser sin duda Max Rockatansky interpretado de maravilla por Mel Gibson, la segunda parte supera a la primera, sobre todo por las espectaculares persecuciones, en especial la del final, el ritmo en esta cinta va en ascenso, memorables personajes, memorables imágenes, un ejemplo de cómo filmar escenas de velocidad con coches y camiones especiales.
 
8.- Máxima Velocidad (Jan de Bont, 1994) Después de que Keanu Reeves filmó la también magnífica “Punto de Quiebra”, se afianzo en el género de acción con esta historia de acción trepidante, con villano memorable incluido; Dennis Hopper, en la que probablemente fuera su última gran actuación, la faena del policia Jack Traven para detener un camión de pasajeros que al frenar explotaría, encantó a todo el mundo y posiciono también a una joven y jovial Sandra Bullock, que irrumpió con fuerza en Hollywood después de su papel de la valiente Annie.
 
7. – Bourne: El Ultimátum (Paul Greengrass, 2007) El personaje de Jason Bourne significó un revulsivo para el género, los agentes secretos tenían un estancamiento claro, todos eran copias del famoso y flemático James Bond, hasta que llegó Matt Damon con este personaje que le dio un giro, y sobre todo le dio nuevos bríos a los agentes secretos en el cine, con un look más realista, más sucio; esta trilogía marco un antes y un después a como se hace y se ve el cine de acción, la tercera parte es la más celebrada y probablemente la mejor de la ahora cuatrilogía.
 
6. – La Roca (Michael Bay, 1996) El cine de Michael Bay es vapuleado y celebrado a partes iguales en el mundo, lo que es cierto es que jamás su estilo se vio tan bien y funciono de mejor manera que en esta, su segunda película (la primera fue Bad Boys), con un Nicolas Cage en estado de gracia, un Sean Connery en su hábitat más cómodo y un villano redimible y entrañable a manos de Ed Harris, acción trepidante y explosiva de principio a fin, el estilo del director marcando la pauta que seguiría su filmografía; escenas en cámara lenta, tomas contra picadas, ensalzamiento de las fuerzas militares gringas, explosiones espectaculares y ritmo vertiginoso .
 
5. - Hard Boiled (John Woo, 1992) En esta lista tenía que estar el maestro del cine de acción chino John Woo, entre su filmografía encontramos películas muy famosas y populares como “Código Flecha Rota” y “Contracara”, lo cierto es que cualquiera de estas podría figurar en este listado, pero sin duda la cumbre de su estilo y su acción fue “Hard Boiled”, con su actor fetiche en Hong Kong; Chow Yun-Fat, la balacera final, de ni más ni menos que 28 minutos de acción sin parar, es el ejemplo más claro de por que escogí esta y no cualquier otra de este mítico director.
 
4. - Fuego contra Fuego (Michael Mann, 1995) Un enfrentamiento entre dos monstruos de la actuación como Al Pacino y Robert de Niro fue un sueño que se cumplió con esta cinta, de la mano de uno de los mejores directores de acción que hay en la actualidad; Michael Mann, se nos brindo un trhiller de policías y ladrones con todas las de la ley, una historia palpitante, emocionante, con actuaciones soberbias, y no solo de los dos protagonistas, si no también de Val Kilmer, John Voight, Tom Sizemore, Natalie Portman, Ashley Judd, Kevin Gage, Diane Venora, en fin, un elencazo al servicio de una gran historia, por si fuera poco, tiene la que es probablemente la mejor balacera y uno de los mejores planos secuencia jamás filmados; la de la calle después del último robo.
 
3.- Terminator 2 (James Cameron, 1991) Otra secuela que supera a la primera parte, en el que es sin duda el papel más entrañable de Arnold Schwarzenegger, que paso de villano a héroe en esta saga, aquí el malo recae en Robert Patrick que brinda un antagonista de antología; ya que con muy pocos diálogos logra verse amenazante. Una de las grandes virtudes de esta cinta son los efectos especiales, que en su día en 1991 eran lo máximo y lo más nuevo, hoy se ven bastante bien y no han envejecido para nada, lo que le da un plus muy importante, acción impresionante, una trama del juicio final bastante interesante y un catalogo de escenas para el recuerdo.
 
2. – Arma Mortal (Richard Donner, 1987) Las buddy movies (película de dos compañeros un poco dispares) habían tenido en la película “48 Horas” su principal punta de lanza, pero fue hasta que los tenientes Martin Riggs (Mel Gibson) y Roger Murtaugh (Danny Glover) irrumpieron en pantalla que las reglas del juego de este tipo de cintas de acción quedó plantada. Dos veteranos de la guerra de Vietnam, uno blanco, otro negro, uno loco, otro viejo, 4 secuelas, varios villanos, secundarios de antología; Joe Pesci, Rene Russo, y mucha diversión, sin duda el cine policíaco ya no fue el mismo después de esta cinta, las dos primeras partes son las mejores, aunque las 4 se dejan ver bastante bien.
 
1. – Duro de Matar (John Mctiernan, 1988) El prototipo del héroe de acción ochenteno y noventero es sin duda John Mclane, interpretado por Bruce Willis, en el papel que le dio fama mundial y lo posiciono como estrella de Hollywood, la primera parte es perfecta; contiene un guión entretenido, lleno de punzantes e ingeniosos diálogos, un antagonista que esta en el olimpo de los villanos de las cintas de acción; el gran Alan Rickman, secuencias espectaculares que al día de hoy no han envejecido y sobre todo; el héroe de la función que ha sido muchas veces imitado pero jamás igualado, sus secuelas han ido decayendo en calidad y grandeza conforme han pasado los años, la segunda y tercera parte son dignas de la primera, pero tanto la cuarta como la recién estrenada quinta parte han dejado algo que deber. Como dato curioso esta el hecho de que el guión de “Duro de Matar” se escribió como una secuela de la película de Schwarzenegger “Comando” donde interpretaba al ex mercenario John Matrix, al final Schwarzenegger y el estudio no la filmaron y el proyecto termino transformándose en lo que hoy conocemos como la saga del invencible John Mclane.


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lunes, 7 de octubre de 2013

TITANES DEL PACÍFICO

Año con año todos los estudios de Hollywood sacan sus cartas fuertes para ganar dinero a mansalva, la época veraniega siempre esta colmada de Blockbusters hechos con el único propósito de abarrotar las taquillas y atraer la mayor parte del público que se pueda a las salas de cine, es por eso que en esta época salen a relucir las secuelas de películas de súper héroes (este año Iron Man y Superman), las secuelas de películas de acción (Rápidos y Furiosos 6), las secuelas de películas basadas en series de televisión ó caricaturas (Star Trek 2) y hasta las secuelas de las películas animadas (Monsters University, Mí Villano Favorito 2), de vez en cuando salen cintas que no son secuelas, pero están basadas en algún libro, novela gráfica ó simplemente son un remake (este año Guerra Mundial Z).
 
Por eso filmes como “Inception” son tan importantes y refrescantes, por que aparecen de la nada, son historias originales, algo no visto ni en papel, ni en televisión y mucho menos hace muchos años en otra cinta, desgraciadamente este tipo de provectos veraniegos cada vez escasean más, este 2013 tuvimos la fortuna de tener dos proyectos con estas características, aunque son muy diferentes entre si, pese a que ambas son películas de ciencia ficción, estas fueron; “After Earth” y “Titanes del Pacífico”.
 
Y digo que son tan diferentes entre si, por que lo que “Titanes del Pacífico” tiene, “After Earth” lo extraña y lo adolece al mismo tiempo, del último fracaso de M. Night Shyamalan acompañado de Will Smith no hablare mucho, solo decir que es un: “quiero y no puedo” en toda la regla, de la otra obra de Guillermo Del Toro en cambio, me extenderé para ovacionarla y recomendarla fervientemente.
 
La historia nos lleva a un futuro distópico donde unos monstruos de nombre Kaiju empiezan a surgir del mar para destruir todo a su paso. Para combatirlos se crea un arma especial: los Jaegers, unos enormes robots que son controlados simultáneamente por dos pilotos, cuyas mentes están conectadas a través de un puente neuronal. Pero hasta los Jaegers se muestran indefensos frente los despiadados Kaiju. Al borde de la derrota, las fuerzas que defienden al mundo se ven obligadas a recurrir a dos improbables héroes: un ex piloto con una tragedia a su cuesta (Charlie Hunnam) y una novata sin experiencia con un trauma y una deuda pendiente con los monstruos (Rinko Kikuchi). Juntos representan la última esperanza de la humanidad frente al inminente Apocalipsis.
 
No extraña que nuestro compatriota Guillermo Del Toro entregue una película repleta de escenas espectaculares y rodadas de brillante manera, ya en su díptico de “Hellboy” se vislumbraba a un cineasta apto para representar escenas de catástrofes ó con abundantes efectos especiales, y su lado más autoral como el de “El Laberinto del Fauno” nos había venido a confirmar que es un director con una voz propia y un estilo muy bien marcado y muy propio.
 
Su última película es tal vez su cinta más ambiciosa, por muchos aspectos, es una historia difícil, ya que realizar un film donde el punto principal son las luchas entre robots gigantes y monstruos igualmente grandes y no caer en el absurdo ó en la parodia, es una labor titánica, y aquí el gordo, sale más que bien librado.
 
Olvidando que los robots y los monstruos son los protagonistas de este film, nos queda el hecho de que es una historia sobre héroes, sobre humanos luchando en contra de la extinción, así que lo épico se palpa por todos lados, es una aventura futurista que nos brinda escenas igualmente bellas como impresionantes, al igual que nos entrega un ritmo vertiginoso y con gran tino.
 
Las actuaciones son buenas, se ve que Del Toro escogió a quien en verdad quería y ninguno de su elenco se ve impuesto, ya que no hay ningún nombre famoso ó que venda por si solo, los más conocidos son Idris Elba (que hace poco salió en “Prometheus”) y Ron Perlman (el actor fetiche de Guillermo Del Toro), pero de ahí en más nadie que pueda ser reconocido por el gran público.
 
El peso cae en Charlie Hunnam y Rinko Kikuchi, a él se le puede ver en la estupenda serie “Sons of Anarchy” compartiendo créditos con Ron Perlman también, y a ella la pueden recordar por su papel en “Babel”, del también mexicano Alejandro González Iñarritu (tal vez ahí ocurrió una recomendación entre colegas), pues ambos cumplen decorosamente su papel, se ven cómodos y a gusto, son los héroes improbables que el guión nos menciona y salen airosos igual que sus personajes.
 
Otro gran punto es la fotografía del también mexicano Guillermo Navarro, compañero inseparable de batallas del otro Guillermo, su fotografía luce extraordinaria, fría y metálica, como los robots protagonistas, pero tiene una belleza extraña, que es precisamente uno de los sellos personales del director y de este fotógrafo cuando trabajan en conjunto.
 
Con algunas reminiscencias de animes como “Mazinger Z” y “Evangelion”, la cinta es impresionante en su despliegue de batallas, también por ahí se nota el amor que el director mexicano le tiene al cine de kaijus proveniente de Japón, donde su principal exponente es ni más ni menos que Godzila, pues ambos estilos colisionan brindándonos un espectáculo de primer nivel, emocionante y vigoroso.
 
Es una lastima que en Estados Unidos no haya arrasado la taquilla y en su lugar la nueva porquería de Adam Sandler; “Son Como Niños 2”, la haya superado, esto solo nos habla de lo poco receptivo que es el público de hoy en día, prefieren ver: “malo conocido, que nuevo por conocer”, y películas originales, realizadas con pasión y entrega a veces pasan desapercibidas debido a que no vienen precedidas de algún material conocido ó no vienen apadrinadas por algún actor famoso de Hollywood, si tan solo esta hubiera conjuntado el carisma y arrastre de Will Smith (fue él único que salvó del fracaso absoluto y rotundo la última cinta de Shyamalan) con la calidad inminente que tiene “Titanes del Pacífico”, hubiera hecho el doble de dinero, eso si, es una historia muy para hombres, es ese factor el que tal vez hizo que muchas mujeres no se volcaran a los cines a verla.
 
En conclusión, es un espectáculo veraniego emocionante y épico, la delicia de muchos de los que nacimos en los ochentas, pues quienes crecimos viendo caricaturas como “Voltron” ó la mencionada “Mazinger Z”, es nuestro sueño hecho realidad, al verla no pude dejar de sentirme como un niño pequeño viendo lo más grande que mis ojos me puedan permitir, y se nota que ese sentimiento es el mismo de su director.
 
Titulo Original: Pacific Rim
 
Director: Guillermo Del Toro Actores: Charlie Hunnam, Idris Elba, Rinko Kikuchi, Charlie Day, Clifton Collins Jr., Ron Perlman
 
Calificación: 9.5
 
En 2 Palabras: Emocionante e Impresionante
 
Curiosidades: Guillermo Del Toro dejó la filmación de “El Hobbit” para filmar esta cinta, argumentando que prefiere libertad creativa, la cual aquí tuvo de sobra, además de que contó con casi 180 millones de dólares de presupuesto, que difícilmente recuperará ya que no ha tenido la aceptación que se esperaba.
 
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miércoles, 25 de septiembre de 2013

10 NUEVOS DIRECTORES A SEGUIR

La década pasada nos dejó prometedores directores de cine que hoy ya están consolidados y algunos de ellos hasta con estatus de culto, aunque algunos otros han ido perdiendo fans con cada nuevo proyecto, lo que no cabe duda es que gente como Christopher Nolan, M. Night Shyamalan, Wes Anderson, Zack Znyder, Jason Reitman, Michel Gondry, Guy Ritchie, Darren Arofnosky, Nicolás Wending Refn, Edgar Wright y J.J Abrams hoy ya son una realidad y pasaron de ser promesas a principios del siglo XXI a ser de los más exitosos en la industria hoy en día.
 
Como todo en la vida, estos directores mencionados comenzaron su carrera desde cero, pero todos tienen un punto en común; que irrumpieron sorprendiendo al mundo gratamente con sus primeras cintas, algunos fueron haciéndose cada vez más buenos (dígase Christopher Nolan y Wes Anderson) otros han ido de capa caída (dígase M. Night Shyamalan) y otros se han convertido en herederos de gente como Steven Spielberg (dígase J.J Abrams), lo que sí, es que hoy cualquiera de estos talentosos directores son referentes de buen cine ó cine taquillero a nivel mundial.
 
Pues bien, hay una nueva oleada de directores que buscan hacerse de un nombre como sus colegas arriba mencionados, esta nueva década nos trae nuevas voces y nuevos rostros en este rubro, aquí enumero una lista de 10 de estos nuevos directores a los que sin lugar a dudas hay que seguirles la pista, no hay un orden particular, así que sin más, aquí están.
 
10. - Derek Cianfrance Director norteamericano que se dio a conocer con la estupenda “Triste San Valentín”, con esa película llamó la atención de críticos de todo el mundo al contar una historia melancólica, visceral y sobre todo muy real, lo que más se destacó de su trabajo fue lo mucho que exprimió a sus actores Ryan Gosling y Michelle Williams, al sacarles actuaciones extraordinarias y dignas del recuerdo, tiene pendiente de estreno para este año: “The Place Beyond the Pines”, otra historia melancólica, enmarcada en el mundillo de los ladrones, los policías y los padres primerizos, también cuenta con la presencia de Ryan Gosling, quien parece ser su actor fetiche hasta el momento, además de Bradley Cooper, Eva Mendes y Ray Liotta, la crítica la alaba y todo indica que estamos ante un verdadero autor.
 
9. – Duncan Jones Ingles de 42 años, hijo de ni más ni menos que el cantante David Bowie, hizo su debut cinematográfico con la increíble “Moon”, en la que un impresionante Sam Rockwell era prácticamente el único actor en la historia, con esa película Jones demostró ser un director con gran pulso dramático así como lo suficientemente hábil para impactar visualmente, su segunda película lo confirmo como un buen artesano con un aire de autor; “Source Code” con Jake Gyllenhall, lo que aquí quedó claro es que es un director con ideas frescas y muy solvente con su elenco e imágenes, sus siguientes proyectos apuntan a la adaptación de famoso juego de rol “Warcraft” y un biopic del creador de James Bond; Ian Fleming.
 
8. – Neil Blomkamp Sudafricano de 34 años, empezó su carrera como creador de efectos especiales, Peter Jackson le brindo su primera oportunidad para dirigir y lo apadrino en la excelente “Sector 9”, en gran parte debido a que Blomkamp había estado trabajando en la adaptación del videojuego “Halo”, por recomendación de Jackson, y tiempo después le cancelaron el proyecto, fue así que nació el interesante proyecto que supuso su opera prima, con un pulso para la acción sorprendente y una voz autoritaria en la que habla de la discriminación social y el tema de la migración sin tapujos, irrumpió en el mundo del cine con pie derecho, nominaciones al oscar incluidas. Ahora esta a punto de estrenar en verano “Elysium” protagonizada por Matt Damon y Jodie Foster, en la que parece conserva los temas migratorios y de discriminación social, apoyados por potentes imágenes de ciencia ficción y acción trepidante.
 
7. – Rodrigo Cortés Español de 40 años, debutó en su natal España con la película “Concursante”, antes ya había escrito y dirigido varios cortometrajes, demostrando desde ahí su buen hacer con la cámara, el proyecto que le catapulto la fama mundial fue “Sepultado” con Ryan Reynolds, un angustiante thriller donde todo ocurre dentro de un ataúd y con un solo actor en todo el metraje, fue comparado con el mejor Hitchcock con ese trabajo, su siguiente, y hasta ahora última cinta, fue la también competente “Red Lights” que es su paso definitivo a Hollywood, contando en su elenco con estrellas como Robert De Niro, Sigourney Weaver y Cillian Murphy, este último film mantiene un ritmo que se incrementa cada minuto y un final inesperado totalmente, si sigue así puede llegar a ser un referente obligado del suspenso.
 
6. – Colin Trevorrow Norteamericano de 37 años, el año pasado salió del anonimato con la película independiente “Safety Not Guaranteed”, con su cinta debut demostró ser también un gran guionista, pues el guión de esa, su opera prima, es probablemente uno de los más originales y divertidos guiones del año pasado, aunque pasó desapercibida en las premiaciones más glamorosas, si ganó algunos premios en circuitos independientes, su principal arma es pues; una ingeniosa manera de contar historias, fue tal el impacto de su primer trabajo que ahora su prueba de fuego viene de manera categórica, ya que ha sido el elegido para dirigir la nueva entrega de la franquicia de Jurassic Park.
 
5. – Rupert Wyatt Ingles de 41 años, su debut fue con una cinta inglesa independiente de nombre: “The Escapist”, pero su consolidación e irrupción como un director a tomar en cuenta fue con la sorprendente “Rise of the Planet of the Apes”, nadie se imagino que esa cinta fuera a funcionar como lo hizo, en gran parte debido al director ingles, después de ese inesperado éxito le han llovido propuestas, por supuesto se le busco para hacer una secuela de su exitoso film, pero decidió desmarcarse para buscar algún proyecto más original y que le llame más la atención, hasta ahora no tiene nada fijo, pero diario recibe interesantes propuestas, seguro volverá con un buen proyecto.
 
4. – Steve McQueen Ingles de 44 años, aunque se llama igual que el mítico actor, no tiene nada que ver con él, incluso este es una persona de color, llamó la atención del mundo con su interesante película “Hunger”, donde dio a conocer a un actorzazo llamado Michael Fassbender, antes que Tarantino, McQueen descubrió a este gran actor alemán, el año pasado volvió a contar con sus servicios en la fantástica “Shame”, gracias a esa cinta de temática un tanto fuerte, fue que el mundo del cine lo ha puesto como una interesante propuesta de cine de autor; valiente y sin miedo alguno a la hora de contar historias espinosas y controversiales, su cine cuenta desde la crítica social de la huelga de hambre que se dio en una prisión irlandesa, hasta la historia de un adicto al sexo, y por último, pasando de nuevo a la crítica social, con una historia sobre esclavismo el cual es su nuevo proyecto; “Twelve Years a Slave”, donde cuenta con la actuación de Brad Pitt, Michael Fassbender (de nuevo), Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti y Chiwetel Ejiofor.
 
3. - Jeff Nichols Norteamericano de 35 años, debutó con la prácticamente desconocida “Shotgun Stories”, hace dos años fue injustamente ignorado por los grandes premios por su película “Take Shelter”, una joya de cine independiente con la impresionante actuación de Michael Shannon y un impactante final, aquí demostró que es un director a tomar en cuenta, su siguiente cinta fue “Mud”, que el año pasado se estreno con buenas críticas en el festival de Cannes, al igual que este año lo hizo en Sundance, con las actuaciones de Matthew McConaughey, Reese Whiterspoon y su actor fetiche Michael Shannon.
 
2. – Martin McDonagh Ingles de 43 años, llamó la atención del mundo del cine con la estupenda “En Brujas” en la que Colin Farrell y Brendan Gleeson interpretaron un relato de mafiosos en desgracia, acompañados de un gran guión y un fino humor negro. El año pasado demostró que ese no fue un golpe de suerte, ya que su última película “Seven Psycopaths” es otra estupenda cinta de humor negro y mafiosos, el cual parece ser su sello personal, con la actuación de nueva cuenta de Colin Farrell y un potente elenco secundario donde pasean Christopher Walken, Woody Harrelson, y un siempre magnífico Sam Rockwell, si sigue con ese estilo será un guionista y director que dará mucho de que hablar.
 
1. – Josh Trank Norteamericano de 28 años, debutó como director en la injustamente desconocida mini-serie “The Kill Point”, un gran producto que pasó desapercibido, pero que es sumamente recomendable, después sorprendió a propios y extraños el año pasado con la divertida “Chronicle”, una refrescante cinta sobre súper héroes y super villanos que vino a darle nuevos bríos al género, fue tal su éxito que Twenty Century Fox le ofreció inmediatamente hacer un remake de “Los Cuatro Fantásticos” ó un spin-off de “Venom” el personaje de SpiderMan, lo más seguro es que dirija la de los Cuatro Fantásticos y también tiene planes de hacer una secuela de su exitosa “Chronicle”.
 
Otros directores a tomar en cuenta son; Gareth Edwards (dirigió “Mosnters” y actualmente filma “Godzilla”), Sean Durkin (dirigió “Martha Marcy May Marlene” actualmente es candidato para dirigir un biopic de Janis Joplin) y Joe Cornish (dirigió “Atack the Block”).
 
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