SUEÑOS DE LIBERTAD

James Gray es uno de los mejores directores de la actualidad, esta en una lista de cineastas que no tienen muchos reflectores, ni mucha fama, pero que cada que saca una película la crítica especializada se rinde a sus pies, en lo personal creo que las cintas Two Lovers (2008) y We Own the Night (2007) son sus mejores trabajos, coincidentemente ambas con Joaquin Phoenix, quien sin duda es su actor fetiche y al que le ha exprimido jugosos trabajos como el de la mencionada Two Lovers, donde Phoenix entrega una de las mejores tres actuaciones de su carrera.

 

Para este su nuevo trabajo, volvió a contar con Phoenix como protagonista y contó con la que personalmente pienso que es una de las mejores actrices que existen en el mundo actualmente; Marion Cotillard, y por si fuera poco, uno de los actores de reparto es el ascendente Jeremy Renner, todos estos ingredientes en papel nos podrían indicar una gran película, un proyecto hecho por, y para arrasar con premios y elogios en todo el mundo, desgraciadamente la cinta se queda en un enorme: "quiero y no puedo".

 

La historia nos cuenta como a principios de los años veintes Ewa (Marion Cotillard) y su hermana Magda (Angela Sarafyan) dejan su país natal; Polonia, para conquistar la tierra prometida, Nueva York. Cuando llegan a los Estados Unidos, Magda, enferma de tuberculosis, y es colocada en cuarentena. Ewa, sola y sin conocer a nadie, cae en manos de Bruno (Joaquin Phoenix), un criminal de poca monta y sin escrúpulos. Para salvar a su hermana, Ewa está dispuesta a hacer lo que sea y aceptar todos los sacrificios a los que se tenga que enfrentar. Sin querer se ve envuelta en un triangulo amoroso entre Bruno y su primo el ilusionista Orlando (Jeremy Renner), este triangulo y los celos de Bruno la llevaran a replantearse el sueño americano.

 

Presentada en la edición de Cannes 2013, recibió críticas muy dispares, dividiendo a los especialistas, y por primera vez en la carrera de Gray, la crítica no lo alabo por unanimidad, creo que esas críticas estaban bien infundadas, ya que el film no deja de desprender una sensación de que pudo haber sido mucho más de lo que resultó ser al final, aunque lo que es cierto, es que aún siendo una obra menor en la filmografía de su director, es mejor que muchas otras, visualmente es hermosa, y por muchos pasajes nos recuerda enormemente las epopeyas criminales; El Padrino Parte II (Francis Ford Coppola, 1974) y Érase una Vez en América (Sergio Leone, 1984), aunque esta se encuentre a años luz de esas obras maestras, pero por lo menos en el apartado estético es casi perfecta.

 

Por otro lado las actuaciones elevan considerablemente el conjunto, los dos protagonistas; Phoenix y Cotillard, entregan como casi siempre, trabajos entregados, meticulosos y bien construidos, Renner aunque no tiene mucho margen para brillar si logra cuando menos mostrar todo su carisma. En esta ocasión creo que el problema radica en la edición que seguramente dejo mucho material en la sala de montaje, además de que a Gray se le paso la mano con el clasicismo que siempre desprende en sus obras, la cinta parece un proyecto concebido en un Hollywood de antaño, pero que hoy en día no es del todo bien visto, la elegancia de su dirección esta presente, pero por momentos esta elegancia entorpece la trama.

 

En conclusión, es una cinta atípica, como si hubiera estado enlatada por décadas y por fin viera la luz, los dos protagonistas y la fotografía la salvan considerablemente y solo por esos dos apartados la puedo recomendar fervientemente, pero desgraciadamente uno no puede verla y dejar de pensar en que este proyecto pudo, y debió ser infinitamente mejor, el relato del fallido sueño americano y de los sacrificos que construyeron una nación se merecía una obra más redonda.

 

Titulo Original: The Immigrant

 

Director: James Gray

 

Actores: Marion Cotillard, Joaquin Phoenix, Jeremy Renner, Dagmara Domynczyk, Angela Sarafyan

 

Calificación: 7.5

 

En 2 Palabras: Atípica y Emotiva

 

Curiosidades: El director James Gray escribió el papel de Ewa específicamente para Marion Cotillard. En un principio la cinta se llamaba Lowlife, por motivos de derechos le cambiaron el nombre a Nightingale, y al final terminó siendo The Immigrant.

 

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PUEBLO CHICO, PISTOLA GRANDE

El director y guionista Seth Macfarlane ha creado algunas de las caricaturas más representativas del nuevo milenio, sus programas Family Guy, American Dad y The Cleveland Show, son dignas herederas de Los Simpsons, aunque su humor es mucho más corrosivo, ácido y vulgar que el de la conocida familia amarilla de Springfield, sin duda ha encontrado una gran legión de seguidores en todo el mundo y ha establecido las caricaturas para adultos como series competitivas en el mercado global.

Hace un par de años debutó con un arrasador e inesperado éxito con la película Ted (2012), una buddy movie en la que hacía mancuerna Mark Wahlberg y un vulgar y patán oso de peluche, como era de esperarse, su debut estuvo plagado de su humor escatológico, transgresor, un tanto vulgar y políticamente incorrecto, el negocio fue redondo, ganó el triple de lo que costó y entonces Macfarlane conseguiría un gran estatus en la industria, debido a este enorme éxito se le abrirían las puertas en los estudios para hacer prácticamente lo que quisiera.

Fue entonces cuando a Macfarlane se le ocurrió que su segunda película sería un western, una atípica comedia ambientada en el viejo oeste, sorprendiendo a propios y extraños, ya que este género es prácticamente nulo, tal vez su única referencia y claro ejemplo a seguir sería Locura en el Oeste de Mel Brooks(1974), además para esta segunda incursión en los largometrajes decidió dejarse el papel principal y no solo poner su voz como lo hiciera en Ted, eso si, rodeado de un gran elenco entre los que destacan Charlize Theron, Liam Neeson, Giovanni Ribisi, Neil Patrick Harris y Amanda Seyfried, donde se nota que todos se divierten con la disparatada historia.

Albert (Seth Macfarlane) es un ordinario y cobarde ovejero, después de echarse para atrás en un duelo de pistolas, su novia Louise (Amanda Seyfried) le deja por otro hombre con mejor posición social (Neil Patrick Harris). Es entonces cuando aparece en su vida una misteriosa mujer de nombre Anna (Charlize Theron) que le ayudará a sacar el valor que lleva dentro y en el camino olvide a su ex novia. Pero cuando empiezan a enamorarse, llega el marido (Liam Neeson), un famoso y temido forajido, decidido a saldar cuentas. Es cuando nuestro protagonista no tendrá más remedio que poner a prueba su recién encontrado coraje.

Creo que tengo que aclarar algo, si alguna vez han visto Family Guy, ó vieron Ted y no les gustó, por considerarla demasiado vulgar, tonta ó agresiva, mejor ni se paren en el cine a ver esta nueva aventura de Macfarlane, este tipo de comedia puede no gustar a los más conservadores. Quienes hayan visto sus shows sabrán que la repetición, los flashbacks, el homenaje ó desmitificación de figuras del cine ó de la cultura pop son el sello de la casa, en esta ocasión sigue su estilo al pie de la letra, pero ahora si, a los fans de su estilo debo decirles que algunos gags no llegan a ser redondos del todo, incluso si vieron su trailer habrán visto ya los mejores chistes, a excepción de un cameo realmente sorpréndete venido del futuro (literalmente) y otro venido de una película de Tarantino, no hay muchas sorpresas.

En conclusión, es una comedia atípica, muy divertida para los que gozan las comedias para adultos; llenas de referencias a la cultura pop, groserías, vulgaridades, dobles sentidos y lo escatológico, en lo personal bajó un poco el peldaño tras Ted, pero sigue siendo refrescante en algunos sentidos, le aplaudo enormemente a su director, guionista, productor y actor principal el valor de hacer una comedia de vaqueros, que tal vez no pase a la historia, pero quedará ahí como una interesante curiosidad.

Titulo Original: A Million Ways to Die in the West

Director: Seth Macfarlane

Actores: Seth Macfarlane, Charlize Theron, Liam Nesson, Giovanni Ribisi, Amanda Seyfried, Neil Patrick Harris, Sarah Silverman

Calificación: 8

En 2 Palabras: Atípica y Divertida

 

Curiosidades: Charlize Theron usó una peluca en esta filmación ya que estaba rapada por la filmación de Mad Max: Fury Road. Cuando Albert habla Apache dice: “Mi-la Ku-nis, Mi-la-Ku-nis”, haciendo una obvia referencia a la actriz Mila Kunis que es la voz de Meg en Family Guy y la actriz principal de Ted.

 

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UN PASADO IMBORRABLE

La segunda guerra mundial es el conflicto bélico que más se ha retratado en el cine, desde imponentes cintas que mezclan el drama con la acción como Rescatando el Soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998) y La Cruz de Hierro (Sam Peckinpah, 1977), hasta solemnes dramas como: La delgada Línea Roja (Terence Malick, 1998), La Lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993) y La Vida es Bella (Roberto Benigni, 1998). En esta ocasión el filme Un Largo Viaje también se desarrolla en este altercado mundial, pero desgraciadamente no se le acerca ni poquito a las mencionadas.

 

Si hay algo que no soporto mucho son los productos academicistas, cintas que se hacen con la firme intención de ganar premios, y que sus guiones se fabrican para tocar el lado más sentimental de los espectadores y los académicos que entregan premios por el mundo, por si fuera poco, este tipo de proyectos suelen tener en su elenco estupendos actores de los cuales intentan aprovechar su estatus de estrellas, en este caso en particular, esta cinta tiene todos estos puntos, y como suele suceder en estos casos, todo el conjunto es un enorme desperdicio.

 

Eric Lomax (Colin Firth) es un oficial británico encantado desde su infancia por los ferrocarriles. Durante la Segunda Guerra Mundial es capturado por los japoneses y enviado a un campo de trabajo donde se construyen las vías de tren entre Birmania y Tailandia. Allí, él y sus compañeros tienen que sobrevivir a las torturas de sus enemigos. Años después, Lomax vive en el norte de Inglaterra retirado junto a su esposa Patricia (Nicole Kidman), cuando descubre que el soldado japonés responsable de gran parte de su sufrimiento sigue vivo (Hiroyuki Sanada).

 

El principal problema de esta cinta es su director, ya que es incapaz de dotar suficiente identidad al proyecto, en todo momento luce artificial, fría, el filme en ningún momento conecta con el espectador, parece más preocupado en lograr nominaciones en sus apartados técnicos y actorales y olvida por completo el drama de sus personajes, si me dicen que es una película hecha para televisión me la creo, tiene sus altas y sus bajas, algunos pasajes están muy bien conducidos, pero otros son soporíferos e incompletos.

 

Nicole Kidman es un florero con un rostro muy extraño (es preocupante como va quedando con el tiempo esta actriz dañada totalmente por el botox), Stellan Skarsgard esta totalmente desperdiciado al igual que el gran Hiroyuki Sanada, el guión transita por muchos aspectos y en ninguno profundiza lo suficiente; comienza como una historia de amor, después se convierte en una historia de amistad y lealtad, para terminar siendo una historia de redención y perdón, la verdad es una lastima que una trama tan interesante resultara tan intrascendente, por lo menos Colin Firth y Jeremy Irvine entregan una destacada actuación haciendo el mismo papel en dos épocas diferentes y la fotografía nos entrega postales muy bellas.

 

En conclusión, esta es una cinta lenta, fallida en sus pretensiones, pero que cuenta con un gran elenco que brilla por pequeños momentos, de haber sido dirigida por alguien más capaz y con más garra estaríamos ante un gran drama bélico, pero desgraciadamente no es así y estamos ante una TV movie que puede satisfacer a los espectadores menos exigentes.

 

Titulo Original: The Railway Man

 

Director: Jonathan Teplitzky

 

Actores: Colin Firth, Nicole Kidman, Stellan Skarsgard, Jeremy Irvine,

 

Calificación: 6.5

 

En 2 Palabras: Intrascendente y Pretenciosa

 

Curiosidades: El joven Jeremy Irvine realizo el papel del joven Eric Lomax por recomendación del propio Colin Firth. La verdadera Patricia Lomax asistió a la premier en el festival de Toronto el año pasado y fue ovacionada de pie, el verdadero Lomax murió en el año 2012.

 

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10 CLÁSICOS QUE FRACASARON EN SU ESTRENO

Algunos títulos que hoy conocemos como clásicos, fueron un sonado fracaso en su tiempo, de público e incluso de crítica, y tal vez no lo crean de algunas de ellas, pero efectivamente, fueron incomprendidas en su tiempo, y los años las puso en el lugar que se merecían, en lo personal, creo que una cinta reciente que alcanzará este mérito será John Carter (Andrew Stanton, 2012).

 

Por lo pronto aquí les dejó una lista de diez de estos títulos que hoy son considerados como imprescindibles, pero en su estreno no llenaron las expectativas, sin ningún orden en particular, aquí les van.

 

10. - Big Trouble in Little China (John Carpenter, 1986) Después de haber sorprendido a propios y extraños en el género del terror con Halloween (1978), John Carpenter demostró que también sabía hacer otro tipo de cine, en específico la comedia de acción, de nuevo con su actor fetiche Kurt Russell presentó Masacre en el Barrio Chino(como se llamó en México), cuando se estrenó en 1986 el público le dio la espalda, seguramente no se entendió a la perfección esa mezcla de fantasía, acción y comedia, pero los años la han puesto como un perfecto ejemplo de cine de los ochentas, un poco más inocente y sin tanta pretensión, es el tipo de producto hecho cien por ciento para divertirnos, y vaya que lo logra, eso sí, sus efectos si han envejecido bastante.

 

9. – El Resplandor (Stanley Kubrick, 1980) Aunque no lo crean, ésta que al día de hoy es todo un referente en el género del horror fue un fracaso cuando la estrenaron, el público no se volcó a las salas para ver este relato de terror psicológico que hoy tantos fans tiene, fue años después en funciones de medianoche y en el formato de videocasete que logró el éxito, incluso la crítica la atacó en aquellos años, las dos nominaciones a los razzies de 1981 lo comprueban (peor actriz y peor director) y sí, aunque suene a una completa locura; el mismísimo Stanley Kubrick fue nominado al peor director de ese año, no ganó, esa deshonrosa distinción cayó en manos de Robert Greenwald por Xanadú (1980), pero su nominación es un claro ejemplo de lo mal recibida que fue en su tiempo.

 

8. - Vértigo (Alfred Hitchcock, 1958) Al día de hoy ésta cinta del maestro del suspenso Alfred Hitchcock es considerada como una de las mejores tres películas de este icónico director, es nombrada por miles de críticos en el mundo como una obra maestra, pero en los años cincuentas cuando se estrenó fue sumamente ignorada e incomprendida, recibió críticas tibias y el público no la fue a ver, apenas recupero lo que costó, seguramente por que era la cinta más compleja del director ingles, y toda la ambigüedad de la historia incomodaba a los espectadores y a los críticos, pero una vez más, los años supieron reposicionar este relato sobre la obsesión, es impresionante el número de películas a las que ha inspirado, incluso ostenta el número 9 de la lista de las mejores películas jamás filmadas.

 

7. – Sueño de Fuga (Frank Darabont, 1994) Una de las cintas más inspiradoras del siglo veinte fue sin duda ésta, en este caso en particular, la crítica siempre la supo valorar, incluso en los oscares del año de su estreno tuvo 7 nominaciones, resaltando las más importantes como lo son: película, director, guión, actor y actor de reparto, no ganó ninguno, pero su valor va más allá de los premios. Su fracaso fue más bien económico, apenas recupero su costó en las salas de cine, pero un fenómeno extraordinario ocurrió con su salida en video, ya que ese año fue la película más rentada, sin duda el boca a boca hizo su trabajo, y el público le dio su lugar merecido, al día de hoy esta valorada como la mejor película por los usuarios en IMDB.

 

6. – Apocalipsis Now (Francis Ford Coppola, 1979) La épica de Francis Ford Coppola sobre la Guerra de Vietnam no solo tuvo uno de los rodajes más infernales de la historia del cine, también su andar económico fue un calvario; es probablemente uno de los más estrepitosos fracasos en taquilla que ha sufrido una cinta tan venerada por la crítica, ni la palma de oro que ganó en 1979, ni los globos de oro ó los oscares ganados le dieron el impulso necesario con los espectadores, y es que tal vez en aquellos años el público no comulgo del todo con este relato pesimista y denso, que al día de hoy a sufrido varias re-ediciones que la han hecho cada vez mejor.

 

5. – La Cosa (John Carpenter, 1982) Uno de los mejores relatos de terror- ciencia ficción junto a Alien (Ridley Scott, 1979) es sin duda este, ni el hecho de venir firmada por el creador de Halloween (1978) le ayudo con el público, la atmósfera claustrofóbica y opresora de la cinta es al día de hoy una de las más aplaudidas y perseguidas por cineastas de todo el mundo, este es otro ejemplo de un film que los años ha puesto en su debido lugar, y es que aunque en el 82 el público le dio la espalda, hoy cuenta con una basta legión de admiradores, un remake en el año 2011 hizo que se le valorará aún más.

 

 

4. – Érase una vez en América (Sergio Leone, 1984) La última obra maestra de Sergio Leone lo alejo del mundo de los westerns y lo llevó al mundo gansteril, fue tan mal recibida por el público en la fecha de su estreno que de los 30 millones que costó, solo recaudó 5, además de que Leone sufrió en demasía por la edición de su magna obra sobre mafiosos, ya que cuando se estrenó el estudio le cortó más de dos horas, dando como resultado una cinta confusa e incompleta, fue hasta diez años después que salió una edición más cercana a como su director la había concebido, en el año 2002 salió la edición definitiva de poco más de cuatro horas y que es sin lugar a dudas, una obra maestra en toda la regla.

 

3. - El Show de Terror de Rocky (Jim Sharman, 1975) Una de las mayores cintas de culto en el mundo es este musical, que todavía sigue proyectándose en funciones de medianoche por todos los Estados Unidos, pero la realidad es que en su año de estreno no fue muy bien recibida, el público le dio la espalda, pero un grupo underground de fans lograron colocarla como una especie de tradición de medianoche, y es que gracias a esas funciones que se dieron años después de su estreno al día de hoy lleva recaudados más de 139 millones de dólares, que si bien, estamos hablando de que lleva casi cuarenta años en los cines, se dice que ir a una de estas funciones nocturnas es toda una experiencia, pues el público va disfrazado como los personajes de la cinta; bailan y cantan al mismo tiempo que los actores, es probablemente una de las proyecciones más interactivas de las que se pueda ser testigo.

 

2. – Ciudadano Kane (Orson Welles, 1940) Uno de los mayores casos de incongruencia en el mundo del cine es precisamente lo que ocurrió con esta cinta; hoy es considerada como la mejor película jamás filmada por el American Film Institute (AFI), pero en 1940 fue boicoteada por Randolph Hearst que se sintió aludido por la historia, y al ser un magnate de los medios de comunicación en aquellos años, logró impedirle una apropiada corrida en taquilla, tuvieron que pasar más de quince años, con el estreno en televisión y el re estreno en cines, para que se le reconociera como lo que es; una obra maestra.

 

1. – Blade Runner (Ridley Scott, 1982) Posiblemente la cinta que más ha influido en el género de la ciencia ficción en las últimas cuatro décadas, pero en 1982 cuando se estrenó por primera vez fue totalmente ignorada por los espectadores, tal vez su recargada y filosófica trama no gustó tanto al público, además de que en aquella ocasión la versión estrenada duraba casi veinte minutos menos que la versión definitiva que hoy tenemos gracias al blu-ray, diez años después se re estreno en las salas de cine y comenzó a llamar la atención de críticos y consiguió un mayor número de fans, en el 2012 apareció la versión integra de Ridley Scott de la cual no se puede decir más que es una verdadera joya que no ha envejecido ni tantito con los años.

 

Hay otros filmes que fracasaron en su día y hoy son considerados de culto como: Fight Club (David Fincher, 1999), El Gran Lebowski (Joel y Ethan Coen, 1998), Darkman (Sam Raimi, 1990), Near Dark (Kathryn Bigelow, 1987) y Que Bello es Vivir (Frank Capra, 1946).

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AL FILO DEL MAÑANA

Las grandes producciones Hollywoodenses siguen haciendo estragos en las taquillas mundiales, ahora le toca al turno a uno de los consentidos; Tom Cruise, quien por cierto pareciera que ha hecho un pacto del estilo del de Dorian Grey, ya que cada película en la que aparece parece rejuvenecer, y así como rejuvenece físicamente, también lo hace artísticamente, pues en los últimos años ha encontrado un nicho cómodo en el cine de acción, y últimamente en el de la ciencia ficción.

 

En este nuevo vehiculo de lucimiento para Cruise nos encontramos con una trama relativamente original (esta basada en una novela japonesa), algo que cada vez es menos común, ya que por lo general en verano solo recibimos secuelas, remakes, reebots y pre-cuelas, es por eso que se agradece cuando un director como Doug Liman se arriesga a mostrar un producto desconocido para el gran público (el año pasado nuestro compatriota Guillermo del Toro lo hizo con Pacific Rim), y más cuando este producto cumple con su mayor cometido; divertir al espectador de principio a fin y brindar un impresionante espectáculo visual.

 

 

La historia se desarrolla en un futuro cercano en el que una raza alienígena ha invadido el planeta Tierra con un ataque imparable e imbatible por parte de cualquier unidad militar del mundo. El Comandante William Cage (Tom Cruise) es un alto mando militar que nunca ha vivido un combate en su vida, hasta que un día se ve envuelto de forma repentina en lo que parece ser una misión suicida. Muerto en tan solo unos minutos, Cage se encuentra inexplicablemente envuelto en un bucle temporal que le hace vivir una y otra vez la misma batalla, gracias a la repetición interminable de este evento, Cage logra con cada lucha hacerse más hábil y con la ayuda de la guerrera de las Fuerzas Especiales Rita Vrataski (Emily Blunt) se acerca un poco más a la victoria.

 

Las comparaciones con cintas como Hechizo del Tiempo (Harold Ramis, 1993) y Starship Troopers (Paul Verhoeven, 1997) son inevitables, sobre todo con la primera, lo cual no es necesariamente malo, al contrario, toma algunos de los mejores elementos de ambas cintas y lo funden en una historia emocionante y que nunca pierde el ritmo vertiginoso con el que empieza, es un film que desde sus primeros cinco minutos agarra al espectador y ya no lo suelta hasta su final, es de esos proyectos que garantizan la diversión, seas ó no simpatizante del actor principal, el género ó el director, lamentablemente como suele suceder en estos Blockbusters veraniegos, algunas secuencias chistosas suelen descolocar y resultar por momentos ridículas, y sobre todo, la cargante decisión de siempre arruinar los finales, y para no meterme en Spoilers, solo diré que un producto así merecía un final más “adulto” y menos “made in Hollywood”.

 

La dirección de Doug Liman es efectiva y vistosa, es su mejor trabajo a la fecha, lo cual tampoco es un gran halago, ya que quitando la primera aventura de Jason Bourne, la verdad es que su filmografía no es para echar cohetes. Por la parte de Tom Cruise, pues ya saben, su carisma elevada a la décima potencia, físicamente esta muy bien, se mantiene en forma y como siempre nos tiene acostumbrados, sabe balancear muy bien los momentos más dramáticos con las escenas de acción, su complemento Emily Blunt derrocha belleza en pantalla y presenta una buena química con Cruise.

 

En conclusión, es otra gran película dominguera, ideal para pasar un rato emocionante y con algunas escenas espectaculares, junto a los X-Men y Godzilla sigue dejando un buen sabor de boca este verano, quitando su final conciliador la cinta se desarrolla de maravilla y tiene un buen ritmo que nunca decae.

 

Titulo Original: Edge of Tomorrow

 

Director: Doug Liman

 

Actores: Tom Cruise, Emily Blunt, Bill Paxton, Brendan Gleeson

 

Calificación: 8.5

 

En 2 Palabras: Divertida y Emocionante

 

Curiosidades: En un principio la película se llamaba “All You Need is Kill”, que es el nombre de la novela en la que esta basada, pero el estudio decidió cambiarle el nombre por uno más amigable.

 

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